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出版者:McGraw-Hill Companies

作者:Maury Yeston

出品人:

页数:56

译者:

出版时间:1992-06

价格:USD 12.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780895247278

丛书系列:

图书标签:

• 声乐选集
• 音乐剧
• 选曲集
• 合唱
• 声乐
• 音乐
• 表演
• 艺术
• 流行音乐
• 古典音乐

好的，以下是一本不含《Phantom Vocal Selections》内容的图书简介，着重于详细描述其内容，且不出现任何与AI相关的表述： --- 《光影交织的旋律：二十世纪电影音乐的演变与影响》 作者： 埃莉诺·范德比尔特（Eleanor Vanderbilt） 页数： 880页 出版社： 欧陆视野出版公司 出版年份： 2023年 导言：无声之声的崛起 本书旨在深入剖析二十世纪电影音乐从默片时代的简单伴奏，发展成为独立艺术形式并最终融入全球文化肌理的复杂历程。我们不再将电影配乐视为附属品，而是将其视为叙事结构中不可或缺的叙事要素，是情感共鸣的催化剂，以及技术革新的试金石。本书将跨越八十余年的时间轴，追溯从早期管弦乐编配到合成器驱动音景的每一次关键转变。 第一部分：默片时代的基石（1900-1927） 在电影的“无声”时代，音乐的任务远非单纯的背景烘托。它承担着塑造场景气氛、提示情节发展甚至替代对话的功能。本部分详细考察了早期电影院中现场伴奏的实践，从单人钢琴师到小型乐团的配置演变。 章节精要： 即兴与固定配乐： 分析了早期的“剪辑音乐”（Cue Sheets）如何试图规范这种即兴艺术。重点探讨了如约瑟夫·卡林（Joseph Carl Breil）为《一个国家的诞生》创作的配乐，如何确立了史诗叙事的音乐模板。 类型化音景的建立： 考察了特定类型电影——如恐怖片（吸血鬼题材）和西部片——如何发展出特定的和声与乐器配置来暗示危险或广袤的地域感。 技术试验的先声： 探讨了如维塔格丰（Vitaphone）等早期同步音响系统的出现，如何为日后“有声电影”的到来铺平了道路，尽管这些技术最初主要用于歌舞或对话，而非严格意义上的配乐。 第二部分：有声电影的黎明与黄金时代的奠基（1927-1940） “有声电影”的到来是电影史上最具颠覆性的事件之一。音乐不再是现场表演，而是胶片本身的一部分，这带来了前所未有的创作自由与技术挑战。 章节精要： “音乐剧”的兴起与早期的挣扎： 分析了从《爵士乐之王》到早期的华纳兄弟歌舞片，音乐如何从剧情的赘述转变为叙事的中心。同时，也探讨了早期声音录制技术对配乐复杂性的限制。 交响乐的回归与风格化： 重点研究了马克斯·史坦纳（Max Steiner）在华纳兄弟的工作。特别是他对《金刚》（King Kong, 1933）和《乱世佳人》（Gone with the Wind, 1939）的配乐，这些作品确立了好莱坞管弦乐的“大片”风格，即宏大、情感饱满且与画面紧密同步的作曲手法。 欧洲流亡作曲家的影响： 详细考察了从二战前夕逃离欧洲的作曲家（如埃里希·冯·斯特劳斯、马克斯·施特劳斯）如何将德奥晚期浪漫主义的传统，特别是瓦格纳式的“主导动机”（Leitmotif）技巧，系统地植入到好莱坞的叙事体系中。 第三部分：类型化与主题深化（1940-1960） 二战及其后的时代见证了电影音乐语言的成熟和多样化。作曲家开始挑战好莱坞的传统范式，并探索更深层次的心理刻画。 章节精要： 黑色电影的阴影与爵士乐的渗透： 本章聚焦于米高梅（MGM）和RKO的合作，尤其是对硬汉派电影配乐的分析。约翰·威廉姆斯（John Williams，早期）和亚历山大·科德斯（Alexandre Kosma）等人的作品，展示了如何使用小调、不和谐音程和爵士乐节奏来营造怀疑、不安与都市疏离感。 心理学维度： 深入探讨伯纳德·赫尔曼（Bernard Herrmann）对希区柯克电影的贡献。从《迷魂记》（Vertigo）的复杂弦乐织体，到《惊魂记》（Psycho）中仅用弦乐器完成的革命性配乐，赫尔曼如何将音乐本身变成角色心理状态的投射。 Technicolor与全景声场的实验： 分析了大型歌舞片（如米高梅的制作）如何利用新的宽银幕技术和立体声录音来增强音乐的沉浸感，以及由此催生的“百老汇式”管弦乐的辉煌。 第四部分：现代主义的冲击与电子革命（1960-1980） 六十年代的文化动荡也席卷了电影配乐界。传统学院派作曲家面临着来自摇滚乐、民谣以及新兴电子音乐的挑战。 章节精要： 反叛与极简主义： 探讨了如埃尼奥·莫里康内（Ennio Morricone）在意大利西部片中如何运用非传统乐器（口哨、电吉他、人声吟唱）来颠覆好莱坞的宏大叙事，创造出一种粗粝而诗意的音景。 爵士与电影的融合： 分析了昆西·琼斯（Quincy Jones）和戴夫·格鲁辛（Dave Grusin）等如何在70年代的“新好莱坞”电影中，将即兴创作的活力与电影的叙事节奏相结合。 电子合成器的登场： 重点关注了温迪·卡洛斯（Wendy Carlos）对电子音乐的开创性应用，特别是她在科幻和恐怖片中如何利用早期合成器来构建未来感和异化感，为后来的电子乐配乐潮流打下基础。 第五部分：后现代主义与管弦乐的复兴（1980至今） 本书的最后部分审视了“史诗复兴”的浪潮，以及数字技术对音乐制作流程的彻底改变。 章节精要： 约翰·威廉姆斯的统治地位： 详细分析了约翰·威廉姆斯如何通过《星球大战》系列，成功地将1930年代的史坦纳式浪漫主义管弦乐语汇，通过现代录音技术重新包装，确立了当代商业大片配乐的标准。 汉斯·季默（Hans Zimmer）与“声景”的构建： 探讨了后来的作曲家如何转向混合式配乐——融合了大规模管弦乐、电子采样和尖端的音效设计，创造出更具冲击力和氛围感的“声景”（Soundscapes），而非单纯的旋律。 全球化的视野与多样性： 考察了当代电影配乐如何吸收来自世界各地的音乐元素，以及独立电影和数字发行渠道如何为小众作曲家提供了展示独特声音的机会。 结论：回响与未来 本书最后总结了二十世纪电影音乐作为一种跨学科艺术的成就，它不仅记录了电影工业的技术进步，更是人类情感体验的听觉档案。我们展望未来，思考在人工智能辅助创作和流媒体算法推荐的时代，电影音乐的原创性与艺术完整性将如何得以维系。 附录： 关键电影配乐时间轴；主要作曲家生平简介；术语解析（如主导动机、对位法、电子滤波技术）。 ---

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拿到这本厚厚的乐谱册时，我的第一反应是：哇，这排版真是太讲究了。作为一名业余的钢琴爱好者，我最头疼的就是那些密密麻麻、缺乏呼吸感的乐谱。然而，《幽灵之歌精选集》在这方面做得近乎完美。清晰的五线谱，合理的缩排，关键的演唱提示和情感标记都标注得非常到位，即便是对于非专业人士，也能大致揣摩出作曲家想要表达的那种阴郁、浪漫交织的氛围。我试着弹奏了几段难度较高的变奏，发现那些看似复杂的技巧点，在乐谱上被巧妙地化解了，节奏的划分非常人性化。此外，书中的装帧质量也值得称赞，纸张的厚度适中，不易反光，长时间练习也不会感到眼睛疲劳。这种对细节的执着，体现了出版方对原作的尊重和对读者的关怀。我过去买过一些经典音乐剧的简化版，总觉得少了点“灵魂”，但这本书保持了原汁原味，同时又做了对演奏者友好的优化，这是一种非常高明的平衡艺术。每次翻阅，都能感受到那种对音乐美学的极致追求。

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说实话，我原本以为这种“精选集”难免会有一些商业化的痕迹，随便挑几首热门曲目凑数，但事实完全出乎我的意料。《幽灵之歌精选集》更像是一次对原作精神内核的深度挖掘。它收录的曲目不仅覆盖了主要的叙事节点，更有不少是角色情感转折的关键性片段，这些片段往往是普通影碟或录音中容易被忽略的“背景音乐”或者“过渡乐章”。正是这些“配角”的音乐，构建起了整个故事深邃的底色。我花了一整个周末的时间，仅仅是去聆听和对比这些收录进来的乐章与我脑海中已有印象的差异。我发现，当脱离了舞台灯光和演员的表演，纯粹的乐谱本身，带着一种更为原始、更为纯粹的力量。它迫使你用耳朵去“看”故事，用手指去“感受”角色的挣扎。这种纯粹性，使得这本书的价值远超其价格，它更像是一份深入文本的学术研究资料，而非简单的娱乐产品。

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作为一个音乐剧爱好者，我经常会购买各种版本的“The Selections”，但很少有能像这本《幽灵之歌精选集》一样，让人产生一种“终于等到你”的满足感。它的选曲角度非常独特，兼顾了戏剧的完整性和演奏的可行性，做到了一个极佳的平衡点。我曾尝试过其他版本，要么是过于简化，导致情感表达失真；要么是过于追求复杂，让业余爱好者望而却步。而这本，它似乎理解了核心听众群体的需求：既要有足够的深度和技术含量来满足专业人士的眼光，又要有足够的引导性让普通乐迷也能轻松上手。特别是关于合唱部分的编排，它不是简单地将多个声部的旋律堆砌在一起，而是巧妙地通过对位法，让原本复杂的合唱听起来依然清晰可辨，这对于我这种喜欢自己尝试“一人乐团”的玩家来说，简直是雪中送炭。总而言之，它成功地将舞台上的魔幻感，提炼并固化在了纸张之上，每一次翻阅，都是一次对那份迷人而危险的艺术之旅的重温。

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这本书的魅力，很大程度上归功于它所捕捉到的那种“哥特式浪漫”的精髓。如果你喜欢那种宏大、华丽，却又带着一丝挥之不去的忧郁和宿命感的美学，那么这本书会是你的不二之选。我尤其欣赏其中关于“面具”主题的几首变奏曲。它们不是简单的重复，而是通过不同的调式转换和速度变化，展现了“隐藏”与“真实自我”之间的永恒拉扯。例如，有一段慢板的钢琴独奏，充满了巴洛克式的精致，但底层的低音却总是不和谐地游走，仿佛总有一只无形的手在拨弄着命运的琴弦。这让我联想到很多欧洲古典文学中那种对“美与毁灭”的痴迷。这本书的排版和选曲，成功地将这种复杂的文学主题，用最直观的音乐语言呈现了出来，这对于培养听众对复杂音乐结构的欣赏能力非常有帮助。它不是那种听一遍就忘的流行歌曲，而是需要反复品味，每次都会有新发现的艺术品。

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这本《幽灵之歌精选集》简直是音乐剧迷的福音！我是在朋友的强烈推荐下抱着试试看的心态买的，没想到一打开就被它的深度和广度所震撼。首先，从曲目的选择上就能看出编者下了极大的功夫。它不仅仅是挑选了几首最热门的曲目，而是精心构建了一个从开场到高潮再到尾声的情感脉络。那些旋律，无论是激昂的咏叹调，还是细腻入微的内心独白，都如同拥有生命一般，瞬间将你拉入那个光怪陆离、充满谜团的歌剧院世界。我尤其喜欢其中一段关于“爱与牺牲”的对唱，谱曲的层次感极强，高音部分的处理简直是教科书级别的示范，听得我汗毛倒竖。更别提那些复杂的和声编写，即便是用最基础的钢琴伴奏来演绎，那种丰满度和戏剧张力也丝毫没有减弱。对于想要深入研究现代音乐剧编曲技巧的学习者来说，这本书绝对是不可多得的宝典，它清晰地展示了如何通过音符的变化来暗示人物的内心挣扎和命运的无常。读完这本乐谱集，我感觉自己对音乐的理解又提升了一个层次，这不仅仅是一本“歌本”，它更像是一份通往音乐剧艺术殿堂的详尽地图。

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