Musicology and Performance pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:Yale University Press

作者:Paul Henry Lang

出品人:

页数:272

译者:

出版时间:1997-8

价格:$48

装帧:

isbn号码:9780300068054

丛书系列:

图书标签:

音乐
理论
保罗亨利
音乐学
表演实践
音乐分析
音乐史
音乐理论
音乐文化
音乐表演
学术研究
音乐认知
音乐哲学

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具体描述

Arriving in the United States at age twenty-seven, Hungarian-born Paul Henry Lang (1901-1991) went on to exert a powerful influence on musical life and scholarship in his adopted country for more than six decades. As professor of musicology at Columbia University, editor of the Musical Quarterly, a founder of the American Musicological Society, and chief music critic of the New York Herald Tribune, Lang became one of America's foremost musical scholars and commentators. This anthology of his previously uncollected writings includes essays written throughout his career on a full array of musical subjects, as well as unpublished chapters of the book on performance practice that he was writing at the time of his death. Lang was concerned above all with safeguarding the purity of musical knowledge as reflected in both scholarship and performance. Whether addressing his fellow musicologists or the general public, he expressed a broadly humanistic conception of musicology in his erudite and entertaining writings on such diverse subjects as Bach and Handel, the historical veracity of the film Amadeus, Marxist theory and music, and the controversial issue of "authenticity" in performance. "Lang applies to issues of music and musicology in the second half of the twentieth century a sweeping outlook and genius for remarkably durable generalizations that characterize his earlier Music in Western Civilization. His eloquent plea for compromise in performing early music may upset some enthusiasts of 'authenticity' but is backed by solid good sense and a firm command of the historical context". -- Claude V. Palisca, Henry L. and Lucy G. Moses Professor Emeritus of Music, Yale University

《音乐学与表演：舞台背后的声音与行动》这本《音乐学与表演》并非对音乐表演本身的罗列或指导，而是深入探究音乐学理论与舞台实践之间错综复杂、相互滋养的联系。它试图揭示，当我们沉浸于一场音乐会、一部歌剧、或是一次舞蹈表演时，我们所感知到的，远不止是眼前可见的音符与肢体。这背后，是一套严谨而深刻的音乐学思想在支撑，是历史、文化、理论与技术的交织作用，最终汇聚成舞台上那一瞬的生命力。本书的核心在于建立音乐学研究与表演实践之间的桥梁，探索后者如何承载、诠释、甚至重塑音乐学所揭示的意义。它将音乐学视为一个动态的、不断演进的领域，而表演则被看作是音乐学理论得以具象化、生命化的关键载体。因此，它并非简单地介绍音乐表演技巧，而是从一个更为宏观、更具分析性的视角出发，审视音乐表演的构成要素、历史演变、文化语境以及理论基础。第一部分：音乐学的基石与表演的土壤在本书的第一部分，我们将首先回顾音乐学发展的脉络，聚焦那些对表演产生深远影响的核心理论和研究范式。这包括但不限于：音乐结构与形式分析：了解一部作品的结构、乐句、主题发展、调性布局等，是理解作曲家意图、把握音乐逻辑的基础。本书将探讨这些分析如何指导演奏家在细节处处理乐句的起伏、段落的衔接，以及整体的叙事走向。例如，对赋格曲对位法的理解，如何影响演奏者对各个声部的独立性与相互关系的呈现；对奏鸣曲式结构的分析，又如何帮助演奏者塑造乐章的戏剧性冲突与解决。和声与对位理论：和声的色彩、张力、解决，对位法的精妙编织，构成了音乐的情感表达和内在逻辑。本书将分析这些理论在表演中的具体体现。例如，和弦的色彩变化如何被演奏者通过音色、力度、节奏的微调来加以强调；对位声部之间的对话感，又如何通过演奏者对不同声部的层次感和突出度的把握来呈现。音乐史与风格研究：不同历史时期、不同地域的音乐风格，蕴含着独特的审美追求和表现方式。本书将考察这些风格特征如何在表演实践中得以传承与创新。例如，巴洛克时期音乐的装饰音运用、震音技巧，与古典时期音乐的清晰线条、平衡感，乃至浪漫主义时期音乐的自由速度、情感抒发，这些都要求表演者具备相应的风格认知与技术储备。音乐美学与哲学：音乐的本质是什么？音乐情感是如何产生的？这些哲学性的追问，深刻影响着我们对音乐的理解和欣赏。本书将探讨这些美学观点如何形塑表演者的艺术理念，以及他们如何通过表演来传达某种特定的美学追求，例如，尼采的“酒神精神”与“阿波罗精神”如何体现在不同音乐作品的演绎中，或者对“崇高”与“优美”美学概念的理解如何影响演奏者对不同作品的取向。音乐社会学与文化研究：音乐并非孤立存在，它与社会、文化、政治紧密相连。本书将分析这些社会文化因素如何影响音乐的创作、传播和表演。例如，特定时期政治宣传对音乐内容和表演形式的影响，或不同文化背景下音乐表演礼仪的差异。第二部分：表演的艺术与音乐学的实践在第二部分，我们将深入探讨音乐学理论如何在具体的表演实践中得以转化和实现，关注表演者作为音乐学理论的“执行者”和“阐释者”的角色。演奏技法与音乐学的关联：无论是弦乐的弓法、指法，还是管乐的呼吸、气息控制，亦或是键盘乐的触键、踏板运用，这些精湛的演奏技法并非凭空产生，而是建立在对音乐材料及其内在逻辑的深刻理解之上。本书将分析特定的演奏技法如何服务于音乐学上的特定需求，例如，如何通过不同的弓法处理来强调乐句的清晰度或连贯性，如何通过不同的触键方式来表现音乐的颗粒感或歌唱性。诠释的艺术：音乐学的视角：表演的核心在于诠释，即将文本化的音乐作品赋予生命。本书将从音乐学角度审视诠释的可能性与限制。这包括对作曲家意图的探究、对乐谱的细致解读、对历史演奏实践的研究，以及演奏者自身审美判断的融入。我们将探讨，在遵循乐谱指示的同时，演奏者如何通过速度、力度、音色、节奏的微小变化，来表达音乐的深层情感和思想内涵。这其中也包括对“忠实于原作”与“个人创造性”之间平衡的探讨。即兴表演与音乐学：即兴表演是许多音乐传统（如爵士乐、早期音乐）中重要的组成部分。本书将分析即兴表演背后的音乐学原理，包括和声进行、旋律模式、节奏律动等，以及表演者如何在既定框架下进行自由创作。我们将考察即兴表演如何展现音乐学理论的活力，以及它如何为音乐的创新提供源泉。舞台呈现与音乐学：音乐表演不仅仅是声音的呈现，还包含舞台的视觉元素、表演者的身体语言、与观众的互动等。本书将探讨这些舞台呈现方式如何受到音乐学理解的影响，以及它们如何共同构建完整的音乐体验。例如，指挥的手势、演员的走位、乐器的摆放，都可能与音乐的结构、情绪、戏剧性紧密相关。音乐表演中的科技应用：现代科技在音乐表演中扮演着越来越重要的角色，包括录音技术、电子音乐、多媒体表演等。本书将分析这些科技应用如何与音乐学理论相结合，以及它们如何拓展音乐表演的可能性。例如，数字音频处理如何影响音色与动态的呈现，虚拟现实技术如何为音乐表演带来新的沉浸式体验。第三部分：跨界与前沿：音乐学与表演的未来在本书的第三部分，我们将放眼未来，探讨音乐学与表演在新的时代背景下所面临的挑战与机遇，以及两者融合的新趋势。非西方音乐表演研究：随着全球化的深入，非西方音乐表演的实践与理论日益受到关注。本书将考察这些音乐传统在音乐学研究与表演实践上的独特性，以及它们如何挑战和丰富我们对音乐的理解。例如，对印度古典音乐中拉格（Raga）体系的理解，如何指导其演奏与即兴；对中国传统音乐中“写意”美学的把握，又如何体现在演奏者对气息、韵味的追求上。表演作为音乐学研究的方法：在某些情况下，表演实践本身可以成为一种音乐学研究的方法。通过亲身实践，研究者可以更深入地理解音乐的物理特性、演奏的难度、以及不同诠释方式的可能性。本书将探讨这种“实践研究”的价值与局限。音乐教育中的音乐学与表演：音乐教育是将音乐学理论与表演实践传递给下一代的重要途径。本书将探讨如何在音乐教育中有效地融合音乐学学习与表演训练，培养既有理论深度又具实践能力的音乐人才。跨学科的对话：音乐学与表演的边界正在变得模糊，与其他学科（如心理学、神经科学、人类学、计算机科学）的交叉日益增多。本书将展望这些跨学科的对话如何为音乐学与表演带来新的研究视角和创新方向。例如，认知心理学如何解释听众对音乐情感的感知，神经科学如何揭示大脑对音乐的反应机制，这些都可能反过来指导表演者如何更有效地触动听众。总而言之，《音乐学与表演》旨在为音乐学者、表演者、学生以及所有对音乐表演充满好奇的读者，提供一个深入理解音乐学理论如何作用于舞台实践，以及表演实践如何丰富和挑战音乐学研究的平台。它邀请读者一同探索声音的奥秘，理解行动的意义，并在音乐的浩瀚世界中，感受理论与实践交织而成的无限魅力。这本书将促使我们以一种全新的、更具洞察力的方式去聆听、去观看、去体验音乐表演。

作者简介

保罗·亨利·朗（Paul Henry Lang, 1901—1991）：美籍匈牙利音乐学家，音乐批评家。生于布达佩斯，曾就学于布达佩斯音乐学院，后赴海德堡大学和索邦大学攻读哲学、法语文学和音乐史。1933年起执教于哥伦比亚大学，享有“美国首位音乐学教授”之殊荣。其扛鼎之作《西方文明中的音乐》被誉为“学养”与“文风”上的双重典范。朗是美国音乐学会的奠基人，曾担任国际音乐学会主席，《纽约先驱论坛报》专栏评论家，《音乐学季刊》主编等职。以其渊博的学识、开阔的视野、犀利的笔锋、卓越的文采，更兼近60年辉煌的学术生涯和丰富深远的学术影响，被公认为20世纪美国音乐学界的领军人物。

编者简介

乔治·比洛（George J. Buelow, 1929—2009）：美国音乐学家。印第安纳大学荣休教授，曾任美国巴赫协会主席。作为巴洛克音乐的专家，其研究涉及该时期的表演实践、理论文献和人物传记。代表性著作有《巴洛克音乐史》《晚期巴洛克歌剧》《海尼兴理论中的通奏低音伴奏》《马泰松新论》《许茨读本》等。曾为《新格罗夫音乐与音乐家大辞典》撰写多位巴洛克音乐家条目。

阿尔弗雷德·曼(Alfred Mann, 1917—2006)：美籍德裔音乐学家，音乐理论家，学者型指挥家。生于德国汉堡，先后就读于柏林、米兰、柯蒂斯三所音乐学院，修习中提琴、作曲、指挥和音乐学。“二战”间经历坎坷，战后于哥伦比亚大学获得哲学博士学位（师从保罗·亨利·朗）。1947年起执教于罗格斯大学，作为该校音乐系的奠基人，在此任教30余年。1980年退休后受聘于罗切斯特大学伊斯曼音乐学院，1987年荣休。曾担任纽约康塔塔歌友会乐团和伯利恒巴赫唱诗班指挥，是美国巴赫协会的创办人之一。以其学者、理论家和指挥家的多重身份，对巴洛克音乐的本真主义复兴、演奏教学和学术研究有重大影响。

译者简介

马艳艳（1983—）：女，博士，厦门大学嘉庚学院英语教师。本科毕业于厦门大学英语系，硕士研究生、博士研究生分别毕业于上海音乐学院音乐学系和厦门大学国际关系学院，获文学硕士学位、法学博士学位。长期从事音乐文献翻译工作，曾参与上海音乐学院国家重点学科建设项目，并在中文核心期刊上发表多篇学术论文。