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出版者:7-122

作者:张艳荣

出品人:

页数:193

译者:

出版时间:2010-6

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787122006066

丛书系列:

图书标签:

• 服装设计
• 服装美术
• 基础理论
• 绘画
• 素描
• 色彩
• 面料
• 人体结构
• 设计素描
• 服装效果图

服装结构与工艺精解：从图纸到成衣的实用指南 本书特色： 本书聚焦于服装制作的核心技术环节，是一本深入剖析服装结构原理、精细工艺流程以及材料特性的实用性教材。它摒弃了对艺术美学和历史理论的探讨，完全侧重于“如何制作出一件合乎规范、穿着舒适且耐用的服装”。 目标读者： 服装设计专业的学生、初级服装技术人员、独立设计师、以及对服装制作工艺有深入学习需求的爱好者。 --- 第一部分：服装制版与立体裁剪的结构逻辑 本部分旨在系统梳理服装结构形成的基础——制版技术，并深入讲解如何将平面图纸转化为具有三维形态的服装。 第一章：人体测量与号型分析 详细阐述人体关键部位的精准测量方法，包括静态测量与动态测量。重点分析不同国家和地区号型体系（如欧码、美码、亚洲标准）的差异性及其在制版中的应用逻辑。讨论身体偏差（如圆肩、驼背、骨盆前倾等）对基础版型结构带来的调整需求，并提供相应的修正参数表。 第二章：平面裁剪基础理论与部件拆分 深入解析服装的“骨架”——省道、分割线、省道的转移与归并原理。以西装、衬衫和裤装为例，详细拆解其基本构成单元（如领子、袖窿、袖山、门襟、袋位）的几何构成。讲解如何根据面料的特性（如弹性、悬垂性）来预设和调整制版中的“吃量”与“松量”。 第三章：立体裁剪的塑形思维 立体裁剪作为将平面设计转化为三维形态的关键技术，本书提供了详尽的步骤指导。重点阐述利用人台进行“披裁”的技术要点，包括如何使用褶裥、省道和分割线来模拟和控制服装在人体上的三维形态。重点分析了中高档西装、复杂连衣裙（如A字裙、鱼尾裙）的立体塑形技术，以及如何通过对底围和平衡点的精确控制，实现服装的自然垂坠感和合体度。 第四章：样板修正与归位分析 讲解如何将立体裁剪得到的形态，通过“移位”、“展平”等技术转回平面版型，并进行工业化修正。分析常见的版型问题（如袖窿过紧、肩线前移、腰围不适）的结构成因，并提供一套系统化的版型“诊断”与“归位”修正流程。 --- 第二部分：服装工艺的精细化实施 本部分是本书的核心，专注于将纸面上的设计转化为实物成衣所需的每一道精细操作流程。 第五章：面料特性与裁剪准备 深入探讨各类面料（梭织、针织、皮革、特殊功能面料）的物理特性（如密度、纱支、缩水率、可塑性）对裁剪和缝制的影响。讲解面料的纹理方向、对条对格处理的技术要求，以及如何根据面料的倒顺毛特性来确定裁剪图的排版。细致介绍裁剪工具的选择、使用及保养，以及多层裁剪的压力控制技术。 第六章：缝制技术与设备应用 系统介绍工业缝纫机的种类（平缝、包缝、锁眼、钉扣机等）及其适用范围和常见故障排除。本章重点在于“缝制参数的设定”：包括不同面料厚度下，机针型号、线材选择、针距（每英寸针数）的精确设定。详述各类缝份的处理技术，如明缝、暗缝、滚边、法式缝等，确保缝制牢固且美观。 第七章：结构部件的装配工艺 这是决定服装档次的关键环节。 领部工艺： 详细解析西装领、衬衫领、圆领等不同领型的衬布选择、领面与领座的对位、滚边与翻领的技巧，确保领口线条的平挺与流畅。 袖子装配： 深入讲解袖窿的“吃势”处理、袖山垫肩的定位与固定，以及袖口、袖裥的精细制作工艺，重点解决“装袖后拱手”或“袖子扭转”的问题。 口袋与门襟： 区分贴袋、嵌线袋、挖袋（如西装的驳头袋）的制作流程，强调对称性与线条的平整度。门襟的内里处理、扣眼与纽扣的标准化操作。 第八章：里衬与衬布的内在支撑 专门探讨服装内部支撑系统的构建。讲解不同类型衬布（粘合衬、铺棉、衬布）的材质选择、粘合温度与压力控制，以避免“起泡”或“透胶”。详细展示全衬、半衬服装的里子制作与与外衣的驳合工艺，强调里子收省、挂面、应对不同面料收缩的预留空间。 --- 第三部分：后整理与质量控制 本部分关注服装成品化的最后步骤，以及如何通过标准化的质量检测来确保产品符合行业标准。 第九章：熨烫定型技术 熨烫是赋予服装最终形态的关键工序。本书提供针对不同部位的专业熨烫技巧，包括驳头定型、省道压制、裙摆的弧度塑形。重点讲解使用专业熨烫设备（如真空吸风熨烫台、蒸汽熨斗）时，如何控制蒸汽量与压力，避免面料的损伤或产生“亮光”。 第十章：成衣检验与标准规范 介绍服装的最终质量检验流程。包括外观检验（如线迹均匀度、疵点检查）、尺寸检验（平铺尺寸与人体试穿尺寸的对比）、功能性检验（拉链、按扣的耐久性）。附录提供了常用的服装尺寸公差标准表，用于指导生产环节中的误差控制。 结论： 本书提供了一套完整、由内而外的服装结构与工艺解决方案，旨在培养读者扎实的动手能力和严谨的技术思维，是实现高质量服装制作的必备参考资料。

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我是一位已经工作了几年，但感觉自己的技法开始停滞不前的设计师。我需要的不是从零开始的基础教程，而是能帮我打破现有思维定式的“催化剂”。这本书的价值恰恰在于它对“创新与解构”的探讨。它并没有直接给出“如何设计出爆款”的公式，而是通过剖析大师们是如何挑战既有规范的案例，来激发读者的潜力。印象最深的是关于“非传统材料在服装构成中的应用”的章节，它列举了许多在当时看来匪夷所思的实验性设计，并分析了这些实验如何推动了材料科学与时装的边界拓展。这种鼓励冒险、质疑既定规则的精神，正是我目前最需要的“精神食粮”。它让我意识到，基础扎实之后，真正的突破往往来自于对现有规则的颠覆和重组。这本书在我桌上已经放了很久，我不是把它当作一本可以速成的工具书，而是把它当成一个可以随时回溯的“灵感库”和“思想指南针”，每当我感到迷茫时，翻开它总能找到新的思考方向。

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如果要给这本书的实用性打个分，我一定会给一个非常高的评价，特别是对于那些需要准备作品集或参加设计竞赛的读者来说。它提供了一整套从构思到最终效果图呈现的完整工作流程指南，并且非常注重“可操作性”。比如，它有一块专门讲解如何使用不同硬度的铅笔和不同浓度的墨水来模拟不同面料在最终效果图上的表现效果，这种对工具特性的精确把握，是很多理论书籍里不屑于提及的细节。更重要的是，它强调了“表达的清晰度”在设计呈现中的核心地位。作者用大量的对比图展示了信息传递模糊和信息传递精确的设计稿之间的巨大差异。这教会我，再好的设计，如果不能被准确无误地传达给制版师或客户，也是白费功夫。这本书的实用性不是体现在教你画得多快，而是教你如何更有效地、更有条理地，将你的设计意图完整地烙印在纸面上，它更像是一本关于“高效沟通”的设计手册。

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我对这本书的排版设计提出一点小小的意见，虽然整体视觉效果是很棒，但某些关于“光影与体积感塑造”的演示步骤图，我觉得处理得略显仓促了。比如在表现丝绸在褶皱处复杂反光的那一页，文字描述很到位，但那几张示范图的线条密度似乎不够细致，初学者可能需要结合网上的视频教程才能完全捕捉到那种细腻的层次变化。反倒是关于“人体动态抓取”的那几页速写练习，简直是神来之笔。作者似乎抓住了人体在行走、坐立、转身时，服装张力变化的关键点，用极简的几笔就勾勒出了动态的韵律感。特别是对于肩膀和胯部的动态处理，寥寥几笔，衣服的松紧、垂坠感便呼之欲出。我试着模仿了几次，发现单纯模仿线条是不够的，关键在于理解作者是如何在观察中快速筛选信息的。这部分内容更像是高手留下的“武功秘籍”，需要反复揣摩，去体悟其背后的观察逻辑，而不是简单地复制技巧。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种带着点复古韵味的丝绒质感，拿在手里沉甸甸的，光是看着就觉得里面一定藏着宝藏。我本来还担心内容会过于学术化，读起来会有些枯燥，但翻开目录后，发现它涵盖的领域非常广阔，从最基础的色彩理论到复杂的人体结构速写，再到不同历史时期的服饰风格演变，脉络梳理得井井有条。尤其是关于面料肌理表现的那几个章节，作者似乎非常擅长用最直白的语言去解释那些抽象的视觉效果，配图的选择也极其考究，很多都是高清的经典作品局部特写，让你能清晰地看到光影和线条是如何塑造出服装的立体感的。虽然我个人的兴趣点可能更偏向于现代时装的结构解构，但这本书提供的扎实基础，让我能够更好地理解那些前卫设计背后的原理和逻辑。它不是简单地罗列知识点，更像是一位经验丰富的老设计师，耐心地手把手在教你如何“看”一件衣服，如何用画笔去“翻译”面料的语言。对于一个初学者来说，这种由浅入深的引导方式，极大地降低了入门的门槛，让人在学习的过程中充满了探索的乐趣。

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说实话，我买这本书是冲着它在“面料表现技法”上的声誉去的，但没想到，关于“服装历史与文化背景”的部分，给了我一个巨大的惊喜。作者没有像很多教材那样，只是干巴巴地列举年代和代表人物，而是深入挖掘了特定历史时期社会思潮如何直接影响了服装的廓形和装饰元素。比如，它详细阐述了洛可可时期那种繁复、轻盈的审美，其实是与当时贵族阶层逃避现实的享乐主义心态息息相关的，这种解读角度非常深刻。读到这些部分的时候，我常常会停下来，思考艺术是如何为人服务的，服装设计绝不是孤立的技艺，而是时代精神的载体。而且，书中对不同文化区域（比如亚洲、非洲传统服饰）的介绍也相当有分寸，没有陷入刻板印象的泥潭，而是注重展示其内在的结构逻辑与象征意义。这让这本书的视野瞬间拔高了一个层次，它不仅仅是教你怎么画，更是在培养你对设计背后文化根源的敬畏之心，对于希望成为有思想的设计师的读者来说，这部分内容是无价之宝。

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