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出版者:内蒙古少年儿童出版社

作者:

出品人:

页数:32

译者:编辑：《梦工厂》编辑组

出版时间:2001-08-第1版

价格:25

装帧:精装

isbn号码:9787531211860

丛书系列:

图书标签:

• 动画
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《流光溢彩：20世纪世界经典动画艺术巡礼》 一、 序言：凝视光影的魔力 本书并非收录特定地域或特定年份的展览选粹，而是将视野投向全球，深入探索自动画艺术诞生之初至二十世纪末，那些具有里程碑意义的、在世界范围内产生深远影响的动画杰作。我们致力于揭示动画作为一种独特的叙事媒介和视觉艺术形式所蕴含的无穷潜力与历史轨迹。从早期的实验性剪影到后来的赛璐珞巨制，每一帧画面背后都凝聚着艺术家的不懈探索和时代精神的深刻烙印。 二、 启蒙与拓荒：默片时代的视觉革命 动画艺术的早期探索充满了稚拙而大胆的想象力。本卷将详细剖析奠定现代动画基础的几位先驱者——如法国的埃米尔·科尔（Émile Cohl）和美国的温瑟·麦凯（Winsor McCay）。我们将重点研究《幻影之 দেখছি》（Fantasmagorie）如何以黑板擦除的动态视觉，首次在银幕上展现了流动的生命力。麦凯的《恐龙葛蒂》（Gertie the Dinosaur）则标志着角色动画的成熟，其对角色情感和动作规律的精妙捕捉，为后世的动画表演学打下了坚实的理论基础。本部分还将探讨动画如何与默片时代的戏剧结构和音乐伴奏相结合，形成一种全新的视听体验。我们不关注具体的展览陈列，而是侧重于这些早期作品的创作技法、对“运动”的哲学思考，以及它们如何挑战了传统绘画和电影的界限。 三、 黄金时代的声画合奏：迪士尼现象与好莱坞模式的建立 进入有声电影时代，动画艺术迎来了其第一个黄金高峰。本章聚焦于沃尔特·迪士尼工作室（Walt Disney Studios）如何通过技术创新和叙事深度，将动画从“短片噱头”提升为“主流娱乐”。我们不赘述某次特定展览的陈列顺序，而是深入剖析《白雪公主与七个小矮人》等经典长片在制作工艺上的革命性进步——例如多平面摄影机的应用如何创造出前所未有的景深感。同时，我们将对比迪士尼与同期在欧洲及日本独立发展的动画风格，如德国的奥托·瓦林格（Otto Wellinger）和日本的早期故事片尝试。重点讨论“卡通化”（Cartooning）理论的形成，即如何通过夸张的形体语言来表达复杂的人类情感。 四、 战后多元的探索与风格的解放：从UPA到欧洲的实验浪潮 第二次世界大战结束后，动画艺术开始反思其在战争宣传中扮演的角色，并寻求更为成熟和成人化的表达路径。美国，联合艺术家工作室（UPA）的出现是关键转折点。UPA拒绝了迪士尼的写实主义传统，转而追求平面化、抽象化和高度风格化的设计美学。本部分将细致分析UPA如何将现代艺术流派（如立体主义和构成主义）融入动画叙事，强调设计感的纯粹性而非叙事的复杂性。同时，我们会考察欧洲，特别是捷克斯洛伐克和英国的动画家如何利用定格动画（Stop Motion）和剪纸动画（Cutout Animation）探索社会讽刺和成人童话，其作品更具哲学思辨色彩，这与好莱坞的商业模式形成了鲜明对比。 五、 电视时代的冲击与日本动画的崛起 20世纪下半叶，动画媒体载体发生了根本性变化——从电影院转向了电视屏幕。本章将分析这一转变对动画制作效率和叙事节奏带来的挑战。特别关注日本动画（Anime）的体系化发展。我们不局限于某个展会中可能出现的局部作品，而是从宏观视角梳理手冢治虫（Osamu Tezuka）如何借鉴迪士尼和早期美国电视动画的经验，通过“有限动画”（Limited Animation）技术，成功地将漫画的张力转化为高效的电视连续剧。我们将深入探讨《铁臂阿童木》及后续作品在人物造型、主题深度（如科幻、战争反思）和叙事连续性上对全球动画产业的深远影响。 六、 实验动画的边缘探索与数字化的前奏 在主流商业动画蓬勃发展的同时，一批艺术家坚持在艺术的边缘地带进行探索。本部分聚焦于那些拒绝传统叙事和规范制作流程的独立动画人。我们将分析诺曼·麦克拉伦（Norman McLaren）对光影、色彩和音乐的直接耦合实验，以及匈牙利的贝拉·瓦伊达（Béla Vajda）等人对材料和非传统媒介的运用。这些实验作品虽然受众相对较窄，但它们为后来的计算机图形学动画（CGI）提供了重要的视觉语言和理论参考，预示着进入新世纪的数字化浪潮。 七、 结语：永不停止的运动与变奏 综上所述，《流光溢彩》旨在提供一个跨越百年的、全球视角的动画艺术史梳理，而非某次特定活动的记录。本书侧重于技术革新、美学风格的演变、以及动画作为艺术形式在不同文化土壤中产生的独特变奏。每一位被提及的艺术家和作品，都是推动视觉艺术向前发展的重要力量，他们的贡献构成了动画史上不可磨灭的辉煌篇章。

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天哪，我最近翻完的那本关于经典科幻电影的画册简直是视觉的盛宴！里面的插画水准高得惊人，特别是对于太空场景的描绘，那种深邃的黑暗、闪烁的星辰，还有那些充满未来主义美感的飞船内部设计，每一页都像是一幅精心打磨过的油画。我尤其喜欢其中对于“星门”过场镜头的解构分析，作者没有用枯燥的理论，而是通过一系列富有张力的分镜草图，清晰地展现了那个标志性时刻是如何从概念一步步转化为银幕上的奇观的。而且，这本书的装帧也极其考究，纸张的厚度和光泽度完美地衬托了画面的质感，拿在手里沉甸甸的，完全是收藏级的配置。它不仅仅是简单地罗列剧照，更像是一次深入电影制作核心的导览，让你能感受到当年艺术家们在技术和想象力边界徘徊时的那种兴奋与挣扎。每次翻阅，都能发现一些之前忽略的细节，比如某个背景中人物的小动作，或者某个道具上不易察觉的涂装瑕疵，这些都让这部伟大的作品显得更加真实和有人情味。这本书的排版也很有趣，经常会把一些幕后花絮的文字说明巧妙地穿插在大幅的彩图周围，读起来完全没有压力，就像是和一位资深影迷面对面聊天一样轻松愉快。

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我最近在咖啡馆里翻看的那本关于二十世纪早期欧洲先锋艺术运动的小册子，内容简直是思想的狂欢！这本书的厉害之处在于，它没有将各个流派孤立地介绍，而是通过对比和交织的方式，展现了立体主义、未来主义、达达主义这些看似对立的运动之间，其实共享着对既有美学体系的颠覆欲望。作者的分析犀利而充满洞察力，他指出，很多我们现在视为理所当然的“现代艺术”概念，在当时是多么石破天惊、多么具有颠覆性。书中对马列维奇的“至上主义”的解读尤其精妙，它将那些看似简单的几何图形，上升到了对“纯粹感觉”和“零度空间”的哲学探讨，而不是简单地停留在形式分析上。这本书的排版设计本身就是一种艺术宣言，很多页面的留白处理和字体选择，都带着那个时代的粗粝感和反叛精神。读起来你会有一种强烈的代入感，仿佛能听到那些艺术家们在巴黎的沙龙里，为了一张画的构图或者一个新词的定义而争得面红耳赤的激烈辩论声。

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说起来有点惭愧，我花了很长时间才终于啃完的那本关于中世纪炼金术历史的学术专著，内容之扎实，信息密度之高，简直让人望而生畏，但一旦沉浸进去，就完全停不下来了。这本书的视角非常独特，它没有把炼金术简单地视为一种伪科学或迷信，而是将其视为一种跨越了哲学、化学萌芽、宗教神秘主义的“早期科学实践”。作者详尽地考证了不同时期炼金术士的文本、坩埚和实验室布局，甚至深入分析了拉丁文、阿拉伯文术语的演变，这对非专业读者来说是个挑战，但那种抽丝剥茧的感觉非常过瘾。我特别欣赏它对“贤者之石”象征意义的探讨，这本书认为它不仅仅是制造黄金的秘方，更代表了炼金士们追求的灵魂提纯和精神上的“完美化”过程。书中的插图大多是原作手稿的扫描件，虽然模糊不清，但那种古老的羊皮纸质感和神秘符号的排列，本身就充满了历史的重量感。读完后，我对“实验”这个概念的理解都变得更加宽广了，原来科学探索的起点可以是如此驳杂而充满哲思的。

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最近入手的那本关于战后日本社会变迁的纪实文学，真是让人读得心头一震。这本书的叙事手法非常大胆，它没有采用传统的线性时间轴，而是通过一系列看似毫不相关的普通市民的口述回忆，像碎片一样拼凑出了一个宏大而又极其私密的时代侧影。有在战火中失去一切的寡妇，有在经济奇迹中拼命往上爬的工厂小职员，还有那些在文化冲击下迷失方向的年轻一代。最打动我的是它对“沉默的语言”的捕捉，作者似乎有一种魔力，能让那些受访者在讲述最平淡无奇的日常时，不经意间流露出那个时代特有的压抑、希望与无奈。比如其中一个章节，描述了一个家庭如何为了省下一块肥皂而进行的家庭会议，那种对物质的极度敏感和小心翼翼，比任何宏大的历史论述都更具穿透力。这本书的语言风格是那种内敛而又充满力量的日式白描，没有太多华丽的辞藻，但每一个动词和形容词都像手术刀一样精准，直击人性的核心。读完后，我感觉自己对“重建”这个词有了全新的理解，它不仅是钢筋水泥的堆砌，更是精神层面的艰难重塑。

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我最近淘到一本关于当代城市景观摄影的影集，简直是现代都市生活哲学的小型教材。这本书收录的作品横跨了十几个国际大都市，但奇妙的是，无论是在东京、纽约还是柏林，那些高耸入云的玻璃幕墙、无尽延伸的柏油马路，以及行色匆匆的匿名人群，都传递出一种共同的、令人不安的疏离感。这本书的摄影师似乎对“几何学”有着病态的迷恋，他极其擅长捕捉建筑线条在特定光线下形成的锐利角度，以及交通灯光在潮湿路面上拉出的奇异光轨。但更深层次的，是他对“空间被占据”的描绘。比如有一组照片，拍摄的是地铁出口，几百双脚在同一瞬间迈出，却没有任何眼神的交汇，那种效率至上带来的精神空洞感，被镜头捕捉得淋漓尽致。这本书没有多余的文字说明，只有作品本身在对话，视觉冲击力极强，让你不得不停下来思考自己在这个由钢铁和数据构成的迷宫中，到底处于一个什么样的位置。它成功地将冰冷的城市基础设施，转化成了一种关于人类存在状态的深刻隐喻。

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