中国画技法系列.写意人物.仕女画法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:陕西人民美术出版社

作者:戴顺智

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2007-03-29

价格:10.0

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isbn号码:9783682081406

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好的，这是一份《中国画技法系列·写意人物·仕女画法》以外的图书简介，聚焦于其他中国画技法和题材： --- 图书名称：中国画技法系列·山水画精粹：写意山水意境的营造与表现 图书简介 本卷《中国画技法系列·山水画精粹：写意山水意境的营造与表现》是深入探索中国传统山水画艺术精髓的权威指南。它摒弃了对具体人物画法的详述，完全聚焦于如何通过笔墨、构图和气韵，构建出具有深邃意境的山水世界。本书旨在为学习者提供一套系统、扎实且富有启发性的写意山水技法训练体系，使读者能够真正理解“可行、可望、可游、可居”的东方美学空间。 第一章：写意山水之“境”——意境的哲学基础与文化内涵 本章首先阐明写意山水画的核心——“意境”的哲学根源。中国山水画不仅是对自然景象的描摹，更是画家心性、学识与宇宙观的物化呈现。我们将探讨唐宋以来山水画理论的演变，重点剖析“外师造化，中得心源”的创作理念。 山水观念的演变： 从李思训的青绿山水到荆浩、关仝的北方山势，再到董源、巨然的江南烟雨，分析不同时代背景下画家对山川的理解差异。 “气”与“韵”的理论： 详细解读山水画中“气韵生动”的内涵，阐述如何通过笔墨的提按顿挫，赋予画面生命力，而非仅仅是形态的堆砌。 传统山水画的审美范式： 探讨“可行、可望、可游、可居”在构图和笔法中的具体体现，引导读者从纯粹的技法层面提升到精神层面去理解山水创作。 第二章：点景之石与树——骨法用笔与皴法的精妙运用 山水画中的“点景”是构建画面的基础。本章聚焦于山石、树木这两种最核心的自然元素，系统梳理和教授写意山水中最具表现力的笔墨技法。 山石的骨法与皴法： 全面讲解中国传统山水画中主要的皴法，如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、解索皴等。 技法详解： 针对每种皴法，提供详细的起笔、行笔、收笔的示范，解析其在表现不同地貌（如北方雄浑山体或南方丘陵）时的适应性。 墨色的变化： 深入探讨焦、浓、重、淡、清五墨法的运用，如何利用墨色的干湿浓淡，瞬间改变山石的体积感和空间层次。 树木的“写”与“画”： 讲解写意树法，强调“画树如写字”。 树干与枝条的造型： 侧重于老树的虬曲与新枝的生动，教授如何用“一笔树”和“分枝法”来表现松、柏、柳、竹等不同树种的生命姿态。 点叶法（介字点、胡椒点等）： 详细拆解不同点叶法的运用时机和墨法要求，如何在不描绘具体叶片的情况下，表现出树叶的茂密与风动感。 第三章：空间布局与气韵流动——高远、平远、深远的构图法则 一幅成功的写意山水画，其构图决定了观者能否“进入”画面。本章完全致力于空间的处理和整体气韵的引导。 传统三远法的实践： 详细解析高远、平远、深远这三种经典构图方式的原理和表现效果。 高远法： 如何营造仰视感，表现磅礴气势，多用于表现高峰峻岭。 平远法： 强调横向的延伸和层次感，表现开阔的水面与平缓的山峦。 深远法： 侧重于前后景的纵深对比，利用云雾或水气的处理来加强空间感。 “计白当黑”与留白之妙： 探讨中国画中留白（“计白当黑”）的艺术手法，如何用空白来暗示云海、瀑布或远处的空间，使画面具有呼吸感。 分块与呼应： 教授如何将画面分割为景、承、转、合的各个部分，确保主体与次要元素的相互呼应，形成整体的和谐感。 第四章：水、云与气候的描绘——动态元素的表现技巧 山水画的生命力往往体现在其动态元素——水与云。本章专注于如何用最具写意精神的笔法来表现水的流动和云气的变幻。 水的形态与笔法： 教授表现瀑布、江河、湖泊的不同技法。 瀑布的“动”： 运用飞白和墨线的速度感，表现水流的冲击力与方向感。 水面的“静”与“动”： 如何用淡墨晕染和细微的几笔勾勒，表现平静水面的反光和微波涟漪。 云雾的“虚”与“幻”： 探讨云雾在山水画中作为空间过渡和气氛营造的关键作用。 擦云法与染云法： 详细演示如何利用笔锋的侧锋或墨色的洇化效果，表现轻柔的晨雾或翻滚的乌云。 墨分五色的层次处理： 强调云气中层次的微妙变化，避免云雾的僵硬感。 第五章：集古成今——临摹与创作实践 本章将理论知识转化为实际操作，引导读者进行有效的临摹训练，并最终走向独立创作。 经典范本的精选与解读： 选取了元四家（黄公望、倪瓒等）以及明清时期代表性山水画家的范例，分析他们是如何运用特定的皴法和构图来表达个人情怀的。 由摹到创的转化路径： 强调临摹不是简单的复制，而是学习古人笔墨的“内功”。指导读者如何拆解古人作品的笔墨结构，并尝试将不同大师的技法融入自己的风格体系中。 创作流程与章法训练： 从写生小品到大幅创作的步骤指导，包括素材的选择、草稿的拟定、用笔的控制以及最后落款钤印的布局，全面覆盖写意山水画的完整创作过程。 --- 本书特色：全书以写意山水为唯一核心，笔法讲解精准细致，尤其注重对中国传统文化中“意境”的理论阐释与技法实践的完美结合。内容深度聚焦于山石、树木、水、云等自然元素，不涉及任何人物或花鸟题材的技法讲解，旨在培养读者构建独立、富有精神内涵的山水画作的能力。

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我更看重的是文化内涵的渗透，光有技术是空洞的。这本书在讲解仕女的仪态和服饰时，并没有简单地罗列历史服饰的款式，而是融入了对唐宋时期不同时代审美取向的理解。例如，它会对比盛唐雍容华贵的丰腴之美与宋代清雅内敛的瘦削之姿，并对应到写意人物中笔触的粗细和线条的张力上。我学到了，画丰腴的仕女，笔线要更饱满，墨色要更浓重，以体现那种气势；而画清瘦的仕女，则要注重线条的挺拔和留白的空灵感。这种将“历史背景”与“绘画语言”紧密结合的教学方式，极大地拓宽了我的创作思路。它让我意识到，每一幅仕女画都不是孤立的造型练习，而是承载着特定时代风貌和文人情怀的载体。读完后，我不仅学会了如何握笔，更体会到了中国古典美学中对“意境大于形似”的极致追求，这本书的价值远超一本单纯的技法手册。

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坦白说，我之前尝试过好几种不同的中国画入门教材，通常都是侧重于工笔的细致描摹，一旦想转向写意，就立刻感到力不从心，总觉得少了点“洒脱劲儿”。这本书的视角非常精准地卡在了“写意”的门槛上。它没有回避写意中“不确定性”的挑战，反而将这种不确定性系统化了。书中有一章专门讲“点睛提神”，这部分内容对我触动很大。它不是教你如何画眼睛，而是教你如何用一两点飞白或飞墨来瞬间赋予人物以生命力。这种处理手法，极其考验画者的心性和对整体布局的把控。书中通过大量的“失败案例”与“成功范例”对比，直观地展示了笔墨在毫厘之间的差异是如何导致人物气质的巨大转变的。这让我明白，写意人物的精髓不在于你画了多少细节，而在于你是否准确地抓住了那一瞬间的“神韵”。这本书的务实和坦诚，让我感觉自己不再是盲目摸索，而是有了一个经验丰富的老师在身边，指引我跨越从“描摹”到“表现”的鸿沟。

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说实话，刚拿到这本关于仕女画法的书时，我有点犹豫，因为市面上太多“速成”的教程了，往往是把复杂的工笔分解成了简单的几何图形，学完后画出来的东西总感觉少了点“气”。但这本书的叙事方式非常独特，它没有一上来就教你“如何画一个完整的仕女”，而是从“骨架”开始，像解剖一样，告诉你人物的比例关系是怎么确立的，尤其是在写意人物中，这种夸张与克制的平衡点在哪里。我发现它在讲解衣纹时，几乎融入了书法中的“气韵生动”的理念，用笔的提按顿挫直接决定了布料的柔软或硬挺。比如，它用了好几页篇幅来讲解“S”形曲线在仕女侧影中的应用，这条线如何贯穿头部、腰部和裙摆，让整个画面产生了一种流动的韵律感。这种讲解方式非常高级，它不是机械地告诉你笔锋怎么落，而是让你理解“为什么”要这样落笔。读完这部分，我感觉自己不光是在学画画，更是在领悟中国传统审美中对“动态和谐”的追求，确实比那些只讲技法的书要深刻得多，让我对写意人物的理解上升了一个台阶。

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这本《中国画技法系列·写意人物·仕女画法》简直是为我这种半路出家的国画爱好者量身定做的！我本来对中国画的线条和墨韵就情有独钟，尤其是仕女那种古典又灵动的气质，一直想学着画，但市面上那些厚厚的理论书看得我头大。这本书的厉害之处就在于，它压根不跟你扯那些晦涩的古代哲学，而是直接进入实操层面。比如，它把仕女的“动态”拆解成了好几个基本模型，让你明白一个侧身、一个回眸，背后的结构是怎么一笔带过的。我尤其喜欢它对“用墨”的讲解，那种浓淡干湿的层次感，不是简单地说“用浓墨画头发”，而是展示了在不同湿度下的笔触是如何形成自然的肌理，像是水墨在宣纸上自我生长一样。最让我惊喜的是，书中对“眼神”的处理，寥寥数笔，人物的神韵就出来了，那种欲语还休的古典美感，真的不是随便画几个圆圈就能达到的效果。对于我这种想快速上手，又追求一定艺术性的学习者来说，这本书无疑是一剂强心针，让我对提笔不再那么畏首畏尾，感觉那些飘逸的古代画卷终于不再是遥不可及的梦了。

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我是一名长期从事设计工作的人，对视觉冲击力和结构逻辑性要求很高。市面上很多传统绘画书籍的排版和图例都显得有些陈旧，阅读体验不佳。然而，这本《写意人物·仕女画法》在视觉呈现上做得非常出色。它的图例清晰度极高，几乎每一笔的走向都有详细的箭头指示，并且很多关键步骤都采用了放大特写的方式，这对我们习惯了高清数字图像的现代读者来说非常友好。更棒的是，书中对“留白”的运用简直是一门艺术课。它没有塞满过多的笔墨细节，而是精准地指出了哪些“空白”是用来营造氛围，哪些“空白”是用来凸显主体结构的。例如，在描绘仕女发髻时，它特意展示了如何通过控制墨色的饱和度来表现光影，而不是依赖于西画中的明暗对比法。这种将传统技法与现代视觉需求相结合的方式，让我感到非常受用。它不只是教你画，更是在教你“看”中国画，教会你如何在二维平面上创造出三维的意境。

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