案头画范 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:人民美术

作者:牛忠元 绘

出品人:

页数:70

译者:

出版时间:2007-4

价格:26.00元

装帧:

isbn号码:9787102039015

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 水彩
• 风景
• 植物
• 静物
• 速写
• 技法
• 教程
• 艺术
• 入门

纸上江山：宋代山水画的写意与心境 一 本书旨在探究宋代山水画在精神层面与笔墨技法上的独特成就，尤其侧重于那些在时代洪流中被略为低估或深埋于主流叙事之下的流派与个案。我们不将目光局限于北宋的恢弘全景或南宋的院体精微，而是试图深入那些在文人画思潮兴起前夕，艺术家们如何借由山水这一母题，来表达个体对宇宙秩序的理解与生命哲思。 宋代，是绘画艺术从宫廷的“尚法”传统向士人的“尚意”精神转变的关键时期。这其中，山水画无疑承担了最为重要的哲学载体功能。它不仅仅是对自然景观的描摹，更是“可行、可望、可游、可居”的理想精神家园的构建。 本书将首先梳理自五代十国遗风向北宋初年过渡时期的风格特征。那些被称为“巨碑式”的山水，如荆浩、关仝的作品，其磅礴气势并非仅仅是形式上的夸张，而是蕴含着对天地初开的敬畏之心。我们将细致分析这些画家如何运用“斧劈皴”、“披麻皴”等技法，来表现山体的结构、岩石的肌理以及云气的流动，这种处理方式，本质上是对“理”的探索，是画家试图在有限的绢素上捕捉无限的自然规律。 二 深入北宋中期，李成、范宽等人的出现标志着山水画进入了一个高度成熟的阶段。李成的清润与萧疏，范宽的雄强与厚重，形成了鲜明的对比。本书重点分析范宽的《谿山行旅图》，并非仅仅重复其宏伟，而是探讨其“近景巨石，中景密林，远景主峰”的三段式构图，如何巧妙地引导观者的视线，最终聚焦于画面中那微小却不可或缺的“行旅”之人。这种“大景小人”的处理，体现了宋代士人“居于自然，融入自然，而不被自然吞噬”的理想人格。 同时，我们也将探讨当时一些未被推为“大师”但对后世影响深远的区域性画家。例如，在四川画派中，如何运用独特的墨法来表现蜀地山川的湿润与迷蒙，与北方山水的干硬峻峭形成地域性的笔墨语言差异。 三 进入南宋，院体画的精湛技艺与文人画的自觉意识开始交织。本书将重点解析“院体”在山水画中的具体表现，如马远、夏圭的“边角之景”和“一角全景”的构图法。这种构图并非是技艺的偷懒，而是精神上的“取景有方”。在国家南迁、山河破碎的背景下，画家无法再描绘昔日“卧游”的完整山河，转而通过聚焦局部，以残缺的美感来寄托对故国的思念，以及在有限空间中寻求精神的无限延伸。夏圭对水面的处理，马远对虚实的处理，都体现了一种高度凝练的“意在笔先”的哲学状态。 四 文人画的兴起是宋代艺术史上无法回避的转向。尽管我们不讨论元代的大家，但必须审视宋代文人画家如苏轼、米芾在山水画理论和实践上的开创性贡献。苏轼提出的“论画以形似，见与 শিশু游”的论断，代表了一种从“描摹对象”向“抒发主体”的根本性转变。 米芾的“米家山水”，以其“积墨法”和“刷墨法”，彻底打破了传统皴法对山石结构的束缚。他的山水不再是对实景的记录，而是墨与水在宣纸上相互渗透、推衍出的“心象”。这种对偶然性、不确定性的拥抱，预示着中国绘画即将迈入彻底抒发主观情感的阶段。本书将分析米芾如何利用墨色的浓淡干湿变化，来表达情绪的波动，而非描绘具体的地理景观。 五 最后，本书将考察宋代山水画中的“理学”影响。理学思潮强调格物致知，追求宇宙万物的内在秩序。山水画中的“理”，体现在对透视、光影（如早期的“照耀法”）以及空间深度的理性控制上。我们探讨那些看似写实的画面背后，隐藏着画家对“天人合一”境界的追求。他们通过对瀑布的动势、云雾的缥缈、松针的劲健的描绘，来阐释儒家所推崇的“中和”之美与道家所向往的“虚静”之道。 通过对这些不同阶段、不同风格的细致梳理，本书旨在呈现宋代山水画是一个充满内在张力与哲学深度的艺术世界，它不仅记录了技法的演变，更承载了一个伟大时代对“真”、“善”、“美”的终极追问。它是一部关于“山水”的史诗，更是关于“心性”的沉思录。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上关于传统绘画的书籍多如牛毛，但真正能让人感到“醍醐灌顶”的却寥寥无几。然而，《案头画范》做到了。它的独特之处在于，它成功地将晦涩的理论融入到日常可感的物件描绘之中。比如，书中讲解如何处理器物的反光与质感，完全不是照本宣科的几何体分析，而是结合了生活中的茶碗、砚台等实例，让人倍感亲切。这种“从生活到艺术”的路径设计，极大地降低了学习的门槛，同时也保证了艺术表现的真实性。我个人特别喜欢它对于“对比”美学的深入挖掘，无论是墨色的浓淡对比，还是线条的粗细对比，作者都用近乎苛刻的精准度来要求读者。这使得读者在学习过程中，不仅提高了技能，更培养了一种敏锐的观察力和审美判断力。读完之后，我感觉自己的眼睛似乎被重新擦亮了，看世界万物，都有了更深一层的结构感和韵律感。这本书的实用价值和思想价值，可以说是双璧合璧。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就是一种对传统美学的致敬，那种纸张的纹理，油墨的渗透感，都散发着一种沉静的、不易被浮躁世界打扰的定力。然而，真正让我爱不释手的是它对于“画眼”的构建与强调。作者深知，一幅画的精气神往往集中在那么几个关键点上，而《案头画范》花了大量的篇幅去解析如何通过眼神、通过关键的几笔来点睛，让整个画面“活”起来。这一点对于追求效率和结果的现代学习者来说，是极其宝贵的经验。它教会我们如何“做减法”，如何在有限的表达中实现最大的艺术冲击力。我尝试着将书中的一些关于“疏密处理”的原则应用到我以前画的山水小品中，效果立竿见影，原本杂乱无章的画面立刻变得层次分明，重点突出。这本书的叙述节奏非常舒缓，但蕴含的力量却是巨大的，它不是提供速成的捷径，而是铺设了一条通往精湛技艺的稳固长廊。读罢此书，我感到自己的笔墨生涯进入了一个全新的、更加审慎的阶段。

评分☆☆☆☆☆

初次接触到《案头画范》，是在一个朋友的书房里。那一眼的触动，是源于它所散发出的那种沉静而有力的气场。这本书的编排逻辑极其严密，它不是简单地堆砌图例，而是构建了一个由浅入深、环环相扣的学习体系。从最基础的执笔运腕，到中级的结构分析，再到高级的章法布局，每一步都有清晰的脉络可循。最让我感到惊喜的是其中关于“借位”和“留白”的章节，作者用极其简洁的文字和精确的图示，揭示了中国画中空间处理的奥秘。很多时候，我们学习传统绘画容易陷入形似而神不至的困境，而这本书恰恰提供了突破这一瓶颈的钥匙。它教你的不是如何复制自然，而是如何用你的理解去重塑自然。我过去在画人物动态时常常感到僵硬，但在阅读了书中关于“气韵生动”的段落后，再回头去看那些范例，立刻就领悟到了关节所在——原来，线条的曲折处，蕴含着人体的内在张力。这本书无疑是为那些真正想沉下心来钻研的读者准备的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，简直是一场酣畅淋漓的艺术洗礼。我必须承认，我最初对这类传统题材的书籍抱持着一种略微保守的态度，总觉得它们可能过于陈旧，缺乏现代的活力。然而，《案头画范》完全颠覆了我的预设。它的语言风格极为鲜活，没有那种居高临下的说教感，更像是邻家一位技艺精湛的长者，耐心地为你拆解那些看似玄奥的笔墨秘密。书中对“写意”与“写形”之间辩证关系的探讨尤其精彩，作者没有简单地将两者对立起来，而是巧妙地找到了一个平衡点。我特别欣赏作者在讲解不同季节景物的描绘时所采用的对比手法，比如春日柳条的柔韧与秋日枯木的遒劲，仅仅通过墨色的浓淡干湿变化，就能呈现出截然不同的生命力。我甚至可以想象，如果带着这本书去写生，沿途的每一片叶子、每一块石头，都会因为有了这本书的指引而变得鲜活起来。它不仅仅是案头的参考，更是心灵的指南针，指引着我们如何用笔墨记录下流转的时光。这本书的价值，远超出了其作为一本画册的范畴。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本《案头画范》，我的心绪立刻被拉回到那个充满了墨香和纸张气息的年代。这本书的装帧质朴而典雅，那种沉甸甸的厚重感，仿佛能让人触摸到古人的匠心。我原本以为这只是一本普通的绘画技法集，然而深入阅读后才发现，它更像是一部关于“格物致知”的生活哲学录。作者对线条的理解，对光影的捕捉，都体现出一种不动声色的内敛与深沉。尤其是其中对“意境”的阐述，并非空泛的理论，而是结合了大量的实例进行细致剖析。比如，对于如何用寥寥数笔勾勒出一株傲雪寒梅的姿态，书中给出的建议，与其说是一种技巧，不如说是一种心境的投射。这种由内而外的表达，让人在临摹的过程中，不仅仅是在学习绘画，更是在进行一场精神的对话。我尝试着按照书中的步骤去描摹几处山石的结构，发现那种久违的、专注于一事物的宁静感又回来了。全书的排版布局也极具巧思，留白之处恰到好处，使得读者的目光得以休息，也为后来的临习留下了广阔的想象空间。对于我这个业余爱好者来说，它提供了一个坚实的基础，更重要的是，它唤醒了我内心深处对“美”的原始渴望。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆