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出版者:Arthaud

作者:Bazin Germain

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:4 avril 2006

价格:0

装帧:

isbn号码:9782082561075

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雕塑艺术的永恒回响：一部跨越时空的创作史诗 书名： 穿越时空的雕塑艺术：从史前图腾到数字形体 作者： [此处留空，或填写虚构的、与原书作者不同的专家姓名] 页数预估： 约 900 页 装帧： 精装，配有大量高清艺术品复刻图 核心主题： 本书旨在系统梳理和深入探讨人类历史上最具物质性和持久性的艺术形式——雕塑——的发展脉络、技术演变、文化内涵及其在不同文明中的精神表达。它将聚焦于那些未在《Le Monde de la Sculpture des Origines a Nos Jours》中被详尽论述的独特艺术现象、区域性流派、以及被主流史学略微边缘化的重要节点。 --- 第一部分：蛮荒之声与早期文明的物质信仰（约公元前 30,000 年至 公元前 1500 年） 本部分将避开对欧洲旧石器时代洞穴壁画的直接讨论，转而深入美索不达米亚两河流域的早期城邦，着重分析苏美尔和阿卡德时期王室与神祇的圆雕与浮雕在权力构建中的作用。我们将细致考察乌尔王陵出土的礼仪性人物雕塑，探讨其材料（如青金石、贝壳镶嵌）的选择如何体现早期城市国家的贸易网络和等级制度。 随后，目光将投向印度河谷文明（哈拉帕和摩亨佐-达罗）。尽管该文明的雕塑作品数量相对稀少，但“祭司王”半身像和著名的“舞女”青铜雕像，揭示了一种不同于埃及或美索不达米亚的、更内敛和仪式化的神性表达。本书将侧重于分析这些作品的制作工艺细节，尤其是失蜡法在南亚的早期应用，并将其与同期西亚的金属铸造技术进行对比研究。 此外，我们还将用大量篇幅来探讨史前安纳托利亚的巨石雕塑（如哥贝克力石阵的 T 型石柱），将其视为人类从狩猎采集转向定居农业后，对宇宙秩序进行初步物质化构建的尝试，强调其在空间布局和象征意义上的宗教基础，而非单纯的形象再现。 第二部分：非地中海中心的古典辉煌与精神渗透（约 公元前 1000 年至 公元 500 年） 本卷将把关注点从传统希腊罗马的古典主义叙事中抽离出来，重点考察古代中国在青铜时代的雕塑成就。详细分析商周时期礼器群中的兽面纹（饕餮纹）装饰，探究这些高度程式化的神兽形象如何承载了宗法社会的政治伦理和对祖先的敬畏。我们将深入研究陶器、玉器和青铜器上浮雕的精细化处理，并将其与同时期地中海的抽象化倾向进行参照。 紧接着，本书将详细剖析古埃及中王国至新王国时期的“书吏像”和“阿马尔那时期”的写实主义转向。重点将放在对人物内在心理的捕捉上，对比传统程式化雕像的永恒性与阿玛尔那时期短暂的自然主义之间的张力，探讨法老宗教改革对艺术风格的直接影响。 在北美洲，我们将首次将奥尔梅克文明的巨型头像置于全球雕塑史的坐标系中进行考察。这些巨大的玄武岩雕塑的运输难度和艺术表现力，揭示了前哥伦布时期中美洲复杂的社会组织能力和对自然材料的深刻理解。分析其面部特征的地域性和权力象征意义。 第三部分：中世纪的东方与异域的物质信仰（约 公元 500 年至 公元 1400 年） 本部分将全面转向伊斯兰艺术对三维形式的处理方式，特别是其如何规避偶像崇拜禁令，转而通过几何图案、书法和复杂的结构性设计来表达神圣性。研究波斯萨珊王朝的岩石浮雕（如塔克布斯坦）与后来的伊斯兰建筑装饰的连续性。 聚焦东南亚，我们将详细分析吴哥窟和婆罗浮屠的宏大浮雕群。本书将侧重于对这些巨型石刻叙事中，印度教和佛教神话的在地化处理，以及雕刻家如何利用建筑本身的曲面和光影变化来增强叙事的沉浸感。对于巴厘岛和爪哇岛的木雕和石雕，也将探讨其在祭祀仪式中的动态角色。 在中世纪欧洲，本书将绕开主流的罗马式和哥特式大教堂的门楣雕刻，转而关注拜占庭帝国的象牙雕刻和小型的珐琅宗教圣物。研究这些小型艺术品如何通过对细节的极致追求和对黄金的运用，在更私密的空间内维系信徒的虔诚。 第四部分：文艺复兴后的技术革新与学院派的遗产（约 公元 1400 年至 公元 1900 年） 本卷将跳出对米开朗基罗和贝尔尼尼的惯常赞美，深入探讨文艺复兴早期意大利北部（如帕多瓦学派）在青铜雕塑浇铸技术上的突破，特别是对材料纹理和表面处理的精细化追求。考察多那太罗作品中对古典语汇的创新性运用。 随后，我们将考察洛可可时期的瓷塑艺术，特别是德累斯顿和塞夫尔皇家瓷厂的作品。分析这些轻盈、装饰性强的雕塑如何脱离宗教和政治的沉重叙事，转而服务于宫廷的精致娱乐生活，以及它们对材料（硬质瓷土）特性的极限探索。 本书的后半部分将关注19世纪的学院派雕塑及其在全球范围内的影响。深入研究安东尼·路易斯·巴里（Antoine-Louis Barye）等艺术家的动物雕塑，分析其如何将浪漫主义的激情与解剖学的严谨性相结合。同时，探讨殖民扩张背景下，欧洲雕塑家如何通过异域主题（东方主义）进行创作，以及这其中隐藏的文化偏见与艺术挪用问题。 第五部分：现代性的碎片化与物质的解放（约 公元 1900 年至今） 本部分将不再聚焦于传统意义上的“雕塑”，而是探讨“造型艺术”的边界拓展。重点分析20世纪初的拼贴艺术和集合艺术，如何使用现成品（Found Objects）挑战雕塑的传统概念。我们将详细考察立体主义雕塑（如毕加索和阿普的早期金属结构作品）如何将空间本身“分解”并重构成新的物质实体。 随后，本书将深入研究后二战时期的大地艺术（Land Art），特别是那些规模宏大、材料取自自然环境的作品（如史密森的“螺旋堤”）。分析这些作品如何通过其存在于非传统场所（荒野、沙漠）的特性，来批判博物馆和商业艺术体制，并探讨其在时间侵蚀下的“非永恒性”哲学。 最后，本书将探讨装置艺术和新媒体雕塑的兴起，关注那些使用光线、声音、动态机械或可编程材料的作品。我们将分析这些当代实践如何利用科学技术来模拟生命、探索人机关系，从而实现对传统“雕塑”——即固定、实体化的三维对象的彻底超越。 --- 总结： 本书提供了一条侧重于技术、区域特殊性与非主流叙事的雕塑史路径，旨在补充和深化对人类造型艺术的理解，尤其关注那些在材料选择、文化背景和哲学意图上，与主流的希腊-罗马-文艺复兴叙事形成鲜明对比或独特补充的艺术实践。

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从这本书中，我不仅学到了关于雕塑的知识，更重要的是，我学会了如何“看”一件雕塑。作者在书中反复强调，雕塑不仅仅是形体的堆砌，更是艺术家与材料、与空间、与观者之间的对话。他引导我关注作品的体量感，如何与周围环境产生互动；关注材质的运用，不同的材料如何赋予作品不同的性格和意义；关注作品的透视与光影，它们如何塑造出作品的动态与情感。在阅读关于古罗马雕塑的部分时，我开始留意那些被刻意留下的手工痕迹，它们诉说着工匠的技艺与汗水。在欣赏现代雕塑时，我不再只是被其新颖的造型所吸引，而是开始思考艺术家选择这种材料、这种形态的背后原因，以及它想要传达的某种观念或情感。这本书就像一位循循善诱的老师，用丰富的案例和深刻的见解，一点点地教会我如何去欣赏、去理解那些沉默而伟大的艺术品，让我的艺术视野得到了极大的拓展，也让我对生活中的一切事物都多了一份审美的敏感。

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对于我这样一位对现当代艺术抱有浓厚兴趣的读者来说，《Le Monde de la Sculpture des Origines a Nos Jours》的前半部分虽然精彩，但真正让我爱不释手的是它对近现代雕塑艺术的深度剖析。书中没有回避那些挑战传统、颠覆认知的艺术形式，而是以开放的态度，去解读立体主义、超现实主义、抽象表现主义以及后现代主义等流派对雕塑概念的重塑。那些打破材料界限、挑战空间限制，甚至模糊了艺术与生活的界限的作品，都被作者以一种引人入胜的方式呈现在读者面前。我尤其对书中关于雕塑如何从具象走向抽象，如何从单一材料走向多元融合的探讨感到着迷。例如，书中对杜尚的现成品艺术，以及对考尔德动力雕塑的分析，都让我看到了雕塑艺术在20世纪所经历的深刻变革。作者并没有简单地给出结论，而是引导读者去思考，去探索这些作品背后的思想根源和社会背景，让我在感受艺术魅力的同时，也引发了对当下艺术现状的思考。

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我一直认为，艺术史的学习离不开视觉的引导，而《Le Monde de la Sculpture des Origines a Nos Jours》在这方面做得非常出色。这本书的插图选择堪称是业界典范，每一张图片都经过精心挑选，能够最大程度地展现雕塑的立体感、材质感以及细节之美。从史前壁画中的雕塑形象，到文艺复兴时期大师们的杰作，再到现代雕塑的抽象与实验，书中几乎涵盖了雕塑发展史上的每一个重要节点和代表性作品。更重要的是，图片并非简单地罗列，而是与文字内容紧密结合，常常是图文并茂，相互呼应，为读者提供了极大的便利。当我读到关于米开朗琪罗《大卫》的文字描述时，书中那幅高清的局部特写图片，让我得以近距离观察大卫那肌肉线条的精准刻画，感受其爆发前的宁静力量。这种身临其境的视觉体验，极大地增强了我的理解和记忆。即便是在描述一些已经消失或损毁的雕塑时，书中也常常通过绘画、拓片或早期摄影作品来还原其原貌，展现了作者在资料搜集上的用心程度。

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这本书的封面设计就充满了艺术感，厚重的纸张，精美的插图，光是翻阅就能感受到扑面而来的历史厚重感。我原本对雕塑史的了解仅限于一些零散的片段，比如古希腊的完美人体，或是中世纪的宗教浮雕，但这本书就像一把钥匙，为我打开了通往雕塑艺术宏大世界的大门。从史前那些粗犷而充满生命力的石器时代雕塑，到古埃及那些巍峨庄严的法老雕像，再到古希腊罗马时期对人体比例和动态的极致追求，以及中世纪基督教艺术的神秘与象征，每一页都充满了惊喜。作者并没有止步于历史的回顾，而是用一种非常现代的视角，去探讨雕塑在不同时代、不同文化中所扮演的角色，它如何反映社会变迁，如何承载精神信仰，又如何成为艺术家情感与思想的载体。即使是对雕塑不太了解的读者，也能通过这本书清晰地梳理出一条清晰的时间脉络，理解不同时期雕塑风格的演变，以及它们背后深层的文化内涵。书中的图片质量非常高，很多珍贵作品的细节都得以清晰呈现，配合着文字解读，仿佛置身于博物馆之中，与那些沉默的艺术品进行着跨越时空的对话。

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这本书的阅读体验，与其说是“读”一本关于雕塑的书，不如说更像是一次沉浸式的艺术考古之旅。我特别喜欢书中对不同文化背景下雕塑的解读，它不仅仅是列举作品，而是深入挖掘了雕塑与当时的社会结构、宗教信仰、政治权力，甚至日常生活之间的紧密联系。例如，书中对非洲雕塑的分析，让我看到了它们作为祭祀、沟通神灵和记录历史的强大力量，那不仅仅是简单的木雕石刻，而是承载着整个社群的灵魂与智慧。又比如，对亚洲雕塑的阐释，展现了佛教艺术的博大精深，从印度犍陀罗艺术的希腊化影响，到中国唐宋时期佛教造像的圆润与庄严，再到日本雕塑的细腻与写意，都充满了令人着迷的多样性。作者的叙述语言充满激情，又不失学术的严谨，他总能找到最恰当的比喻和最生动的词汇，将那些看似遥远的艺术品带到眼前，让读者能够感受到艺术家创作时的心路历程，以及作品本身蕴含的生命力。阅读过程中，我经常会因为某个观点或某件作品而陷入沉思，仿佛自己也成为了那个时代的旁观者，去体会艺术所传达的情感和思想。

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