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出版者:第1版 (2007年8月1日)

作者:房弘毅

出品人:

页数:92

译者:

出版时间:2007-8

价格:38.00元

装帧:平装

isbn号码:9787806634455

丛书系列:

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翰墨千秋：中国古代书画艺术通览 卷一：先秦风骨与秦汉气象 本书致力于描绘中国书法艺术自其萌芽至两汉魏晋过渡时期，那气势磅礴、风格迥异的艺术图景。我们不讨论元代的具体成就，而是将焦点集中于更早的源头活水。 第一章：刻石铭文的远古回响 本章追溯书法艺术的滥觞，从甲骨文的契刻之美，探究其如何反映商周的祭祀与占卜文化。重点分析殷墟出土的甲骨文，其线条的瘦劲、结体的疏朗，如何奠定了汉字书写的最初规范。随后，我们深入研究金文，特别是商周青铜器上的铭文。从早期的古朴厚重，到周王室衰落后的金文风格变化，如大盂鼎、散氏盘等重器，展示了文字作为“国之重器”所承载的历史重量与工艺之精湛。此阶段的书法，尚未完全脱离实用，但其排列的章法、笔画的粗细已初具审美意识。 第二章：石鼓之谜与秦代统一书风 秦朝统一文字的功绩，对后世书法产生了决定性的影响。本章详细考察石鼓文，这一被誉为“大篆”的典范之作，探讨其圆润雄浑、朴拙自然的艺术特征。尽管历经磨损，石鼓文依然展现出一种古拙的韵味，为后世篆书的复兴提供了重要的参照系。紧接着，分析秦小篆的规范化过程，如泰山刻石、琅琊台刻石等，其匀称修长、结构严谨的特点，标志着书写标准的首次全国性统一。同时，本章亦会穿插简牍文字的探讨，隶书的雏形如何在秦代的基层行政文书中悄然兴起，为汉代书风的巨变埋下伏笔。 第三章：隶变之伟业：汉代书法的恢弘气度 汉代是中国书法史上一个里程碑式的时代，隶书的成熟与鼎盛，彻底完成了“篆变隶”的艺术革命。本章将汉隶划分为早、中、晚三个阶段进行详尽的剖析。 早期隶书，如汉诏版、权量，多保留了篆书的圆笔意趣，尚未完全放开。中期，以碑刻为代表的成熟隶书，如《乙瑛碑》、《史晨碑》、《孔彪碑》，展示了“蚕头燕尾”的典型特征，笔法开始追求波磔的姿态与趣味，结构趋向方正扁平。本章将重点分析汉碑的“庙堂气”，探讨其如何与汉代的强盛国力、恢宏气度相匹配。 中晚期，书风走向多样化。如《曹全碑》的秀逸清健，体现了碑刻技法对线条质感的精细打磨；而《张迁碑》、《黄初碑》则展现出粗犷、古拙、内含力量的“魏晋之风的先声”。我们细致解构隶书的用笔技法，从横画的起笔（蚕头）、行笔的波挑（燕尾），到结体的疏密欹侧，力求还原书写者的心手相应。 第四章：笔势的觉醒：草书与章草的初探 在隶书的成熟阶段，书写效率的追求催生了草书的诞生。本章专门探讨了章草的特点，即仍保留隶书的波磔，但笔画连带增多。重要的出土实物如汉代简牍中的草书残简，为我们提供了研究章草演变的第一手资料。 同时，本章也简要介绍了早期的今草雏形，即“一笔书”的出现，虽然尚未形成如魏晋那样的完全连绵，但已预示着笔势的解放。我们将重点关注西汉中山侯鼓吹乐章简等实物，分析其书写速度对线条形态的影响。 --- 卷二：魏晋风流：书法的自觉与高峰 本卷聚焦于魏晋南北朝这一中国文化艺术史上最为动荡也最为辉煌的时期。书法彻底摆脱了纯粹的书写工具属性，上升为独立的美学范畴。 第五章：钟王肇基：正书的革新与典范 本章的核心人物是楷书的奠基者——钟繇与王羲之。钟繇的书法，承上启下，以其温润含蓄、古朴自然，被后世尊为“楷书之祖”。我们将分析其楷书如何吸取隶书的笔意，融入行书的流便，形成了典雅的新风。 然而，王羲之才是书法的真正高峰。本章将详尽阐述“书圣”王羲之的贡献，他集前人之大成，开创了妍美流便、遒劲自然的“二王”一脉。重点分析《兰亭集序》的艺术成就，这篇行书的章法错落、笔势连贯，其“尽善尽美”之处，并非在于某一点的刻意雕琢，而在于通篇气韵的生动自然。同时，本章也会涉及对王羲之楷书（如《乐毅论》、《黄庭经》）和行书的细致品鉴，确立了此后一千多年书法审美的基本范式。 第六章：魏碑的力量：北朝的雄强之风 与南方“二王”的妍美风格形成鲜明对比的是，北方魏晋时期留下的“魏碑”。本章探讨了北魏至东魏、北齐时期，由佛教造像题记、摩崖刻经所形成的独特书风。 魏碑以其方笔、硬朗、拙朴的特征著称，如《龙门二十品》、《郑文公碑》、《始平公碑》。我们分析这些碑刻如何保留了北魏早期的隶书遗风（如方折用笔），又融入了强烈的时代精神。魏碑的结体往往奇险、气势开张，与南帖的秀美形成了“南帖北碑”的二元格局，为后世楷书的发展提供了两种截然不同的审美取向。 第七章：笔势的飞扬：张芝与狂草的起源 在行书成熟的同时，草书也完成了从章草到今草的蜕变。本章将张芝推为“草圣”，探讨他如何“挥毫落纸如云烟”，使草书笔法连绵、一气呵成，彻底摆脱隶书的残余痕迹。随后分析王羲之如何进一步完善今草，使其既能抒发性情又不失法度。本卷将侧重于线条的动态美，研究笔势如何成为表达书写者内在情感与生命力的主要途径。 --- 卷三：隋唐盛世：法度的确立与流派的纷呈 隋唐承接了魏晋的文化遗产，并将其推向了制度化、法度化的极致。本卷将展现这一时期书法艺术如何与帝国强盛的国力相结合，形成规范森严而又气象万千的艺术面貌。 第八章：初唐的奠基与法度的构建 隋代书法继承了南朝的秀美与北朝的雄强，完成了从“魏晋风流”到“唐人法度”的过渡。本章将分析虞世南、欧阳询等初唐大家如何规范笔法和结体。 欧阳询的“欧体”，以险绝取胜，结构紧密，笔画瘦硬挺拔，成为唐代楷书典范之一。虞世南则以平和冲淡，富于含蓄之美，被誉为“外柔内刚”。此阶段的工作是为盛唐的书法高峰铺平道路，强调“法度”的精确性与规范性。 第九章：盛唐气象：颜真卿与张旭的雄浑 盛唐是书法艺术的第一个高峰。本章重点剖析颜真卿的“颜体”，他以浑厚博大的气象，重建了书法的雄强精神。颜体的特点是“颜筋”，用笔饱满、结体宽博、气势磅礴，极具“忠义之气”。通过分析《多宝塔碑》、《祭侄文稿》，阐释颜真卿书法如何成为后世学习楷书和行书的最高准则。 同时，本章将考察“颠张醉素”——张旭与怀素的狂草成就。他们将草书推向了极致的浪漫主义表达。张旭的狂草，气势恢宏，纵横捭阖；怀素的“孤军深入”，更注重线条的连绵与节奏的跌宕。他们的作品是盛唐精神在艺术上的最直接体现。 第十章：中晚唐的多元发展 唐代中晚期，书法风格开始出现新的转向。柳公权以其瘦劲峭拔的“柳体”，在法度上与颜真卿并峙，但更显骨力森严，对后世楷书影响深远。 本章还将探讨李邕等人的行书风格，他们受到北碑的影响，用笔多方折，气势开阔，预示着一种更为奔放的书风即将到来。这标志着唐代法度之美的完善与僵化的开始，也为五代十国的风格变化埋下了伏笔。 --- 卷四：五代十国至宋代：尚意书风的确立 本书的叙事在此告一段落，我们将聚焦于宋代书法对唐代“尚法”的反思与超越，开启中国书法史上全新的“尚意”时代。 第十一章：宋代“四家”的意趣探索 宋代书法是对唐代法度的自觉扬弃，强调“意在笔先”，追求个人性情的自由抒发。本章将深入分析宋代开创性的“尚意书风”： 苏轼（苏体）：主张“我书意造无法”，强调平正中求变化，以朴厚雄健的笔意对抗唐楷的雕琢，其行书的圆润厚重，形成了独树一帜的风格。 黄庭坚（黄体）：以“长枪大戟”形容其书法，强调中宫紧收、四面开张，用笔多取侧锋，结体奇险，对后世的笔法理论影响巨大。 米芾（米体）：以“刷字”著称，用笔迅捷，飘逸灵动，追求“八面出锋”的韵致，在行书的趣味性上达到了一个高峰。 蔡襄、韩琦等人也对宋代书风的形成做出了贡献，共同构建了宋代以文人情趣为主导的书法审美体系。本书将通过对比宋人与唐人的作品，清晰展示“尚法”与“尚意”在艺术理念上的根本分野。

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这本书的语言风格非常雅致，读起来有一种沉浸式的体验，仿佛置身于古代的书斋之中。作者的文字功底深厚，遣词造句考究，但又绝不故作高深，所有复杂的概念都用清晰易懂的语言进行阐述。对于我这种业余爱好者来说，最大的障碍往往是晦涩的术语，但这本书在这方面做得非常出色，它会耐心解释每一个术语背后的含义，并提供生动的比喻，让原本高高在上的艺术理论变得平易近人。我记得有一段描述“笔墨趣味”的章节，作者将其比作音乐的节奏与和声，让我茅塞顿开。此外，书中对书法家性格与作品气质的关联性分析也极具洞察力。它强调了书法不只是技术的展现，更是“心画”，是性情的流露。这种对艺术本质的探讨，让这本书的价值远超一般性的技法指导手册。它引导我去思考，如何才能真正将自己的情感融入到自己的书写之中，而不是沦为机械的模仿。

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这本书简直是打开了新世界的大门！我以前对书法一直停留在“好看”的层面，觉得那些黑乎乎的线条挺有艺术感，但要说出个所以然来，我就彻底抓瞎了。这本书从头到尾，像一个耐心十足的向导，把我领进了一个全新的书法世界。它不是那种干巴巴的理论堆砌，而是非常生动地阐述了不同时代的书法特点。比如，它对晋唐楷书的“法度森严”和宋代行书的“意态横生”之间的对比，分析得入木三分。我以前总觉得颜真卿的字很雄浑，柳公权的字很秀劲，但这本书里详细解析了他们笔法中的细微差异，比如用笔的提按顿挫，墨色的浓淡枯湿是如何营造出不同的气韵。读完之后，我再去看那些碑帖，感觉就像是听懂了书家在“说话”，能感受到他们创作时的心境和技巧的精妙。尤其是对“用笔”这个核心概念的阐述，它让我明白，书法不只是写字，更是一种对线条的驾驭和对情感的表达。这本书的图例选择也非常精到，选取的都是具有代表性的作品，配上详尽的解读，让抽象的理论变得具象化，极大地提升了我的鉴赏能力。

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这本书的装帧设计和版式安排也堪称一绝，看得出出版社在制作上是下了大功夫的。纸张的质感非常好，墨色印制清晰，即便是微小的笔触细节也能看得一清二楚，这对于学习书法的人来说至关重要。图文排版错落有致，既保证了阅读的连贯性，又为重要的范例留出了足够的展示空间。阅读体验是如此舒适，让我愿意花上几个小时沉浸其中，而不会感到视觉疲劳。更值得称赞的是，作者在引用前人论述时，总是标注得非常清晰，体现了高度的学术规范。这种对细节的极致追求，让整本书显得非常可靠和专业。读完之后，我发现这本书的价值不仅仅在于其内容本身，还在于它作为一件实体书所带来的愉悦感。它放在书架上本身就是一件赏心悦目的艺术品，随时翻阅都能带来新的感悟和启发。

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这本书最让我惊喜的一点，是它对书法史的解读充满了批判性的思考，而非简单的赞美或归纳。作者并非将历史上的所有名家都奉为神坛，而是敢于指出他们在特定时期的局限性，或者他们在继承传统基础上的创新是如何带有时代烙印的。这种不盲从的、理性的分析角度，让我对书法史的认知更加成熟和立体。例如，书中对某个大家晚年书风转变的分析，就提出了一个非常新颖的观点，即这种转变并非衰退，而是一种对生命体验的更深层次的回归。这种富有张力的解读，极大地激发了我的思考欲望，促使我不断地在书本内容和自我认知之间进行对话和反思。这本书不仅仅是一部书法鉴赏指南，更是一部引导读者进行深度文化思考的哲学读本。它教会了我如何带着批判性的眼光去欣赏和学习艺术，而非人云亦云。

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这本书的结构设计简直是教科书级别的范本，让人在阅读时感到非常流畅和有逻辑性。作者的叙事能力非常强，他不是简单地罗列历史事件，而是将书法艺术的发展与当时的社会背景、文人思想紧密结合起来，形成了非常有机的整体。比如，书中提到某个时期文人的审美趣味如何影响了书体的演变，这让我对书法产生了更深层次的理解。很多历史书籍在谈论艺术史时，往往会显得有些枯燥，但这本书在保持学术严谨性的同时，却充满了阅读的乐趣。它对不同流派的书法家，如“苏黄米蔡”等，都有独到的见解，不是简单地赞美，而是深入剖析了他们各自的创新点和局限性。我尤其喜欢它在讨论具体技法时，那种旁征博引、融会贯通的写法。它不拘泥于单一的流派，而是将各个时期的艺术精华进行对比参照，使得读者能够建立一个宏观的、立体的艺术史观。这本书读下来，感觉自己的文化底蕴都得到了潜移默化的提升，不再是孤立地看一幅字帖，而是能将其置于整个历史长河中去审视。

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