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出版者:Harry N. Abrams

作者:Peter Lord

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:2004-11-23

价格:USD 35.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780810949713

丛书系列:

图书标签:

• 動畫
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《光影编织：探索虚拟现实的艺术与技术》 本书并非一本介绍三维动画制作流程的教程，而是深入剖析了构建逼真、引人入胜的虚拟世界所蕴含的艺术理念与核心技术。我们将一起踏上一场发人深省的旅程，探寻那些让二维画布跃然成为三维空间，并赋予其生命力的根本原则。 第一部分：空间感知与叙事张力 我们首先要理解的是，三维动画的本质不仅仅是“画”出物体，更是“构建”体验。本书将引导读者超越简单的模型和贴图，去思考“空间”本身是如何影响观众的情感与认知。 感知几何学的隐喻： 探索不同几何形状、尺度比例以及它们在视觉语言中传达的心理暗示。一个狭窄的空间如何制造压迫感？一个广阔的场景又如何引发敬畏？我们将分析艺术家如何巧妙运用几何学，潜移默化地引导观众的情绪，强化叙事中的冲突与张力。 光影作为雕塑的语言： 光影不仅仅是为了照明，它更是塑造形态、定义氛围的关键。本书将深入探讨自然光与人造光的物理属性，以及它们如何与材质互动，产生柔和、硬朗、神秘或梦幻等不同质感。学习如何利用高光、阴影、反光和折射，如同雕塑家运用刻刀，赋予模型以立体感和生命力。 镜头运动的叙事节奏： 每一个镜头运动都是一次叙事表达。我们将解析不同景别（全景、中景、特写）的心理效应，以及推、拉、摇、移、跟等镜头语言如何构建节奏、引导视线、揭示信息。从平缓的长镜头到激烈的快速剪辑，理解镜头运动如何服务于故事情节的发展，影响观众对角色情感和事件进程的理解。 色彩的情感光谱： 色彩是无声的语言，能够瞬间唤醒观众的记忆与情感。本书将探讨色彩理论在三维动画中的应用，分析不同色调、饱和度和明度所传递的情绪信号。了解如何构建具有情感共鸣的色彩方案，从温暖的日落到阴冷的夜幕，让色彩成为故事的另一层维度。 第二部分：虚拟生命体的设计哲学 当我们将目光聚焦于虚拟角色和生物时，设计背后的哲学显得尤为重要。本书将探讨如何让这些非生命的代码，拥有可信的“存在感”和“灵魂”。 形态的生物力学与表现力： 即使是虚构的生物，其形态也需遵循一定的物理规律，才能让观众产生认同感。我们将分析骨骼结构、肌肉运动、重力与惯性等生物力学原理，以及如何将这些原理转化为视觉表现，创造出既符合逻辑又富于表现力的角色设计。从行走坐卧的姿态，到细微的面部表情，探索形态如何传递角色的性格、情绪与故事背景。 纹理与材质的情感肌理： 皮肤的毛孔、鳞片的质感、毛发的蓬松，这些细节共同构成了角色表面的“肌理”。本书将深入研究不同材质的反射、折射、透明度和粗糙度，以及如何通过逼真的纹理贴图赋予角色以触感和生命力。理解材质不仅仅是表面的装饰，更是角色内在状态的延伸。 动态的生物行为语言： 动作是角色最直接的表达。我们将探讨如何设计富有表现力的动画，捕捉角色的独特性格和情感变化。从肢体语言的细腻之处，到面部表情的微小波动，理解每一个动作背后所蕴含的意图与情感。探索关键帧动画、过程动画等技术如何被用来创造流畅、自然且充满故事感的角色表演。 “不完美”的艺术： 真实的世界并非完美无瑕，而正是那些“不完美”之处，赋予了生命以真实感。本书将反思如何在虚拟创作中引入适当的随机性、瑕疵和变化，避免过度光滑和机械化。探讨如何通过细微的抖动、不对称的设计或模拟自然的损耗，让虚拟角色更具生命力，更能引起观众的共鸣。 第三部分：沉浸式体验的构建原理 三维动画的最终目的，是为观众提供一个沉浸式的体验。本书将从更宏观的角度，审视如何将各个元素有机地融合，创造出令人身临其境的世界。 叙事与环境的共生关系： 故事发生的环境并非背景板，而是故事本身的重要组成部分。我们将分析如何设计与叙事主题相辅相成的场景，让环境能够烘托氛围、暗示情节、揭示角色内心。一个荒凉的废墟如何讲述一段被遗忘的历史？一个繁华的都市又隐藏着怎样的暗流？ 音频与视觉的协同效应： 声音是构建沉浸感不可或缺的一环。本书将探讨环境音效、角色配音、背景音乐以及它们如何与视觉元素相互作用，共同营造出强大的情感冲击。理解声音设计如何引导观众的注意力，增强场景的真实感，并深化故事的情感表达。 观众的动态参与： 尤其是在互动体验领域，观众不再是被动的观察者，而是主动的参与者。本书将探讨如何通过精心设计的交互，让观众在虚拟世界中留下自己的印记，影响故事的发展，从而获得更深层次的沉浸感。 本书的价值 《光影编织》并非为初学者提供技术指导，而是面向所有对视觉叙事、虚拟世界构建抱有好奇与热情的创作者、设计师、艺术家以及技术爱好者。它旨在激发您对“如何让虚拟世界变得真实可信、引人入胜”的深入思考，并为您提供一个更加宏观和艺术化的视角来理解三维动画的核心魅力。通过本书，您将学会用艺术家的眼睛去审视每一个细节，用工程师的头脑去理解每一个技术的精妙，从而创作出真正触动人心的虚拟作品。

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我主要对实时渲染和游戏资产优化方面比较感兴趣，通常市面上的书籍要么过于偏重电影级别的超高精度制作，要么就是过于肤浅地介绍几个基础工具按钮。这本书的独特之处在于，它在讲解高级概念时，总能巧妙地穿插关于性能效率的考量。比如，在深入讲解PBR材质的构建时，作者并没有止步于讲解如何让金属看起来更像金属，而是重点分析了在不同目标平台（从高端PC到移动端）上，如何权衡“视觉真实感”与“帧率稳定”之间的微妙关系。书中对于“LOD（细节层次）”的系统性讲解，简直是一本精炼的实战手册。它没有直接给出哪个数值是最好的，而是通过一系列对照实验，展示了不同网格简化率对角色运动流畅度和内存占用率的具体影响。这种基于数据和实际项目需求来指导技术选择的思路，对于我这种需要快速迭代和面向商业项目交付的从业者来说，价值不可估量。读完这部分内容，我感觉自己对“优化”的理解从一个不得不做的“扫尾工作”，提升到了一个与设计同等重要的战略环节。

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这本书的语言风格非常独特，它似乎融合了哲学思辨和工程学的严谨。当我阅读到关于“角色动画中的犹豫与停顿”那一章节时，我仿佛在阅读一篇关于存在主义的短篇小说。作者探讨了如何通过调整关键帧之间的“空隙”来模拟人类在压力、困惑或突然醒悟时的非线性反应，这已经远远超出了常规的“缓入缓出”（Ease In/Ease Out）的范畴。书中引用的那些艺术史上的名人名言，与三维软件中的曲线编辑器形成了奇妙的对话。它让我意识到，优秀的动画师本质上都是行为心理学家。而且，书中对于“镜头语言”在动画中的应用也有独到的见解，它没有简单地罗列运镜规则，而是结合了早期默片时代的蒙太奇理论，来指导如何通过机位的选择和景深的运用，去引导观众的注意力，从而强化动画所要传达的情感冲击力。这种跨学科的融合，让这本书的厚重感油然而生。

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坦白说，我是一个在学习3D过程中经常感到迷失方向的人，尤其是在处理复杂的绑定和动画流程时，常常陷入细节的泥潭而忘记了最终的目标。这本书的叙事逻辑非常清晰，它不是那种堆砌术语的“字典式”教材，而更像是一位经验丰富的导师在身旁耐心指引。最让我感到惊喜的是它对“叙事驱动建模”这一概念的阐述。作者强调，在进入Maya或Blender之前，你首先需要成为一个“故事板侦探”。书中列举了多个案例分析，展示了如何通过对剧本的深度剖析，来反推角色的骨骼结构应该如何设计，以及纹理贴图的磨损程度应该体现出怎样的“人生经历”。这种从宏观到微观、从故事到几何体的层层递进，彻底改变了我过去那种“先搭骨架再想情节”的低效习惯。它教会我如何用技术去服务于情感表达，而不是被技术牵着鼻子走。这本书的排版也极为考究，大量的留白让阅读体验非常舒适，即便在讨论到一些抽象的物理模拟概念时，也不会让人感到压迫和疲惫。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种深邃的蓝与流动的光影交织在一起，立刻就抓住了我的眼球。我原本是抱着试试看的心态翻开的，毕竟市面上关于动画制作的书籍浩如烟海，真正能让人眼前一亮的太少了。然而，这本书的开篇就展现出一种沉稳而专业的姿态。它没有急于灌输那些枯燥的软件操作，而是花了大量的篇幅去探讨“运动的本质”和“角色塑造的心理学基础”。作者似乎深谙艺术与技术的平衡之道，他用非常具象的例子，比如分析某部经典动画中一个微小眼神的变化是如何牵动观众情绪的，来阐述基础理论。我记得有一章专门讲了“时间感”的控制，那段文字读起来简直像是在品味一首节奏感极强的乐章，让我这个一直觉得3D动画只是堆砌模型的门外汉，瞬间领悟到时间才是雕刻灵魂的关键。书中穿插的那些插图和流程图，虽然没有直接展示复杂的渲染参数，但它们极具启发性，仿佛是某种失传的炼金术配方，引导你思考如何将冰冷的数字转化为有生命力的画面。读完前三分之一，我已经迫不及待地想打开我的软件，去尝试用这种全新的视角去审视我那些陈旧的模型了。

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我对这本书的“项目管理与团队协作”章节印象最为深刻，因为它通常是这类技术书籍中最薄弱的环节。但在这本书里，作者将其提升到了与技术同等重要的地位，并用一种非常务实甚至有些“残酷”的口吻进行了分析。他没有美化团队合作，而是直面了在大型3D项目中，不同部门（如概念设计、技术美术、动画师）之间信息不对称和目标冲突的常见陷阱。书中提供了一套非常详尽的“风险预警清单”，比如“当你的概念图没有明确指定光照模型时，技术美术的返工概率是80%”。此外，作者还分享了如何使用版本控制系统（VCS）进行“非破坏性迭代”，避免了无数次因为覆盖文件而产生的内讧和时间浪费。这部分内容读起来，就像是读了一份来自身经百战的资深制作人的备忘录，全是干货，没有一句废话，直击行业痛点。它不仅教会了我如何做动画，更教会了我如何在复杂的工业化流程中生存下来并取得成功。

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