具体描述
In Masterpieces of Modernist Cinema, prominent scholars consider well-known films that seem to stand alone in the history of cinema, without obvious precursors, and without progeny: The Cabinet of Dr. Caligari, L'âge d'or, and Last Year in Marienbad, to name a few. Such films appear to be sui generis and in some ways incomprehensible; but as these essays demonstrate, they are best understood within contexts beyond the world of cinema. Most were heavily influenced by some aspect of Modernism—Symbolism, Dada, Expressionism, Surrealism, Constructivism, Abstract Expressionism, Minimalism, etc.—but the social and political events of the period have left their mark on these films as well. The essays in this collection address individual films, exploring the place of each in the history of cinema and the history of ideas, ultimately rendering each comprehensible.
Contributors are Dudley Andrew, Tom Gunning, Bruce Jenkins, Brandon W. Joseph, Anton Kaes, T. Jefferson Kline, Carrie Lambert-Beatty, Gilberto Perez, Ted Perry, Tony Pipolo, John Pruitt, P. Adams Sitney, and Yuri Tsivian.
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用户评价
这部影片选集简直是电影史上的一个宝库，每一部作品都像一块精心雕琢的宝石，闪耀着那个特定时代特有的光芒。我尤其欣赏编者在遴选标准上的独到眼光，他们没有仅仅局限于那些人尽皆知的泰斗级导演，而是巧妙地穿插了一些在当时可能并未获得主流赞誉，但其先锋性和实验性至今看来仍令人震撼的“遗珠”。比如，其中对某一早期苏联系列短片的深入剖析，简直是打开了一扇通往蒙太奇理论早期实践的侧门，那种纯粹的、不加修饰的影像节奏和叙事结构，让我这个自诩对电影理论有所涉猎的人都感到耳目一新。更难能可贵的是，对每部作品的背景介绍和技术分析都做得极为扎实，绝非泛泛而谈的“很艺术”或者“很有影响力”这类空洞赞美。他们细致地考证了拍摄时的技术限制如何反过来催生了某些独特的视觉语言，例如，早期摄影机移动的僵硬感如何被某些导演巧妙地转化为一种疏离和审视的视角，这对于理解现代主义电影中“去人性化”主题的根源至关重要。读完对其中几部作品的解读，我立刻迫不及待地找来了原片重温，原本以为已经烂熟于心的片段，此刻在有了深厚理论背景的加持下，呈现出了完全不同的层次感和情感张力，这种阅读体验带来的“顿悟”感，是纯粹的视觉享受所无法比拟的。
评分这本书的叙述口吻，带着一种近乎自负的权威感，但奇怪的是，这种权威感却让人信服而非排斥。它不像某些学术著作那样，总是小心翼翼地为每一种观点加上无数的限定词，反而敢于对某些被奉为圭臬的作品提出尖锐的、颠覆性的批评。例如，书中对某部被誉为“里程碑”的法国新浪潮影片的重新解读，作者们大胆地指出其对性别议题的描绘实际上充满了父权制的潜意识偏见，并且这种偏见恰恰被其形式上的创新所完美掩盖了。这种毫不留情的“祛魅”过程，对于一个长期浸泡在赞美之中的主题来说，是极其必要的“清醒剂”。这种批判性的视角贯穿始终，迫使读者不能满足于表面的艺术成就，而必须深入挖掘其背后的意识形态动机。我特别喜欢这种“刺破泡沫”的写作风格，它让整部选集充满了辩论的张力，仿佛作者们正坐在你对面，带着一丝挑战性的微笑，等着你来反驳他们的论断。这种与文本的积极“搏斗”过程，远比被动接受信息来得更有价值。
评分如果要用一个词来形容这本书带来的感受，那可能是“结构性震撼”。它不是简单地罗列了一堆“好电影”，而是提供了一套全新的视觉分析框架。它对于非传统叙事结构的剖析，尤其引人入胜。书中有一章专门讨论了那些故意模糊主客体界限的镜头语言，探讨了当镜头本身成为一个具有能动性的“观察者”时，它如何改变了观众的观看习惯。作者们通过大量技术图示和逐帧分析，展示了诸如反光、模糊处理、以及对焦点的故意转移是如何协同作用，以实现对传统线性时间感的瓦解。我以前总觉得一些实验电影是导演的“自我放纵”，但在读完这本书后，我开始理解那些看似随意的技术选择背后，是多么严密的哲学和美学考量。这本书的价值在于，它成功地将那些最晦涩难懂的电影语言，通过精妙的文字描述，转化成可以被逻辑拆解和理解的“技术蓝图”。读完此书，我感觉自己看世界的方式都发生了一些微妙的倾斜，对日常的视觉信息也变得更加警觉和挑剔了。
评分我对这部选集最深刻的印象，在于它那种近乎偏执的对“形式探索”的关注。很多影评集常常流于对情节、主题的概括，但这部书则像一个显微镜下的解剖师，将镜头聚焦于电影语言的每一个肌理层面。它不会满足于告诉你某部影片“很晦涩”，而是会细致地拆解出，这种晦涩感是如何通过非线性的时间轴、对景深镜头的极端运用、以及故意打破的第四堵墙等一系列技术手段共同构建起来的。其中关于某位中欧导演如何利用极端特写镜头来表达主体意识的碎片化，那段分析简直是教科书级别的范本。作者们似乎对“如何思考电影”比“拍了什么电影”更有热情。阅读过程中，我多次停下来，不是为了查阅某部作品的背景资料，而是为了回味作者们对某种特定剪辑手法的描述——那种将两个看似毫不相关的意象并置，从而在观众脑海中强行制造出新的、超越字面意义的张力的方法。这迫使我重新审视了自己对“流畅叙事”的固有偏好，开始欣赏那些刻意制造的、令人不适的断裂感和陌生化效果。这本书不仅仅是关于电影，它更像是一本关于“视觉思维如何被重塑”的智力挑战书，对于那些渴望突破自身观影舒适区的严肃影迷来说，绝对是不可多得的催化剂。
评分坦白地说，这本书的阅读体验是需要一定的“体力的”，它绝非那种可以躺在沙发上轻松翻阅的休闲读物。它的文字密度极高，引用的哲学思辨和美学理论往往毫不留情地穿插其中，使得理解的门槛相对较高。但这正是它的魅力所在——它尊重读者的智力，相信读者有能力去追随那些复杂的论证链条。我特别欣赏它对于“现代性焦虑”在影像表达中的体现所做的跨文化比较。书中对比了战后欧洲电影中弥漫的虚无主义与同时期美国先锋实验电影中那种近乎狂热的个体解放之间的微妙张力。这种宏大叙事下的微观分析，使得原本看似零散的电影片段被编织进了一个更宏大的文化和历史语境之中。读到关于某位意大利导演在城市景观中捕捉到的“疏离感”时，我仿佛身临其境地感受到了那种水泥森林中个体的无助与漂浮，那种细节的描摹，已经超越了文字的限制，达到了诗歌般的境界。这本书需要你慢下来，反复咀嚼那些长句和复杂的概念，但你收获的，是对电影艺术在特定历史节点上所能达到的精神高度的深刻洞察。
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