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出版者:東京エフエム

作者:

出品人:

页数:255

译者:

出版时间:2007

价格:1260円（税込）

装帧:20.8 x 14.8 x 1.8 cm

isbn号码:9784887451872

丛书系列:

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经典摇滚的永恒回响：一窥《爵士乐的黄金时代：从布鲁斯到比波普的演变》 书籍信息： 书名： 爵士乐的黄金时代：从布鲁斯到比波普的演变 作者： 马丁·格林菲尔德 出版社： 世纪之声出版社 出版年份： 2022年 --- 导言：低语中的变革之声 当我们谈论“黄金时代”，我们往往联想到宏伟的建筑、辉煌的艺术成就，以及那些定义了时代的文化基石。在二十世纪的音乐图景中，爵士乐无疑占据了最璀璨的一隅。它不仅是一种音乐流派，更是一种社会现象、一种对自由的渴望，以及一种非裔美国人声音的有力宣言。 《爵士乐的黄金时代：从布鲁斯到比波普的演变》并非仅仅罗列年代和人名，它试图深入挖掘催生这一伟大音乐形态的社会、经济和文化土壤。本书聚焦于一个关键的跨越期——从根植于南方土壤的原始布鲁斯（Blues）的深沉哀叹，到内城俱乐部中爆发出的、结构复杂、速度惊人的比波普（Bebop）的智力革命。 作者马丁·格林菲尔德，一位深耕音乐人类学数十载的学者，以其严谨的考证和充满情感的叙事笔触，带领读者踏上这场跨越半个世纪的音乐朝圣之旅。他拒绝将爵士乐视为孤立的艺术形式，而是将其置于美国种族关系、移民潮、禁酒令的阴影以及新兴录音技术的光芒之下，细致剖析了每一段旋律背后的历史重量。 第一部：根源与萌芽（1900-1920年代初）——布鲁斯的忧郁与新奥尔良的狂欢 本书的第一部分，将我们带回爵士乐的摇篮——新奥尔良。这里是多种文化的熔炉，欧洲的军乐队传统、非洲的节奏结构、加勒比的旋律线以及美国本土布鲁斯的忧伤情感，在此地激烈碰撞，最终孕育出独特的“迪克西兰”（Dixieland）风格。 格林菲尔德没有回避新奥尔良音乐的复杂性，特别是其与纪念仪式的紧密联系。他详尽描述了“葬礼进行曲”——先是缓慢、肃穆地奏响哀伤的曲调，待走出墓地后，音乐瞬间转为活泼的进行曲，象征着对逝者的缅怀与对生存的庆祝。这便是爵士乐中“悲喜交织”精神的雏形。 重点章节深入分析了布鲁斯的结构。布鲁斯，作为爵士乐的“祖父”，其十二小节的固定和声进行（I-IV-V）和本位音（Blue Notes）的使用，构成了爵士乐即兴创作的情感基调。作者通过对早期布鲁斯女伶如玛·雷尼（Ma Rainey）和贝西·史密斯（Bessie Smith）的唱片分析，揭示了她们歌词中对贫困、背叛和女性自主权的直白表达，这是对当时社会压抑的有力反击。 第二部：大迁徙与摇摆乐的兴起（1920年代末-1930年代）——芝加哥、纽约与“摇摆之王” 随着美国产业化的加速，非裔美国人从南方大规模迁徙至北方工业城市，爵士乐也随之北上，并在芝加哥和纽约找到了新的生命力。这一时期的核心议题是“摇摆”（Swing）。 格林菲尔德认为，摇摆乐的流行是爵士乐首次大规模进入主流社会的标志。大型乐队（Big Band）的出现，要求乐手们具备更高的专业素养和更精确的编排能力。路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）的角色被置于一个至关重要的地位——他不仅将独奏提升到了前所未有的艺术高度，更通过他的演奏确立了即兴的中心地位，打破了集体即兴的传统束缚。 本书对摇摆乐时代的乐队领袖进行了细致的肖像描绘：从本尼·古德曼（Benny Goodman）如何将白人与黑人乐手聚集到同一个舞台，引发文化融合的争议；到杜克·艾灵顿（Duke Ellington）在纽约棉花俱乐部（Cotton Club）中，将管弦乐编排提升至近乎古典音乐的复杂程度；再到卡伯·凯洛威（Cab Calloway）的舞台魅力和独特的“喊叫与回应”（Call and Response）技巧。摇摆乐的黄金时代，是爵士乐商业化和艺术成熟的同步过程。 第三部：暗流涌动与革命前夜（1930年代末-1940年代初）——小团体的复兴与速度的挑战 摇摆乐的商业化和舞蹈需求，在某些方面限制了音乐家的即兴探索。到了1930年代末，一批厌倦了严格编排和商业化限制的年轻乐手开始在纽约哈莱姆区的午夜时分聚集，他们寻求一种更具智力挑战性和个人表达的音乐形式——比波普。 作者详细描述了这种转变的社会心理根源：二战带来的不确定性、对主流文化的疏离感，以及黑人音乐家对被视为“娱乐者”而非“艺术家”的反抗。查理·帕克（Charlie Parker）和迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）成为了这场革命的核心人物。 本书对“比波普的诞生”进行了最为细致的音乐学分析。格林菲尔德解释了比波普如何颠覆了传统的旋律线条和节奏结构： 1. 和声的复杂化： 引入了更多的延伸音（9th, 11th, 13th）和复杂的和弦替换，使得即兴演奏不再局限于原曲的简单和声框架。 2. 节奏的“碎片化”： 鼓手如肯尼·克拉克（Kenny Clarke）将重音从传统的二、四拍转移到踩镲（Hi-Hat）上，创造出更具流动性和不稳定的节奏基础。 3. 速度的提升： 演奏速度加快，目的是筛选掉那些只想跳舞的听众，将爵士乐的听众群推向更专注于音乐本身的精英阶层。 这些午夜聚会，如蒙克（Thelonious Monk）在钢琴上发出的不和谐音符，预示着爵士乐即将完成从“流行伴舞音乐”到“严肃艺术音乐”的蜕变。 结语：永不停歇的探索精神 《爵士乐的黄金时代》在对比波普的介绍后戛然而止，留下了一个开放的思考：爵士乐的“黄金时代”究竟是哪一个？是新奥尔良的原始生命力，是摇摆乐的万人空巷，还是比波普的智力高峰？ 格林菲尔德的结论是，黄金时代并非一个固定的时间点，而是爵士乐持续不断地吸收、消化、再创造的内在驱动力。本书的价值在于，它不仅梳理了清晰的音乐脉络，更深刻地展现了爵士乐作为一种对压迫的反抗、对自由的追求以及对人性的深刻洞察的文化意义。对于任何想要理解二十世纪美国艺术如何塑造其身份认同的读者来说，这是一部不可或缺的指南。它让历史的低语，以最动人的和弦重新响起。

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这本杂志的装帧质量简直没得挑剔，厚实的铜版纸，印刷色彩饱满到连吉他琴身的纹理都能看清楚，拿在手里沉甸甸的，很有分量感。我平时不太喜欢把杂志叠起来放，总觉得会损伤书脊，但这一本的装订工艺看起来非常结实，感觉可以经得住反复翻阅。我最欣赏它对那些“被遗忘的”音乐人的致敬部分。其中一篇长文详细回顾了某位八十年代先锋吉他手的职业生涯，这位音乐家虽然在主流视野中并不出名，但他的技术和创新理念却深刻影响了后来的许多大牌乐手。作者挖掘了大量不为人知的采访记录，把这位音乐家的艺术追求和生活中的挣扎描绘得淋漓尽致，读来让人感慨万千，体会到艺术创作的不易与伟大。这种深度挖掘非主流历史的勇气和能力，体现了这本杂志的专业性，它不仅仅是记录流行，更是在保护音乐的文化遗产，让人感觉自己像是在参与一场严肃的文化考古工作。

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说实话，我对这种“杂志合集”类型的出版物一直持保留态度，总觉得内容会比较零散，不成体系。但是《ROCK AND READ》这次的表现却让人眼前一亮。它没有陷入那种纯粹的怀旧陷阱，而是非常敏锐地捕捉到了当下独立音乐圈正在发生的一些有趣变化。比如，其中一个长篇报道，聚焦于几支来自欧洲大陆的实验性金属乐队，他们如何将传统的重金属乐器与电子合成器和民族乐器进行融合，那种跨界的尝试令人耳目一新。文章的论述逻辑非常清晰，从技术层面的探讨上升到艺术哲学的层面，展现了作者深厚的音乐素养。更让我惊喜的是，杂志里还穿插了一些非常有趣的“幕后花絮”小栏目，比如录音棚里的趣闻轶事，或是音乐家们对日常生活的随笔，这些轻松的内容很好的平衡了主体的严肃性，让阅读过程充满了乐趣，像是在和一个资深乐迷聊天一样。我发现自己为了弄懂其中几个乐理术语，还特地去查阅了一些资料，这种被激发求知欲的感觉，是很多快餐式读物给不了的。

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这个杂志刚到手就迫不及待地翻了起来，封面设计就挺抓人眼球的，那种带着点复古又有点未来感的排版，一下子就把我拉进了摇滚的世界。我本来是冲着某个特定乐队的专访来的，结果发现里面的内容远比我想象的要丰富得多。比如，有一篇深入探讨了七十年代早期朋克乐是如何在地下场景中萌芽的，作者用了大量的现场照片和当事人的回忆录作为佐证，读起来简直就像亲身经历了那个躁动的年代。他们不只是简单地罗列事实，而是非常细腻地分析了当时社会背景对音乐风格转变的影响，那种批判性的视角非常到位。再有，关于一些老牌乐队的吉他音色解析部分也做得非常专业，涉及到了大量的设备型号和演奏技巧，对于我这种业余乐手来说，简直是宝典级别的存在。我特别喜欢它在版式设计上的用心，文字和图片之间的留白处理得恰到好处，不会让人感到拥挤，阅读体验非常流畅。总的来说，这本杂志在内容深度和视觉呈现上都做到了高水准，绝对是摇滚乐迷书架上不可或缺的一份刊物，让人读完后对摇滚乐的历史和现状都有了更深一层的理解和敬畏。

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不得不提的是，这本杂志在不同年代、不同地域的摇滚乐之间搭建了很有趣的联系。比如，它有一篇非常巧妙的专题，将七十年代的德国“泡菜摇滚”（Krautrock）与九十年代初期美国的一些后摇滚乐队的结构主义音乐进行了对比分析，探讨了“重复”和“氛围营造”在不同文化背景下的表达差异。这种跨越时空的对话，极大地拓宽了我的音乐视野，让我意识到许多看似不相关的音乐流派之间存在着隐秘的传承关系。文章的语言风格在此处显得尤其克制而精准，没有过多煽情，而是用清晰的论证引导读者去发现音乐的内在逻辑。每次看完这本杂志，我都会立刻跑去播放列表里寻找那些被提及的乐队，开始新一轮的“主题式”聆听，它不仅仅是提供了信息，更是在主动塑造我的音乐品味和欣赏角度，这种引导作用是极其宝贵的，让人觉得每一分钱都花在了刀刃上。

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整体阅读下来，我最大的感受是“信息密度高但消化起来不费力”。编者显然非常懂得如何平衡深度内容与读者的接受度。举例来说，关于某张经典专辑的“重制版”对比分析部分，它没有堆砌枯燥的技术参数，而是通过听觉的描述，让你清晰地感受到不同混音版本之间在动态、空间感上的细微差别，那种文字带来的画面感极强，简直是听觉的盛宴。而且，杂志中收录的摄影作品也值得大书特书，那些抓拍到的舞台瞬间，情绪张力十足，无论是灯光下汗水飞溅的特写，还是乐手之间默契的眼神交流，都充满了故事性。这本杂志的审美水平非常高，它把摇滚乐那种原始的、不受拘束的生命力，通过精致的媒介载体完美地呈现了出来，让我仿佛又回到了那个需要用音乐呐喊和反抗的年代，非常提振精神。

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