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出版者:Thornton Publishing

作者:Jimmy Amadie

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1991-01

价格:USD 39.95

装帧:Plastic Comb

isbn号码:9780961303518

丛书系列:

图书标签:

• 爵士乐
• 即兴演奏
• 音乐理论
• 和声
• 节奏
• 旋律
• 乐谱
• 音乐教育
• 爵士钢琴
• 爵士萨克斯风

好的，这是一份关于一本名为《爵士即兴：从理论到实践的全面指南》的图书简介，该书旨在为音乐家和音乐爱好者提供深入的爵士乐即兴创作指导，但内容不涉及任何关于“Jazz Improv”一书的描述： --- 《和声迷宫与旋律飞舞：爵士乐即兴创作的深度解析》 导言：聆听与创造的交汇点 爵士乐，作为一种植根于蓝调和拉格泰姆，却又不断自我革新的音乐形式，其核心魅力在于“即兴”。即兴不是随意的音符堆砌，而是在严格的音乐结构、和声逻辑和节奏律动下，进行瞬间的、充满个性的旋律创作。本书《和声迷宫与旋律飞舞：爵士乐即兴创作的深度解析》，并非一本入门指南，而是一部面向有一定音乐基础，渴望突破技术瓶颈，深入理解爵士乐即兴思维的进阶专著。 本书的写作宗旨是：将抽象的和声理论与实际的演奏应用紧密结合，引导读者穿梭于复杂的和弦进行中，最终构建出富有逻辑性、情感张力和个人色彩的旋律线。我们相信，真正的自由来自于对规则的深刻理解。 第一部分：和声的基石——理解爵士乐的骨架 爵士乐的和声系统是其复杂性和表现力的源泉。本部分将彻底解构构成爵士乐的必备和弦体系，并探讨如何在演奏中灵活运用这些工具。 第一章：超越基础三和弦：七和弦与九和弦的色彩学 我们从标准的爵士乐七和弦（大七、小七、属七、半减七）入手，深入分析其内在张力与解决。重点在于“色彩”的运用，例如，如何在II-V-I进行中，将小七和弦替换为更具张力的属九和弦（如G911），以及这种替换带来的听感变化。 第二章：扩展音程的魔力：和弦内音与上附加音的运用 爵士乐的和声发展很大程度上依赖于扩展音程，即九音、十一音和十三音。本章将详细讲解如何将这些音符系统地融入到即兴旋律中，同时避免产生不和谐感。我们会探讨如何识别和使用和弦的“替代音”（Alterations），例如b9、9、11和b13，并将其视为旋律发展的关键驱动力。我们将通过大量范例展示，如何利用11来强调增四度的色彩，或用b9来增强属七和弦的导向性。 第三章：和弦进行（Chord Progressions）的深度剖析 爵士乐中的和弦进行是旋律的蓝图。本书将集中分析几种最核心的进行模式： 1. 经典的II-V-I循环： 探讨其在大小调中的变体，以及如何在其间加入“色彩和弦”（Color Chords）进行平滑过渡。 2. 节奏布鲁斯（Rhythm Changes）： 深入剖析围绕A段的I-VI-II-V结构，以及B段的转调技巧。 3. “Rhythm Changes”的变奏： 研究如“Oleo”或“Anthropology”中对标准进行进行的巧妙修改，以及这些修改如何要求即兴者采用不同的音阶和琶音。 第二部分：旋律的构建——语言与句法的锤炼 理解了和声框架后，下一步是如何在框架内“说话”。本部分侧重于旋律线条的组织、节奏的处理和动机的建立。 第四章：音阶的精确应用：不再是“音阶练习” 我们摒弃传统的机械式音阶练习，转而探讨如何在特定和弦上选择最“有意义”的音阶。例如，分析Lydian Dominant音阶（Mixolydian 11）在特定属七和弦上的独特作用，以及Diminished音阶在经过和弦（Passing Chords）中的动态效果。我们将展示如何利用音阶的“目标音”（Target Tones）策略，确保旋律的解决是准确而有力的。 第五章：琶音的力量：和弦的结构性表达 琶音是连接和弦骨架最直接的工具。本章着重于： 1. “向下渗透”法： 如何从和弦的根音开始，设计向下行进的琶音片段，以创造流畅的线条感。 2. 跨把位与交替琶音： 教授如何在乐器上实现更宽广的音域和更具爆发力的琶音演奏，避免重复简单的三度或四度堆叠。 第六章：节奏的呼吸与重音的策略 爵士乐即兴的“感觉”（Feel）很大程度上来源于节奏的处理。 1. 摇摆（Swing）的内化： 探讨“三连音律动”在不同速度下的感知差异，以及如何通过提前或延迟重音来创造“推拉感”（Push and Pull）。 2. 休止符的艺术： 分析大师们如何巧妙运用停顿来增加旋律的呼吸感和戏剧性张力，使听者对下一个音符的出现产生期待。 第三部分：风格与对话——从独奏到合奏的演进 爵士乐是音乐对话的艺术。本部分将引导读者将技术转化为艺术表达，并理解在合奏环境中的角色。 第七章：动机发展与主题的提炼 一个优秀的即兴段落往往围绕一个核心“动机”（Motif）展开。本章教授如何： 1. 主题的转化： 将一个短小的旋律动机，通过节奏变化（Rhythmic Variation）、音高变化（Pitch Variation）和和声背景的转换，发展成一个完整的独奏段落。 2. “Call and Response”的个人化： 如何在独奏中实现内部的问答结构，使独奏段落本身具有叙事性。 第八章：风格的借鉴与个性的塑造 本书将分析不同时代和流派大师的即兴特点，并非要求模仿，而是学习其背后的思维逻辑： 比波普（Bebop）的密度与速度： 分析如何保持清晰度和连贯性地演奏快速的音符群。 冷爵士（Cool Jazz）的克制与空间感： 探讨如何通过简化的旋律和更具开放性的音程来营造氛围。 后波普（Post-Bop）的和声渗透： 研究如何应用更宽泛的音阶和更激进的替代和弦来探索色彩的边界。 第九章：在合奏中的角色定位 即兴不仅仅是独奏者的表演，更是与伴奏乐手之间的互动。本章关注： 1. 与节奏组的互动： 如何“倾听”贝斯手的行走路线（Walking Bass）和鼓手的节奏型（Comping），并根据其细微变化调整自己的旋律走向。 2. 伴奏者的艺术： 对于钢琴手和吉他手，讲解如何在不干扰主旋律的前提下，提供丰富且具有推动力的和声支持。 结语：永无止境的探索 爵士乐即兴是一场永不停止的旅程。本书提供了工具箱和地图，但最终的冒险必须由演奏者自己完成。掌握本书所阐述的理论和方法，将使你的音乐语言更加丰富、逻辑更加严密、表达更加自由，最终，让你在面对任何和弦进行时，都能自信地“开口说话”。 ---

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这本书的排版和内容深度，让我感到物超所值，但我也发现了一些可能不太适合所有人的地方，这恰恰证明了它的专业性。书中的某些章节，尤其是在探讨现代后波普（Post-Bop）和前卫爵士（Avant-Garde）中的和弦分解与重构时，对读者的基础乐理知识要求极高。如果一个读者连基本的属七和弦、导音和副属和弦的运作规律都不甚了解，那么直接跳到书中关于“三全音替代”和“色彩和弦密集化”的讨论，可能会感到云里雾里，仿佛在阅读一本外星语录。我个人是花费了额外的精力去回顾了过去学习的一些基础知识，才能勉强跟上作者的思路。但这同时也让我兴奋，因为它确立了一个清晰的进阶路径——这本书不是终点，而是一个强力的跳板，它为你指明了下一步深入钻研的方向。对我而言，那些看似困难的部分，恰恰是未来我需要重点攻克的领域。我把它放在书架上最容易拿到的地方，它的存在本身就是一种持续的激励，提醒我要不断挑战自己的音乐舒适区，去触碰那些尚未被完全理解的复杂和声领域。

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说实话，我购买这本书纯粹是出于一种冲动消费，当时我正处在一个创作瓶颈期，急需一些新鲜的刺激来打破僵局。我希望它能提供一些具体的、立即可操作的“秘籍”或者说“捷径”，让我能快速地上手一些听起来很酷炫的即兴技巧。然而，当我真正开始深入阅读时，我发现这本书的侧重点似乎并不在于提供那种“三步变大师”的速成法。它更像是一部慢炖的浓汤，需要时间去细细品味，去感受其中蕴含的深层逻辑。我特别留意了其中关于“动机发展”的章节，那部分内容没有过多使用晦涩的专业术语，而是通过一系列生动的案例分析，展示了如何将一个简单的音符或节奏动机，通过转位、反向、拉伸等手法，发展成一段完整的、富有叙事性的独奏。这种叙事性的讲解方式，对我这种习惯于从故事中学习的人来说，简直是醍醐灌顶。我试着在自己的吉他上模仿书中的例子，虽然一开始听起来有些生涩和笨拙，但渐渐地，我开始理解即兴的本质——它不是随机乱弹，而是在既定规则下进行的、高度集中的对话。这本书没有给我速成的答案，却给了我更宝贵的东西：一套探索和理解爵士语言的思维框架。这种扎实的理论根基，远比记住几条固定的音阶琶音要来得实在和持久。

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这本书给我最大的冲击是它对“聆听”的强调，这在许多技术导向的教材中是常常被忽略的。作者反复提到，即兴的根基在于对你所演奏的和声进行深入的“感知”，而不是机械地“计算”音符。在“如何在低音线索中寻找灵感”这一章中，作者甚至花了大量的篇幅来探讨如何像贝斯手那样思考，如何用旋律线条来构建和声骨架。这彻底颠覆了我过去那种只关注即兴独奏旋律的狭隘视角。我开始尝试去反向工程那些我非常喜欢的萨克斯风独奏，不再仅仅关注他们弹奏了哪些“快音符”，而是去听他们是如何“等待”时机的，是如何用休止符来制造张力的。这本书让我意识到，好的即兴演奏，其本质上是一种高超的对话艺术，你不仅要清楚地知道自己想说什么，更要仔细聆听你的伴奏者在“回应”你什么。这种深度和广度，远超出了我购买时对一本“即兴指南”的预期。它让我从一个仅仅想“弹得快”的初学者，转变成了一个渴望“说得好”的音乐叙事者。

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阅读体验方面，这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范，它极其注重读者的认知负荷。作者似乎深谙“渐进式学习”的精髓，从最基础的调式概念入手，逐步引入复杂的和声替换和色彩音的使用。我最欣赏它在引入新概念时所采用的对比手法——总是将“传统”的演奏方式与“现代”的即兴处理放在一起进行比较，这样读者就能清晰地看到每一次爵士乐语汇的演变和革新背后的驱动力。例如，在介绍如何处理转调时，书中引用了多位大师在不同时期的录音片段进行交叉对比分析，这种直观的听觉指导，比单纯的文字描述要有效得多。此外，对于那些不熟悉特定音乐家风格的读者，作者还贴心地附上了大量的曲目推荐和时间标记，方便我们同步播放，即时验证书中所述的理论效果。我已经将书中的一部分练习题打印出来，贴在了我的键盘旁边。每当我感到灵感枯竭时，我就会回到这些基础练习中去“充电”。这些练习并非是枯燥的重复，而是巧妙地将技术训练融入到音乐性的表达之中，让人在练习技巧的同时，也在训练自己的音乐耳朵和内心的节奏感。

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这本《Jazz Improv》的封面设计简直是一场视觉的盛宴，那种深邃的蓝色调与灵动的金色线条交织在一起，仿佛能让人瞬间置身于一个昏暗的爵士酒吧里，空气中弥漫着威士忌和烟草的味道。我是在一家老旧的独立书店里偶然发现它的，当时架子上摆满了各种枯燥的乐理教材，唯独这本书散发着一种难以言喻的魔力。我迫不及待地翻开扉页，那些印刷精美的乐谱片段和充满激情的序言立刻抓住了我的注意力。虽然我并非科班出身，甚至连基本的五线谱都算不上精通，但我对爵士乐那种自由奔放、不可预测的魅力一直心驰神往。这本书的排版极为考究，留白恰到好处，让那些复杂的和弦进行和即兴旋律线看起来不再那么令人望而生畏，反而像是一幅幅精心绘制的艺术品。装帧的质感也非常好，拿在手里沉甸甸的，那种高级的纸张触感，让人忍不住想一遍又一遍地摩挲。这本书不仅仅是一本关于“即兴”的指南，它更像是一本邀请函，邀请每一位热爱音乐的灵魂，去探索声音的无限可能。光是研究封面和目录，我就已经花费了数个小时，那种期待感，简直比拆开一份期待已久的礼物还要激动人心。我尤其欣赏作者在前言中对“瞬间创造力”的哲学思考，那几段文字，读起来像是一首精妙的小品文，一下子就拉近了与读者的距离，让人感觉作者并非高高在上的大师，而是一位愿意分享秘密的朋友。

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