1000 Type Treatments

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出版者:Page One Publishing
作者:
出品人:
页数:300
译者:
出版时间:2005
价格:$57.65
装帧:
isbn号码:9789812452481
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

好的,以下是为您准备的一份图书简介,该书的名称为《几何的诗篇:现代主义建筑的形态与结构》。 --- 几何的诗篇:现代主义建筑的形态与结构 内容简介 《几何的诗篇:现代主义建筑的形态与结构》深入剖析了二十世纪最具革命性的建筑思潮——现代主义建筑的诞生、演变及其对全球人居环境产生的深远影响。本书不仅仅是对标志性建筑的简单罗列与图解,更是一部旨在揭示隐藏在钢筋混凝土、玻璃幕墙背后的哲学思考、技术革新与社会理想的理论著作。 本书将建筑的叙事线索追溯到工业革命的阵痛与启蒙运动的理性回响之中。作者认为,现代主义并非一蹴而就的美学转向,而是对传统建筑语言的彻底反思,是对新的社会功能、新的材料技术(如钢材和钢筋混凝土的成熟运用)的必然回应。 第一部分:理性萌芽与早期实验 开篇追溯了十九世纪末至二十世纪初的“理性主义”思潮。我们将审视奥古斯特·佩雷(Auguste Perret)在结构透明性上的早期探索,以及阿道夫·鲁斯(Adolf Loos)对装饰的“罪恶”的猛烈批判,特别是其对“去装饰化”美学的坚定主张。本部分着重分析了维也纳分离派和德国制造联盟(Deutscher Werkbund)如何从艺术与工业的结合点上,播下了功能至上和简洁形态的种子。 接着,我们将聚焦于现代主义的摇篮——包豪斯(Bauhaus)。彼得·贝伦斯(Peter Behrens)作为先驱,其在AEG涡轮机厂的设计中首次清晰地展示了“形式服从功能”的原则,并为现代企业形象塑造奠定了基础。包豪斯的影响力不仅在于其教学方法,更在于其对标准化、模块化生产的推崇,试图通过设计来改善大众的居住条件。 第二部分:大师的宣言与形式的革命 本书的核心部分详细阐述了三位巨匠对现代主义的定义性贡献,他们共同构筑了现代主义建筑的语法体系: 勒·柯布西耶(Le Corbusier):机器美学与五点原则 柯布西耶被誉为“新建筑的立法者”。本书详尽分析了他如何从对城市病态的诊断出发,提出了“新建筑的五点”(底层架空、自由平面、自由立面、横向长窗、屋顶花园)。我们将通过对萨伏伊别墅的解构式分析,探究这些原则如何共同作用,创造出一种摆脱了传统承重墙束缚的、纯粹的几何体量。他的《走向新建筑》不仅是建筑宣言,更是对现代生活方式的蓝图描绘。 密斯·凡德罗(Ludwig Mies van der Rohe):纯粹的结构与“少即是多” 密斯对材料的精确控制和对结构逻辑的绝对服从,将现代主义推向了极致的纯粹。本书探讨了“皮肤与骨架”的建筑哲学,分析了巴塞罗那世界博览会德国馆如何通过空间流动性和反射性材料的运用,模糊了室内外的界限。我们深入研究了他后期在美国的摩天大楼设计,如范斯沃斯住宅和西格拉姆大厦,这些作品展示了清晰的网格系统和对细节的偏执追求,将“少即是多”的格言刻在了建筑的每一个接缝之中。 弗兰克·劳埃德·赖特(Frank Lloyd Wright):有机建筑的本土化抵抗 尽管赖特常被置于现代主义的对立面,本书坚持认为他的“有机建筑”是对现代技术和新材料进行本土化诠释的另一种高级形式。我们将剖析草原学派的精髓,特别是流水别墅(Fallingwater)中水平线条的强调、原生材料的使用,以及建筑与自然环境之间不可分割的对话关系。赖特证明了,即使采用现代材料,建筑依然可以拥有深刻的场所精神。 第三部分:地域的回响与国际风格的扩散 本书探讨了现代主义如何跨越地理界限,并在不同文化土壤中产生变体。 在欧洲,格罗皮乌斯(Walter Gropius)的汉堡联邦建筑学院代表了集体主义和理性规划的典范。而在巴西,奥斯卡·尼迈耶(Oscar Niemeyer)则为现代主义注入了大胆的、富有雕塑感的曲线和对热带气候的适应性,展现了极具地方特色的现代性。 本书尤其关注现代主义在亚洲和拉丁美洲的传播过程,分析了它如何在保持核心技术语汇的同时,吸收了当地的传统色彩、光影处理和材料纹理,形成了独特的“地方现代性”(Critical Regionalism)的先声。 第四部分:批判、解构与遗产的继承 随着二战的结束,现代主义建筑的宏大叙事开始面临挑战。本书探讨了批评家如简·雅各布斯(Jane Jacobs)对“千篇一律的城市规划”的激烈抨击,以及对“功能至上”导致的社区破碎化的反思。 我们随后分析了后现代主义的兴起,它如何通过对历史符号的挪用和对纯粹几何体的解构,对现代主义的严苛教条进行反叛。然而,即使在批判的浪潮中,现代主义留下的技术遗产——如对结构逻辑的清晰表达、对高效能的追求、对新材料的自信运用——依然构成了当代建筑学的基石。 结语:永恒的几何语汇 《几何的诗篇》总结道,现代主义建筑的伟大之处在于其勇气——它敢于面对工业时代的全部挑战,并试图用最少的、最清晰的几何语言,为所有人构建一个更合理、更光明的未来。尽管其乌托邦理想未能完全实现,但其对清晰性、结构诚实性以及人类居住环境的深刻思考,至今仍是所有建筑师必须面对和回应的永恒议题。 本书适合对象: 建筑学、城市规划、艺术史专业的学生及专业人士。 对二十世纪社会文化变革和技术史感兴趣的读者。 寻求理解当代建筑设计语言根源的普通爱好者。 ---

作者简介

contents:

chapter1 plyers + leaflets

+postcards, invitations, mailers, handouts

chapter 2 books + magazines

+hardcover, paperback, newsletters

chapter 3 logos + stationary

+business cards, letterheads, compliment slips

chapter 4 brochures

+annual reports, booklets, folders

chapter 5 posters + banners

chapter 6 3d + outdoor + digital

+ packaging, signage, web, film, tv

目录信息

contents:
chapter1 plyers + leaflets
+postcards, invitations, mailers, handouts
chapter 2 books + magazines
+hardcover, paperback, newslette rs
chapter 3 logos + stationary
+business cards, letterheads, compliment slips
chapter 4 brochures
+annual reports, booklets, folders
chapter 5 posters + banners
chapter 6 3d + outdoor + digital
+ packaging, signage, web, film, tv
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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我是一个更倾向于视觉直觉而非理论模型的学习者,所以我通常对厚厚的理论书籍敬而远之。然而,这本书的呈现方式,巧妙地绕过了生硬的学术腔调。它的文字叙述总是轻盈而富有洞察力,像一位经验丰富的大师在与你耳语。最让我惊艳的是,书中那些案例分析的深度,它不仅仅停留在“这是什么字体”,而是深入到“为什么这个字体在那一刻诞生了,它为世界带来了什么声音”。其中关于字体在跨媒介传播中的适应性分析尤其精彩,比如,同一种字体如何在印刷品上展现出优雅,而在屏幕上却可能显得笨拙,以及如何通过微调来弥补这种介质间的鸿沟。这本书读完后,我的感受是,我没有被塞满一堆需要死记硬背的知识点,而是获得了一套全新的、更具韧性和适应性的“视觉思维工具箱”。它让你相信,字体排版不仅仅是技术活,更是一种高阶的沟通艺术,一种能穿越时间、与人心灵共振的强大力量。

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这本书的结构编排非常具有启发性,它没有采用传统的“衬线/无衬线”或“年代顺序”的划分方式,而是采用了更侧重于“功能和感知”的模块化设计。比如,有一部分专门讨论了“在极小尺寸下如何保持可读性”的挑战,接着马上对比了“在巨幅广告牌上如何利用字体结构制造冲击力”。这种跳跃性的对比,反而能更有效地激发读者的创造性思维。我个人认为,这本书对于那些渴望突破自我设计瓶颈的人来说,价值巨大。它逼迫你跳出舒适区,去思考那些看似基础,实则最难拿捏的排版难题。我甚至发现自己开始在日常生活中,对路边的指示牌、餐厅的菜单产生一种全新的审视角度,每一个不协调的字距都会让我感到不适。这种对视觉质量无休止的追求,正是这本书植入我脑海中的“新常态”,它已经潜移默化地重塑了我的视觉标准线。

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坦白讲,这本书的重量和厚度初看有点让人望而却步,感觉像是带着一本砖头在阅读。但是一旦你沉浸其中,时间感就完全消失了。我发现它最吸引我的地方,是它那种近乎偏执的“细节控”风格。很多我自以为已经了然于胸的排版原则,在这本书里被拆解到了极致——比如,一个字母间距的微小调整,如何能瞬间改变整个句子的情绪倾向。书中对负空间(留白)的阐述简直是教科书级别的示范,它把留白处理得像是一种有形的物质,有重量、有纹理,甚至能发出“声音”。我特别欣赏作者在介绍某些古老字体时所展现出的那种近乎敬畏的态度,仿佛在保护一种濒临失传的技艺。这绝对不是一本你可以随便翻两页就放下休息的书,它要求你带着十二分的专注力去“品尝”每一个版式。它更像是一场漫长而精密的数字艺术展览,需要你驻足、思考,并时不时地停下来,对着某个你从未注意到的细节,恍然大悟。

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说实话,我最初买这本书是抱着一种“收藏”的心态,毕竟市面上这种主题的专业书籍汗牛充栋。但阅读过程中的惊喜感,完全超出了我的预期。这本书的独特之处在于,它不仅仅停留在展示“漂亮”的字型上,而是深入挖掘了每一种字体选择背后的“语境”。它会告诉你,为什么在某个特定的历史时期,某种衬线字体会成为主流,这种选择与当时的社会思潮有何关联。对我这个对设计史有些研究的爱好者来说,这简直是打开了一扇新的窗户。它不是那种冷冰冰的知识点罗列,而是通过一系列精心组织的对比案例,让你体验到字体设计是如何从一种实用的工具,演变成一种强大的叙事媒介的。我花了好几个下午,只是对着其中关于品牌标识字体的演变图谱出神。你会发现,即便是同一个品牌,在不同的十年间,字体微小的倾斜或粗细变化,都在无声地宣告着企业精神的转型。这本书的解读深度,远超出了一个单纯的“设计手册”范畴,更像是一部关于视觉符号如何塑造人类集体意识的编年史。

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这本书的封面设计简直是视觉的盛宴,那种字体排版的精妙和对留白的拿捏,让我立刻被吸引住了。我本以为这只是一本普通的字体设计图鉴,结果翻开内页才发现,它更像是一本关于“文字如何呼吸”的哲学探讨。作者没有堆砌华而不实的理论,而是用大量精选的案例,展示了不同历史时期、不同文化背景下的排版风格如何影响读者的情感体验。比如,书中关于中世纪手稿字体的分析,那种对细节的执着,让我仿佛能触摸到羊皮纸的纹理;而转到现代极简主义的排版时,那种干净利落的现代感又扑面而来。我尤其喜欢其中关于“阅读节奏”的章节,作者巧妙地将音乐的节拍感引入到文字的流动中,让你在浏览那些布局时,能真切地感受到一种无声的旋律。它不只是教你怎么排版,更是在潜移默化中提升你对“美”的敏感度,让你在未来的设计中,能做出更具生命力的选择,而不是机械地复制模板。这本书的排版本身,就是它最好的佐证,每一页的布局都经过了深思熟虑,完美地诠释了它所倡导的理念。

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