上海老百乐门珍版爵士中国篇(CD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:九洲音像出版公司

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isbn号码:9787880700282

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《上海霓虹下的律动：二十世纪中国都市音乐风情录》 本书聚焦于二十世纪上半叶，特别是三十年代至五十年代间，上海这座“东方巴黎”如何成为中国现代音乐，尤其是爵士乐和受西方影响的流行音乐，播撒与生根的中心地带。我们试图从一个更广阔的历史、社会和文化背景出发，勾勒出中国本土音乐人如何吸收、改造并最终形成具有独特“上海腔调”的音乐图景。 第一章：都市的崛起与音乐的萌芽（1900-1920年代） 本章探讨上海这座远东金融中心的崛起，如何为外来文化，特别是西方音乐的传入提供了土壤。租界的建立、各国侨民的涌入以及新式知识分子的出现，共同催生了对新式娱乐的需求。 租界与“洋场”的形成： 分析法租界、公共租界内歌舞厅、咖啡馆、舞厅的兴起，它们成为西方音乐表演的最初场所。这些空间不仅是娱乐场所，更是不同阶层、种族进行文化交流的前沿阵地。 早期留洋的影响： 考察最早一批赴欧美学习音乐的中国学生，他们带回的不仅仅是乐理知识，更是一种全新的音乐审美和演奏风格。如早期留美归来的器乐家，如何尝试用西式管弦乐团形式演奏中国民乐或新歌。 “新音乐”的初步试验： 探讨早期中文歌曲的创作，如“时代曲”的雏形，它们开始尝试使用五声音阶与西方和声的结合，标志着本土音乐现代化的开端。此时的音乐多在教堂、学校或小型沙龙中传播。 第二章：爵士浪潮的全面登陆与本土化进程（1930年代——黄金时代） 三十年代是上海娱乐业和音乐创作的巅峰期，爵士乐不再仅仅是模仿，而是被深度本地化。 国际乐团的驻扎与竞争： 详细记录了在和平饭店、大光明等著名舞厅驻场的外国乐队（如孟德尔氏乐队等），他们带来的正宗的摇摆乐（Swing）和布鲁斯（Blues）风格，对本土乐手构成了直接的示范和挑战。 “上海演奏家”的崛起： 重点分析中国本土爵士乐手的成长路径。他们如何在夜总会、电影配乐等领域磨练技艺。探讨中国乐器（如二胡、琵琶的音色运用）与西洋爵士乐器的融合尝试，尽管早期较为保守，但已显现出探索的意图。 电影工业与时代曲的结合： 电影的兴盛为歌曲提供了前所未有的传播渠道。《歌女红牡丹》、《风流 দোক》等影片的主题曲成为社会热点。这些歌曲的编曲，虽然常被归为“时代曲”，但其节奏感、和声结构明显深受早期爵士乐的影响，形成了独特的“上海摩登”风格。 歌词的社会切片： 分析这一时期歌词的主题，从对都市繁华的赞美到对个体命运的细腻描摹，反映了都市知识女性和中产阶级的心理状态。 第三章：抗战时期的音乐变奏与风格的沉潜（1937-1945年） 抗战爆发，使上海的娱乐生态发生了剧变，音乐在承载娱乐功能的同时，也承担起了更复杂的社会和民族情感。 音乐的迁徙与坚守： 记录部分音乐家和乐团西迁至香港、重庆等地，以及留在上海坚持演出和创作的情况。 “抗战进行曲”与通俗音乐的界限： 探讨在特定时期内，通俗音乐（包括受爵士影响的曲风）如何被“国家化”或“民族化”，以符合时代的主流叙事。 蓝调精神的隐秘流淌： 即使在政治氛围紧张的时期，一些深层次的都市情愫和个体感伤依然通过节奏相对缓慢、和声更具张力的作品流露，这些作品是“爵士精神”在夹缝中存续的证明。 第四章：战后到建国初期的转型与余音（1945-1950年代初） 抗战胜利后，上海音乐界迎来短暂的复苏，但随后在政治变局中迅速走向新的方向。 “复古”与“新潮”的交织： 战后，部分乐团试图恢复战前的繁荣，但同时，更前卫的音乐形式，如受美国大兵带来的更复杂的比波普（Bebop）元素开始有限地渗透。 电台与唱片的统治力： 详细分析中央广播电台、上海人民广播电台在这一时期对流行音乐推广中的核心作用，唱片工业的发行量和曲目选择如何影响了公众的音乐品味。 风格的终结与过渡： 描述五十年代初政治运动对“靡靡之音”和受西方影响的音乐形态的清理，以及这一时期留下的优秀音乐人如何转向歌剧、大型合唱或民间音乐的整理工作，标志着一个时代的结束。 结语：回响与遗产 本书最后总结了上海爵士乐与时代曲对后续中国流行音乐发展的深远影响，它们留下的和声语汇、演奏技艺以及对都市现代性的捕捉，成为后世文化研究者和音乐人不断回望的宝贵遗产。我们探究这些音乐中的“上海味”——那种混合了古典的精致、西洋的律动与东方的含蓄的独特质感。

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这张唱片如果真是精品，它的意义绝不只是怀旧那么简单，它代表着一种文化上的“转译”与“适应”。上海的特殊地理位置，使得它成为了东西方文化最前沿的交汇点。我希望能在这张碟子里听到真正的“融合”，而非简单的拼凑。比如说，某些片段的旋律走向，是不是隐约能听出京剧或江南丝竹的影子，但又被爵士的和声体系巧妙地包裹起来，形成一种奇妙的化学反应。这种跨文化的对话，是那个时代上海最独特的魅力所在。我最怕听到的是那种过于“西化”的编曲，听起来就像是美国乐队在远东的某个酒店演奏的普通曲目，缺乏本地的“泥土芬芳”。真正的珍版，应该是有辨识度的，光听前奏的几个音符，就能让人断定：“这是上海的声音。”这种独一无二的辨识度，才是衡量它是否能进入我“珍藏”行列的终极标准。我正在屏息凝神，等待着它揭示那些被时间掩埋的、关于东方爵士乐的最初密码。

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我是一个对音乐的“情绪”极其敏感的人，尤其对早期爵士乐中那种混合着忧郁和享乐主义的矛盾情态着迷。上海的爵士乐，不同于纽约的锐利或新奥尔良的狂放，它必然带有一种“局外人”的疏离感和对现世繁华的浅尝辄止。我期待的，是那种能让人在深夜独自品味时，体会到那种“月光如水，人影阑珊”的意境。如果这张碟子里的曲目编排过于欢快直白，失去了那种特有的“颓废美学”，那它就只是合格的背景音乐，而非值得反复聆听的艺术品。我常常在想，那些在百乐门舞台上演奏的乐手们，他们当时的心境如何？是迫于生计的职业性演奏，还是真的将自己的灵魂注入了那些即兴段落？通过音乐的层次感和情感的张力，我们才能窥见一角。如果低音提琴的拨弦能带着颤抖的重量感，鼓刷扫过军鼓时能发出沙沙的、如同低语般的声音，那么这张碟子就成功地捕捉到了那种特定历史情境下的心理侧写。

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说实话，我对所有带有“XX篇”定语的音乐合集都保持着一种近乎苛刻的审视态度。这种命名方式，常常暗示着一种宏大的叙事企图，但最终呈现的效果却往往流于表面，像是给不同风格的作品贴上一个统一的标签，方便市场推广罢了。我希望这张碟子能展现出一种内在的、流淌的逻辑性，而不是简单地把几首风格相近的曲子堆砌在一起。那种真正具有时代印记的中国爵士，必然是在旧式民乐的骨架上，嫁接了美国南方布鲁斯那种底层生命力的脉搏。我正在寻找的是那种带着浓厚地域色彩的变调，比如对小调的偏爱，对五声音阶的微妙运用，而不是那种套用标准蓝调和弦走向后，再随便塞进几段中国特色的乐器独奏，以示区别的敷衍之作。如果它真的深入挖掘了上海租界时期不同文化碰撞的火花，那它的价值就不单在于音乐本身，更在于它作为一种文化口述史的意义。我尤其关注鼓点的处理，那个年代的鼓点往往带着一种机械而又充满生命力的节奏感，没有现代电子鼓的冰冷和完美无缺。

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我打开包装的时候，首先注意到的是封套的纸质和印刷工艺。在这个数码流横行的时代，实体唱片，尤其是这种强调“珍版”的，其载体本身的质感就构成了体验的一部分。我非常看重内页的文字排版和摄影作品的选用。一个精心制作的音乐档案，不应该只是一堆音轨的堆砌，它应该附带详尽的时代背景介绍、乐手生平，甚至是当时的演出照片。如果内页只是用了一些模糊不清的、从网络上随便下载的旧照片充数，那么这张“珍版”的诚意度至少要打个五折。我希望看到的是那种，能让你捧在手里摩挲半天，仿佛能从纸张的纹理中读出历史尘埃的质感。我对那些关于录音技术的描述也格外感兴趣，是使用了哪一代的母带进行转录？有没有提到关于母带失真率的控制？这些细节决定了这张唱片在发烧友心中的地位。对我来说，收藏的乐趣很大一部分来源于对制作幕后的挖掘，了解这些老音乐人当年是如何在资源匮乏的条件下，创造出永恒的艺术的。

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这张唱片，单是名字听着就带着一股子老上海的腔调，仿佛能闻到黄浦江边湿漉漉的晚风，还有夜上海十里洋场上那些纸醉金迷的浮华气味。我买它的时候，其实心里是有点忐忑的，因为“珍版”这个词在唱片圈里往往意味着鱼龙混杂，要么是未经授权的粗糙复刻，要么就是音质处理得让人心碎的“修复”。不过，当那张厚实的唱片壳子在我手里沉甸甸地出现时，我心中那份对年代感的敬畏感立刻占据了上风。我一直痴迷于那种介于古典的严谨和现代的自由之间游走的乐风，爵士乐的精髓就在于它的即兴和对情感最直接的捕捉。我期待的，是那种老式录音棚里特有的温暖失真，是萨克斯风在昏暗灯光下吹出的那种略带沙哑的叹息，而不是那种被过度锐化、失真到失去灵魂的“高清”重制。如果它能带我回到那个留声机嗡嗡作响的年代，让空气中弥漫着香烟和雪茄的味道，那它就值回票价了。这不仅仅是一张音乐收藏品，它更像是一张通往历史深处的船票，船舱里播放着的是那个时代最精致、也最无奈的旋律。我非常关注这张“中国篇”究竟如何去融合东西方的音乐语汇，是生硬的嫁接，还是水到渠成的交融，这才是检验其艺术水准的关键所在。

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