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出版者:Routledge

作者:Rebecca Schneider

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:1997-01-24

价格:USD 37.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780415090261

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• Performance Studies
• Body
• Sexuality
• Gender
• Queer Theory
• Visual Culture
• Embodiment
• Live Art
• Interdisciplinarity
• Critical Theory

《身体的在场与缺席：媒介、记忆与自我构建》 书籍简介 导言：身体的边界与重塑 本书深入探讨了当代社会中，身体作为一种流动的、被建构的实体，如何在媒介的渗透、记忆的编织以及社会权力的规制下，不断地被重新定义和实践。我们拒绝将身体视为一个固定的、生物学上的容器，而是将其视为一个永恒的生成场域——一个在物质现实与符号系统之间持续协商的动态空间。本书的核心议题聚焦于“在场”与“缺席”的辩证关系：身体如何通过屏幕、档案和历史叙事实现一种虚拟的、远程的在场？同时，当物质性的接触被中介化，身体的真实体验与情感深度是否正在被消解或异化？ 本书汇集了来自现象学、符号学、后人类理论和文化研究的跨学科视角，旨在揭示当代生活方式如何重塑我们的自我认知、人际关系以及对“真实”的理解。我们关注的不是一个统一的、可被把握的身体，而是无数个破碎的、被碎片化经验所定义的身体图景。 --- 第一部分：媒介景观中的身体投射与感知重构 第一章：数字皮肤与触觉幻觉 本章剖析了数字技术——特别是虚拟现实（VR）、增强现实（AR）以及社交媒体平台——如何构建起一种“数字皮肤”。这种皮肤并非传统意义上的表皮，而是一个由数据点、像素和用户界面构成的界面层。我们考察了当身体经验被数字化记录和回放时，触觉的物质性如何被转化为感官的模拟。通过对沉浸式体验的研究，我们分析了在虚拟空间中，身体的感知阈值如何被拓宽和扭曲，从而引发关于“在场感”的本体论质疑。数字身体的完美化倾向，与真实身体的瑕疵和局限性形成了尖锐的张力。我们探究了这种“触觉幻觉”如何影响个体的身体意象（body image）和自我接纳度。 第二章：屏幕之眼与凝视的转向 凝视（the gaze）是权力分析中的核心概念，本章将其置于当代媒介环境中进行重新审视。传统上，凝视由特定的主体（如全景敞视主义的权力机构或电影中的男性凝视）所掌握。然而，在算法驱动的社交媒体时代，凝视变得去中心化、无所不在且难以识别。我们分析了“自我凝视”（self-surveillance）的内在机制，即个体主动地、持续地将自身置于被观看的状态，以期获得社会认同。屏幕成为了一个单向或双向的反射镜，它不仅折射出观看者的意图，更塑造了被观看者的行为模式和情感表达方式。这种持续的、被算法调校的凝视，深刻地影响了身体表达的自发性与真实性。 第三章：非物质化的通讯与情感的编码 情感交流在很大程度上依赖于身体的细微表达——面部微表情、姿态、呼吸的节奏。当通讯主要通过文本、表情符号和简短的视频片段进行时，情感的“非物质化”成为一个关键议题。本章考察了情感符号学（affective semiotics）如何在新媒介中被编码、简化和误读。我们探讨了诸如“点赞”、“分享”等行为，它们如何取代了更复杂的身体互动，成为情感参与的廉价替代品。这导致了一种情感的“稀释”现象，即虽然信息量巨大，但深层的情感联结却可能因缺乏物质在场而变得脆弱和肤浅。 --- 第二部分：记忆、时间与身体的档案化 第四章：身体作为历史遗迹：档案与遗忘 身体不仅仅是当下的容器，它也是历史的承载者，被创伤、疾病、劳作和岁月所雕刻。本章关注“身体档案”的概念——从医疗记录、照片到生物识别数据——是如何建构和规训个体的生命叙事的。我们分析了国家机构、医疗系统和私人云存储如何系统性地记录、分类和保存身体信息。关键在于，这种档案化的过程往往伴随着“遗忘的制度化”：只有符合特定历史或社会标准的身体特征才会被永久记录，而其他经验（如边缘群体的日常抵抗或短暂的身体感受）则被系统性地排除在主流记忆之外。身体的档案化，实际上是对其“有效性”的持续评判。 第五章：重复、磨损与身体的计量学 时间在身体上的刻画，表现为磨损、衰老和重复性的动作。本章借鉴了德勒兹（Deleuze）关于“重复”的概念，考察了现代生活中的周期性劳动和习惯如何对身体进行“计量”和“校准”。从重复性的办公姿势到日常通勤的路线，身体的运动轨迹被固化为一种无意识的模式。我们研究了身体的“磨损”（wear and tear）如何成为一种非自愿的、物质性的历史见证。当身体的磨损达到临界点，它便可能发出“故障”的信号，迫使个体重新审视他们与日常节奏的关系。 第六章：怀旧的物质性：物、气味与身体的唤醒 记忆往往是通过物质媒介被唤醒的，这些媒介往往与身体的原始感知紧密相连，尤其是气味和触感。本章探讨了那些无法被轻易数字化的怀旧对象——旧衣物、祖传的家具、特定的气味分子——它们如何触发强烈的、非理性的身体记忆回溯。这种“物质性的怀旧”挑战了数字记忆的纯粹性和易操作性，揭示了身体在面对过去时，其固有的、抵抗符号解析的顽固性。我们分析了嗅觉如何绕过认知中心，直接作用于情感中枢，从而展现了身体在记忆唤醒中的独特地位。 --- 第三部分：政治身体与存在论的抵抗 第七章：能耗身体与可持续性的悖论 在全球气候变化和资源日益紧张的背景下，身体不再仅仅是一个个体现象，而是一个重要的“能耗单位”。本章将身体置于生态政治的框架下考察，分析了现代消费主义如何将身体塑造成一个永不满足的物质需求中心。我们探讨了关于“低碳生活”的倡议如何在实践中常常忽略了不同社会阶层身体实践的差异性与不平等性。一个被过度消耗和不断被要求“优化”的身体，与一个需要为生存而进行高强度劳作的身体，其在环境压力下的存在形态截然不同。 第八章：疼痛的公共性与边缘化体验 疼痛是身体最不可否认的、最私密却又最具有普遍性的经验之一。本章研究了疼痛在公共领域中的“可被见证性”问题。一方面，医疗化和药物依赖使疼痛的个体化体验被技术化和标签化；另一方面，某些形式的慢性疼痛或由社会结构性暴力（如贫困、歧视）引发的身体不适，往往被主流叙事所忽视和边缘化。我们分析了艺术家和活动家如何通过身体实践（如自残艺术、公共静坐）来使那些隐形的、被压抑的痛苦重新获得一种政治上的“可见性”与公共关注。 第九章：后人类边缘的身体修正与身份的流动性 本书的终章将视角推向未来，审视了生物技术、基因编辑以及赛博格化对“人类身体”界限的侵蚀。我们关注那些主动或被动地超越传统生物学定义的身体——跨性别者、身体改造者、以及那些接受了非医疗性植入物的人群。这些实践挑战了以自然和稳定为基础的身份构建模式。身体的“流动性”不再是隐喻，而是通过技术手段实现的物质重组。这种重组为我们提供了新的可能性，去思考一个不被自然决定、而是由意愿和技术所持续塑造的“存在之域”。最终，本书呼吁一种更具弹性、更少预设的身体观，以迎接一个由多重现实交织而成的未来。

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这本书的阅读过程，与其说是获取信息，不如说是一场**持续的智力辩论**。作者的论证风格极其大胆且充满反讽意味，他似乎总是在挑战那些被艺术界奉为圭臬的“神圣”信条。比如，对于“沉浸式体验”概念的解构，书中并没有流于表面的批判，而是深入挖掘了技术介入后，身体经验被“量化”和“可预测化”的趋势，这让我不禁思考，我们所追求的那些强烈的情感冲击，是否早已被资本和技术预设好了反应路径。书中的语言极具画面感，即便在讨论抽象概念时，作者也能巧妙地引入一些近乎**俳句式的精准描绘**，让抽象的理论具象化。例如，他对舞台边缘光线如何切割身体轮廓的描述，就让我仿佛置身于一个空旷的排练场中。然而，这种高度的批判性也带来了一个问题：它似乎倾向于将一切表演行为都置于一种永恒的怀疑和审视之下，偶尔让人感到一丝阅读上的疲惫，仿佛作者在力求将所有的“美好”和“真诚”都抽离出来，只留下冰冷的结构分析。

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我非常欣赏本书在**媒介交叉性**方面的敏感度。这本书显然不是写给传统戏剧研究者的，它对身体的探讨明显地延伸到了数字媒体、录像艺术，乃至城市空间中的身体行为。作者似乎坚信，当代“表演性”的真正场域，早已不再局限于黑匣子剧场之内，而是弥散在日常生活的每一个角落，尤其是在那些“非正式”的身体展演中。书中对身体“噪音”的捕捉，——那些在正式表演中被刻意消除的、偶然的咳嗽、呼吸、甚至设备运转的嗡鸣声——如何成为揭示权力运作的“关键线索”，这个角度非常新颖。它促使我开始关注那些被主流艺术史忽略的“背景音”和“附属动作”。全书的行文节奏错落有致，有时如同严谨的学术论文，逻辑链条清晰得令人窒息；但转瞬之间，又会跳跃到一种近乎**意识流的、主观感性的叙事**，这种风格的剧烈切换，使得阅读过程充满了不可预测的惊喜。它迫使你不断地调整阅读的“焦距”，从宏观的理论框架迅速收缩到微观的身体细节。

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这部作品，**《The Explicit Body in Performance》**，给我的阅读体验是极为复杂且耐人寻味的。起初，我带着一种对身体表演艺术的既有认知进入，期待看到一些关于舞台呈现、服装设计或者对传统剧场边界的探索。然而，随着阅读的深入，我发现作者的笔触更多地聚焦于一种**去语境化的身体经验**，一种试图剥离所有社会文化标签后，主体如何“在场”的哲学思辨。书中对“边界感”的探讨尤其引人注目，但并非简单地讨论物理上的暴露或限制，而是深入挖掘了表演者如何利用身体的“在场性”去挑战观众的心理防御机制。比如，其中对“无效动作”的分析，就让我重新审视了那些看似毫无意义的重复性肢体运动，它们如何反过来构建了一种强大的、近乎冥想式的叙事张力。我特别欣赏作者在引用大量后结构主义文本来支撑其论点的同时，依然保持了一种清晰且不失温度的叙事口吻，使得那些艰深的理论讨论读起来并不枯燥，反而像是在与一位经验丰富的策展人进行深度对话。书中对特定历史时期，例如七十年代激进表演艺术浪潮中，关于“痛感”与“真实性”的辩证关系的处理，更是鞭辟入里，让我对理解身体政治有了更深一层的认识。

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坦白讲，这本书的结构和内容布局，对我来说构成了一次**认知上的剧烈重塑**。我原以为它会是一本偏向实践指南或案例研究的专著，但事实是，它更像是一部高度浓缩的理论手册，其密度之大，需要我反复搁置、消化，再重新拾起。我感觉作者似乎完全抛弃了线性叙事的传统，转而采用了一种**多声部、拼贴式**的写作手法，使得每一章的内容都像是一个独立但又相互关联的碎片，共同指向一个宏大的、尚未完全被定义的议题。这种写作方式，虽然对阅读耐力提出了极高的要求，但也极大地激发了我的联想能力。我尤其对书中关于“凝视的反转”那一节印象深刻，作者似乎在探讨，当表演者的身体成为绝对的焦点时，这种“被观看”的状态本身，是否已经成为一种自我保护的伪装，从而使得真正的“表演”无处遁形。书中对于身体作为**“信息载体”而非“情感表达工具”**的重新定义，让我对过去一些欣赏的现场艺术作品有了全新的解读视角。它的理论深度使得它完全超越了单一艺术门类的范畴，更像是对当代社会中“可见性”焦虑的一次尖锐剖析。

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从一个长期关注当代艺术实践的读者的角度来看，这本书的价值在于它提供了一种**“反向工程”**的工具，用以拆解我们习以为常的表演范式。它没有试图提供一套新的“如何做”的指南，而是提供了一套精密的“为什么是这样”的批判性框架。书中对**身体与物质环境的交互作用**的讨论，尤其令人深思。作者并没有将身体视为孤立的个体，而是将其置于一个由光线、湿度、空间几何和观众的集体呼吸构成的复杂场域中进行考察。这种“整体论”的视角，极大地拓宽了我对“表演空间”的理解。如果说有什么地方让我略感困惑，那可能是书中偶尔出现的、略显晦涩的术语复合体，这些术语的堆叠使得某些段落的阅读速度被大大减缓，需要极高的专注度去梳理其内部的逻辑关系。总而言之，这是一部需要**反复研读和深度参与**的作品，它带来的思考远远超过了阅读本身所消耗的时间，真正做到了“言有尽而意无穷”的境界。

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