中国电视美术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:北京出版社

作者:刘宜勤

出品人:

页数:150页

译者:

出版时间:1998

价格:260

装帧:精装 29cm

isbn号码:9787200034929

丛书系列:

图书标签:

• 舞台美术设计
• 中国电视美术
• 电视美术
• 美术设计
• 中国电视
• 艺术史
• 视觉文化
• 广播电视
• 文化研究
• 设计史
• 图像学
• 传媒艺术

《中国电视美术：视觉叙事的光影之道》 引言 自黑白电视时代的简朴信号，到如今高清、4K乃至8K的细腻成像，电视媒介的视觉呈现方式经历了翻天覆地的变革。在这场技术革新的浪潮中，电视美术作为一门融合了艺术、技术与时代精神的学科，始终是塑造观众观感、传递情感共鸣、构建叙事语境的核心要素。本书《中国电视美术：视觉叙事的光影之道》并非简单罗列电视美术发展的史料，亦非局限于某一类电视艺术的风格分析，而是旨在深入剖析中国电视美术在不同历史时期，如何通过光影、色彩、造型、空间等视觉元素，构建起一个个引人入胜的故事世界，并由此折射出中国社会的变迁、文化的演进和审美理念的迭代。 一、 荧屏初探：奠基与探索（20世纪50年代末-70年代末） 在中国电视发展的黎明时期，电视美术肩负着“宣传革命思想、普及科学文化”的时代使命。彼时，技术条件的局限性催生了独特的视觉语言。美术工作者们在有限的资源下，通过精心设计的布景、道具和人物造型，力求达到简洁明了、寓教于乐的传播效果。 布景的象征与写意： 早期电视节目，特别是戏剧和纪录片，布景设计往往倾向于象征性和写意化。例如，表现革命圣地的场景，可能仅通过几面绘制着山峦松柏的幕布，搭配简易的木质家具，便能勾勒出特定的环境氛围。这种“少即是多”的设计理念，不仅符合当时的技术条件，更将观众的注意力引向了核心的叙事内容。布景的色彩运用也极具时代特色，多以鲜明、对比强烈的色彩为主，以强化宣传效果和革命乐观主义精神。 道具的符号化运用： 道具的选择和摆放，承载着重要的叙事功能。一件红色的旗帜，可能就象征着革命的火种；一本泛黄的书籍，则可能暗示着知识与传承。这些道具的符号化运用，大大提升了画面的信息密度，使得有限的镜头语言能够传递更丰富的内容。 人物造型的类型化与精神化： 人物造型的设计，力求塑造鲜明的人物形象，以服务于内容的主题。革命时期，英雄人物的造型多强调刚毅、坚定，服装简洁朴素，发型整齐划一；而反面人物的造型则可能通过夸张的面部表情、怪异的服装色彩来强化其负面形象。这种类型化的设计，虽然在一定程度上牺牲了人物的个性化，但却有效地传达了当时社会所倡导的价值观念。 光影的戏剧性表现： 尽管受限于当时的灯光设备，但电视美术工作者们仍努力运用光影来增强画面的戏剧性和表现力。简单的明暗对比，就能营造出紧张、庄重的氛围，烘托人物的情绪。例如，人物脸部的一束追光，能够瞬间捕捉观众的目光，突出其内心的挣扎或坚定的决心。 这一时期的电视美术，虽然在技法上显得粗犷，但其强大的叙事功能和鲜明的时代烙印，为中国电视艺术的发展奠定了坚实的基础。它是一代人心中的集体记忆，是特定历史时期视觉文化的重要载体。 二、 改革开放的春风：多元与拓展（20世纪80年代-90年代） 随着改革开放的深入，中国社会迎来了前所未有的思想解放和文化繁荣。电视作为大众传媒的重要载体，其艺术表现形式也开始呈现出多元化和拓展化的趋势。电视美术工作者们在吸收国外先进理念和技术的同时，也在积极探索符合中国国情的视觉语言。 色彩的解放与情感表达： 曾经的黑白画面逐渐被丰富的色彩所取代。美术设计开始大胆运用色彩来表达人物的情感、烘托场景的氛围。暖色调的运用，能够营造出温馨、浪漫的氛围；冷色调则可以表现出神秘、忧郁的情绪。对色彩的精妙把握，使得电视画面更具感染力，能够触动观众更深层次的情感。 布景的写实与意境营造： 布景设计从写意走向写实，开始追求场景的真实感和生活气息。无论是现代都市的繁华街景，还是江南水乡的温婉小巷，美术设计都力求真实还原，让观众身临其境。同时，对意境的营造也成为布景设计的重要追求。通过精心设计的构图、光影和道具，能够在现实场景中融入诗意和哲思，引发观众的联想。 服饰的时代感与人物塑造： 服饰设计紧跟时代潮流，反映了社会经济的发展和人们生活方式的改变。从朴素的中山装，到五彩斑斓的港台流行服饰，服装的变化本身就讲述着时代的故事。同时，服饰设计也更加注重人物性格的刻画，通过服装的款式、材质、色彩，能够生动地展现人物的职业、身份、性格甚至内心的情感。 摄影美术的崛起与技术融合： 摄影美术在这一时期逐渐独立并发展壮大。灯光、摄影机的运用更加娴熟，能够通过景别、构图、角度的巧妙组合，创造出丰富多样的视觉效果。对光影的运用也更加讲究，通过硬光、软光、逆光等多种手法，塑造出立体感、空间感和质感，增强画面的艺术表现力。 引进与本土化的探索： 随着对海外影视作品的接触增多，国内电视美术开始借鉴和学习国外先进的设计理念和技术。例如，对电影级布景、特效化妆、道具陈设等方面的引入，极大地提升了电视节目的制作水平。同时，在学习的基础上，也涌现出许多将西方元素与中国传统文化相结合的成功案例，形成了既有国际视野又不失本土特色的电视美术风格。 这一时期，电视美术如同一幅徐徐展开的画卷，色彩更加斑斓，内容更加丰富，技术更加精湛，它不仅满足了观众日益增长的观赏需求，也成为记录和反映社会变革的重要窗口。 三、 世纪之交与数字时代：精细与创新（21世纪初至今） 进入21世纪，数字技术的飞速发展彻底改变了电视制作的方方面面，电视美术也随之进入了一个前所未有的精细化和创新化的新阶段。 三维动画与数字特效的融入： 三维动画和数字特效的广泛应用，为电视美术带来了无限可能。曾经只能在电影中实现的奇幻场景，如今在电视剧、纪录片中也屡见不鲜。从宏伟壮丽的古代宫殿，到充满想象力的科幻世界，数字技术让视觉呈现更加逼真、震撼。例如，历史剧中的宏大战争场面，可以通过数字技术得以逼真再现；科幻剧中的未来城市，则可以通过CG技术构建出令人惊叹的视觉奇观。 虚拟现实与增强现实的探索： 虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术的初步应用，预示着电视美术未来新的发展方向。这些技术能够为观众提供更具沉浸感的视听体验，打破传统屏幕的界限。虽然目前在电视节目中的应用尚处于探索阶段，但其巨大的潜力已然显现。 美术设计的精细化与考据性： 随着制作周期的延长和技术的进步，美术设计对细节的追求达到了前所未有的高度。无论是服装的面料、纹饰，还是道具的材质、年代感，都力求精准还原，以增强历史剧的真实性和说服力。例如，一部年代剧可能需要考证当时社会各阶层的服饰细节，并根据不同场景进行细致设计，以达到“以假乱真”的效果。 色彩科学与情绪心理学的结合： 美术工作者们更加深入地研究色彩的科学原理及其对人类情绪心理的影响。通过对特定色彩组合的运用，能够精准地引导观众的情绪，加深对人物内心世界的理解。例如，在表现人物内心的不安和焦虑时，可能采用饱和度较低、偏向灰暗的色彩；而在展现人物希望和憧憬时，则会运用明亮、温暖的色彩。 全球化视野下的本土文化重塑： 在全球化浪潮的影响下，中国电视美术在吸收世界先进经验的同时，也更加注重对中华优秀传统文化的挖掘与创新。从宫廷剧的精美服饰、建筑风格，到武侠剧的写意山水、侠客造型，都在尝试用现代的视觉语言重塑传统文化之美。这种融合与创新，不仅吸引了国内观众，也为中国电视美术走向世界提供了可能。 新媒体平台的视觉语言： 随着短视频、直播等新媒体平台的兴起，电视美术也开始在这些新兴领域探索新的视觉表达方式。更加注重画面的节奏感、冲击力，以及与观众的互动性，形成了区别于传统电视节目的视觉风格。 结论 《中国电视美术：视觉叙事的光影之道》之所以能吸引读者，在于它提供了一个理解中国电视艺术发展脉络的独特视角。本书并非简单地陈列某部剧集的布景或某位设计师的成就，而是将电视美术置于广阔的社会、文化和技术背景之下，去审视它如何与时代同频共振，如何用光影、色彩、造型、空间等视觉语言，编织出一张张引人入胜的叙事之网。 从早期电视的象征与写意，到改革开放后的多元与拓展，再到数字时代的精细与创新，中国电视美术始终在不断演进，不断突破。它不仅是技术进步的见证，更是文化传承与创新的载体，是反映时代变迁、社会思潮的生动画卷。本书的价值在于，它能够帮助读者更深刻地理解电视节目背后所蕴含的艺术匠心和时代精神，从而以更广阔的视野去欣赏和品味中国电视美术的独特魅力。它将带领读者穿越时空的维度，感受光影在荧屏上的律动，理解色彩在画面中的诉说，洞察造型在人物塑造中的力量，体味空间在叙事构建中的深意。这不仅是对中国电视美术的一次全面梳理，更是对视觉叙事艺术的一次深入解读。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

**书评三** 说实话，这本书读起来很“累”。它的叙事节奏非常缓慢，像是在散步而不是在疾驰的列车上观察窗外的风景。对于像我这样，主要对上世纪八九十年代港台剧对大陆审美产生的冲击及其内部的本土化反应感兴趣的读者来说，这本书的切入点太过宏大和官方化了。它更像是一部官方的艺术发展史，缺少了那些充满烟火气的人与事。比如，那些在艰苦条件下用有限的灯光和布景创造出史诗感的幕后英雄的故事，那些关于创作冲突和妥协的轶闻，在书中几乎找不到踪影。电视美术的魅力很大一部分来源于它与特定时代精神的共振，以及创作者在限制中的挣扎与突破。这本书的笔调过于平稳，缺乏必要的张力，仿佛在描述一个早已被驯服的对象，而不是一个充满生命力和变数的艺术领域。如果能增加一些对具体场景设计者或灯光师的深度访谈，哪怕是只针对一两部标志性作品的解构分析，我想这本书的吸引力会大大增强。目前的版本，更像是一份教科书式的参考资料，而非引人入胜的阅读体验。

评分☆☆☆☆☆

**书评一** 我最近翻阅了一本名为《中国电视美术》的书，老实说，我对其中一些论述感到非常困惑。书中似乎过于侧重于理论构建，而对实际的艺术实践描述得太少。比如，在谈及某一时期电视布景的风格演变时，作者花了大量篇幅去引用晦涩的哲学概念，却鲜有提及具体哪些剧集采用了何种材料、灯光是如何配合色彩进行设计的。这让我这个更偏爱动手操作和视觉参考的读者感到索然无味。我期待看到的是那些幕后工作者如何将有限的资源转化为令人惊艳的视觉效果的案例分析，而不是一堆抽象的术语堆砌。特别是关于道具制作的部分，书中几乎没有涉及传统工艺在现代电视制作中的继承与创新，这实在是一个巨大的遗憾。总而言之，这本书更像是一本严肃的学术论文集，而不是一本面向行业人士或对电视艺术有浓厚兴趣的普通读者的实用指南。我希望能从书中读到更多关于“如何做”的故事，而不是仅仅停留在“为什么会这样”的思考层面。希望未来的再版能增加更多的图例和实践经验分享，让理论能够真正落地生根，而不是悬浮在空中。

评分☆☆☆☆☆

**书评四** 我对书中对于“后现代主义”思潮在九十年代电视视觉设计中的体现那一章印象最为深刻——然而，这份深刻更多源于我需要不断地在脑海中进行“反向翻译”。作者似乎热衷于使用高度浓缩的学术语言来描述本来应该是直观的视觉现象。例如，描述一组色彩搭配时，会引用大量的结构主义和符号学理论，而不是直接告诉我这种色彩组合如何影响了观众的情绪。这使得非专业出身的读者，比如我这个主要关注电视剧情感传达的普通观众，不得不频繁地停下来查阅词典或重新组织思路。我想象中的电视美术书籍，应该是一座连接艺术理论与大众媒介之间的桥梁，它应该用清晰、有力的语言将复杂的概念转化为人人都能理解的审美认知。这本书显然更倾向于服务于已经熟悉这些理论框架的圈内人士。它在构建自己严密的知识体系上做得不错，但却牺牲了与更广泛读者的有效沟通。对于那些希望通过阅读来提升自己“看电视”品味的普通爱好者而言，这本书的门槛设置得太高了。

评分☆☆☆☆☆

**书评二** 这本书的装帧设计和印刷质量确实达到了一个很高的水准，打开扉页时那种纸张的厚实感和色彩的饱和度是令人愉悦的。然而，内容上的体验却如同经历了一场精心布置却缺乏核心剧情的戏剧。它似乎试图涵盖中国电视美术的方方面面，从建国初期的简陋舞台到如今高清数字时代的复杂环境，但这种“大而全”的策略反而导致了每一部分的深度都不够。例如，对于省级电视台与中央电视台美术风格差异的探讨，只是点到为止，未能深入挖掘地域文化如何深刻影响了视觉呈现的细微差别。我尤其想知道的是，在技术迭代如此迅速的背景下，老一辈美术指导是如何应对新设备带来的挑战，他们对三维建模和虚拟场景的看法是怎样的？书中对此鲜有涉及，更多的是对既定历史的平铺直叙。阅读过程中，我常常有一种感觉：作者拥有丰富的资料，但缺乏提炼和聚焦的眼光，仿佛把所有收集到的资料一股脑地塞给了读者，期待读者自己去梳理出脉络。对于想要系统了解某个特定时期或特定类型的电视美术（比如历史剧或科幻剧）的读者来说，这本书提供的帮助可能并不直接。

评分☆☆☆☆☆

**书评五** 这本书在技术细节方面的阐述相对薄弱，这让我感到非常遗憾。作为一本探讨“美术”的书籍，我原本预期它会对不同历史时期所使用的材料、工具（从早期的油漆、木材到后来的复合材料、LED屏幕）有更细致的描绘。比如，书中提到某个场景的气势磅礴，但没有解释实现这种气势在物理层面需要克服哪些困难，或者某个标志性的布景是如何被安全高效地搭建起来的。这种对技术实现层面的“缺失”，让整本书的讨论似乎永远停留在“意图”和“结果”的层面，而跳过了至关重要的“过程”。我们知道好的电视美术既需要艺术家的创意，也需要工程师的智慧。这本书显然偏向于前者，对后者着墨甚少。如果能加入一些关于早期电视技术限制如何塑造独特美学的章节，或者介绍不同时期对舞美团队的规模和技能要求变化的分析，那这本书的价值将不可估量。目前来看，它更像是一本电视艺术史的纲要，而非一部深入剖析电视美术工艺与创新的专著。

评分☆☆☆☆☆

编排顺序 内容 都不够精致

评分☆☆☆☆☆

编排顺序 内容 都不够精致

评分☆☆☆☆☆

编排顺序 内容 都不够精致

评分☆☆☆☆☆

编排顺序 内容 都不够精致

评分☆☆☆☆☆

编排顺序 内容 都不够精致