Eric Fischl

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出版者:Aarhus kunstmuseums forlag
作者:Eric Fischl
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1991
价格:0
装帧:Unknown Binding
isbn号码:9788788575170
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
  • 当代艺术
  • 美国艺术
  • 人物画
  • 情色
  • 写实主义
  • 艺术史
  • 艺术评论
  • 文化
  • 20世纪艺术
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具体描述

《虚妄的风景》 作者:埃里克·费希尔 内容梗概: 《虚妄的风景》是一部深刻描绘现代社会个体生存困境与情感疏离的写实主义小说。作者埃里克·费希尔以其标志性的冷静笔触和细腻的观察力,勾勒出了一幅幅游离于真实与幻觉边缘的都市画卷。故事围绕着几位生活在繁华都市中的普通人展开,他们的生活看似波澜不惊,实则暗流涌动,被现代化的快节奏、信息爆炸以及人际关系的淡漠所裹挟。 小说的主人公,年轻的自由摄影师李明,他试图通过镜头捕捉城市的光影变幻,却在一次次的快门声中,感受到一种难以言说的空虚。他镜头下的画面,既有令人惊艳的城市天际线,也有街角疲惫的身影,但所有的一切在他眼中都逐渐失去了温度,只剩下冰冷的像素和疏离的观者。他与女友艾莉的感情,也在这无休止的忙碌和缺乏深入交流中,如同易碎的玻璃,随时可能崩裂。艾莉是一名都市白领,日复一日地穿梭于写字楼与地铁之间,她渴望在快餐式的社交中找到归属感,却发现每一次短暂的连接都加剧了内心的孤寂。她通过社交媒体分享着光鲜亮丽的生活,但屏幕后的疲惫和迷茫,却无人知晓。 另一条叙事线索聚焦在退休教师王教授身上。他曾是深受学生爱戴的学者,如今却在寂寞的晚年生活中,面对着科技带来的隔阂。他努力学习使用智能手机,试图与疏远的孩子们保持联系,然而,那些跳动的屏幕和简短的文字,始终无法替代曾经面对面的温情。他对过往的怀念,以及对当下社会快速变化的不适应,让他时常感到一种被时代抛弃的无力感。 书中还穿插了对不同社会阶层人物的描摹,包括在大城市底层挣扎的年轻创业者,他们怀揣梦想,却常常被现实的骨感所击垮;以及生活在城市边缘的边缘人群,他们的故事在主流视野之外,却同样承载着生活的重量和无声的呐喊。费希尔并没有刻意去煽情,而是以一种近乎冷酷的真实,将这些人物的挣扎、失落、以及偶尔闪现的微弱希望,一一呈现。 《虚妄的风景》并非提供一个简单的解决方案或励志的结局。相反,它迫使读者去审视自己所处的环境,以及在日益同质化的社会中,个体如何保持独立思考和情感的真实。小说中的人物,在各自的生活困境中,不断地试探、碰撞、迷失,又在某种程度上,顽强地寻找着意义。他们构建的“虚妄的风景”,既是外界环境的投射,也是内心世界的真实写照。 这部作品以其深刻的洞察力,揭示了现代社会普遍存在的疏离感、存在危机以及对真实连接的渴望。它挑战着我们对成功、幸福以及生活意义的传统定义,引导我们去思考,在看似繁荣的表象之下,那些隐藏的脆弱和失落,以及我们如何才能在“虚妄的风景”中,找到属于自己的真实坐标。费希尔以其独特的视角,为我们描绘了一幅当代社会的缩影,引人深思。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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当我尝试去理解创作者的意图时,发现这本书提供的信息少之又少。没有冗长的艺术家自述,没有对创作背景的详细解读,连对作品的简单标注都显得吝啬。这反而成了一种独特的体验。它迫使我从一个“被动接受者”转变为一个“主动探寻者”。我开始在作品的边缘寻找答案——那些被故意模糊的背景,那些几乎看不见的笔触痕迹,甚至是他选择的装裱方式。例如,关于早期街景系列的作品,创作者似乎对建筑的精确性毫无兴趣,他捕捉的只是光线在混凝土表面折射出的那种短暂的、几乎是光学错觉般的效果。这让我联想起哲学上关于“现象”与“本质”的探讨。这本书似乎在暗示:艺术的价值,不在于它“是什么”,而在于它在观看者心中“引发了什么”。每一次重读,我都会从不同的角度被“欺骗”或“引导”,体会到一种持续的新鲜感,这是那些内容饱和度过高的画册所无法给予的。

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这本书给我的整体感觉,是一种深沉的、近乎冥想式的体验。它不像是在陈述一个观点,更像是在抛出一个永恒的问题,然后让你独自面对。在处理人体形态的系列时,作者对“私密性”的界限进行了一次彻底的拷问。那些裸露的身体,并非是为了展示性或者健康,而是呈现出一种极端的脆弱和被动。你不会感到兴奋,只会感到一种强烈的同情和一丝不适,因为你清楚地知道,你正在目睹一些本不该被公开审视的瞬间。这种对边界的模糊化处理,挑战了观看的道德底线。我放下书本后,花了很长时间才从那种被窥视的敏感状态中抽离出来。它成功地将艺术品从“装饰品”或“投资品”的层面拉回到“人类经验”的原始土壤中。这是一本需要时间去消化、去适应其独特“语境”的作品集,绝非可以快速浏览的消遣之物。它需要你投入心力,去和那些沉默的图像进行一场漫长而艰苦的对话。

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这本画册,坦白说,刚拿到手的时候,我有点摸不着头脑。封面设计得极简,黑白灰的色调,像是一张旧报纸的边角料,带着一种疏离感。我原本期待能看到那种色彩斑斓、充满戏剧张力的作品集,毕竟名字听起来就带着某种艺术家的桀骜不驯。然而,翻开第一页,映入眼帘的,是一组拍摄于某个昏暗、潮湿的室内场景的照片。光线处理得极为晦暗,几乎要将主体吞噬,只留下一些模糊的轮廓和强烈的光影对比。你看那几幅关于“私人空间”的系列,构图极其克制,却又处处透着不安。人物的肢体语言是僵硬的,他们的眼神——如果能捕捉到眼神的话——总是游离在画面之外,仿佛沉浸在一种无法言喻的焦虑之中。这种不安感是如此的真实,以至于我坐在那里,都能闻到空气中那种陈旧木材和尘土混合的味道。它不像是在“展示”艺术,更像是在“记录”一种难以言喻的心理状态,一种介于清醒与梦魇之间的灰色地带。我反复琢磨了好几次,试图从中找出清晰的叙事线索,但最终,我放弃了。这本书似乎更关心“感觉”本身,而不是故事的起承转合。

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这本书的排版设计简直是一场视觉上的“叛逆”。装帧上选择了粗糙的纸张,拿在手里有一种沙砾感,与通常艺术书籍那种光滑的铜版纸形成了鲜明的对比。更令人玩味的是,文字和图像之间的留白处理得极其夸张。有时候,一幅核心作品会被放置在整整两页的空白中央,四周留出巨大的、几乎是挑衅的空白区域。这种极端的留白处理,非但没有削弱作品的力量,反而将其力量凝聚,像是一个被小心翼翼保护起来的秘密。它强迫你放慢呼吸,强迫你去填补那些空白——不是用你对艺术史的知识,而是用你自己的经验和情绪。我注意到,相邻的两页内容,有时会突然切换媒介,从铅笔素描跳跃到模糊的彩色摄影,再到某种几何抽象的图案,这种跳跃性,让人联想到意识流文学的片段,毫无逻辑可循,却又在深层结构上保持着某种奇特的内在关联。这感觉就像在翻阅一个人的日记,充满了突发的灵感和无序的梦境。

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我必须承认,初读时,我的内心是抗拒的。它的笔触,或者说影像的质感,太过于“直白”和“粗粝”,完全没有经过学院派的打磨和修饰。尤其是在描绘那些日常的、近乎琐碎的场景时,那种近乎于“暴露”的坦诚让人感到局促。比如有一组关于家庭聚会的速写,人物的比例略微失真,色彩的搭配也显得异常怪异——那种饱和度极高的绿色和不自然的肉色交织在一起,看得人心里发毛。我认识的很多收藏家都推崇那种精致的“美”,而这本书里的东西,美感是扭曲的,甚至是带有攻击性的。它像是突然在你耳边喊了一声,让你从舒适的麻痹中惊醒。我花了一个下午的时间,仅仅是盯着其中一幅被称作“黄昏下的凝视”的油画复制品看。那画面的焦点似乎永远在移动,你以为看清了什么,下一秒它又滑走了,只留下一种强烈的、挥之不去的“在场感”。这种绘画方式,摒弃了所有传统技巧的束缚,直击情感的核心,像一把钝刀,慢慢地刮着观者的皮肤,过程缓慢,但留下的印记深刻。

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