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出版者:第1版 (2001年1月1日)

作者:李和平

出品人:

页数:336

译者:

出版时间:2001-1

价格:33.00元

装帧:平装

isbn号码:9787561724996

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 音乐创编
• 音乐基础
• 作曲
• 编曲
• 音乐教学
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• 音乐创作
• 音乐入门
• 乐理知识

《乐章的诞生：从概念到声音的探索之旅》 这是一本关于声音艺术的入门指南，它将带领读者踏上一段令人着迷的旅程，去理解和塑造音乐的本质。我们所熟知的旋律、和声、节奏，以及那些触动心灵的乐章，究竟是如何从无形的概念演变成可以被聆听的实际声音的？本书旨在揭示这一创作过程的奥秘，为任何对声音表达充满好奇的人提供清晰的路径。 探寻声音的肌理： 本书并非一本教授具体音乐风格创作的教程，而是着眼于音乐创作背后更普遍、更基础的原理。它将从最抽象的层面出发，探讨声音的构成元素——音高、音长、音强和音色。我们会深入分析这些基本要素如何相互作用，如何构建出我们听到的每一个音符，以及它们如何在空间和时间中得以呈现。 音高的舞蹈： 我们将讨论音高的感知、相对性以及不同音高组合所带来的听觉体验。探索音程、音阶的概念，以及它们如何成为旋律构建的基石。你将了解到，音高并非孤立存在，而是通过特定的关系网而产生意义。 时间的编织： 节奏是音乐的脉搏。本书将解析节奏的构成，包括节拍、速度、时值和重音。我们会探讨不同节奏模式如何创造出不同的动感和情绪，以及如何通过对时间的精妙控制来引导听者的情绪起伏。 能量的释放： 音强，即声音的响度，是音乐表达情感的重要手段。我们将研究不同音量的变化如何影响音乐的张力和层次，以及如何利用渐强、渐弱等技巧来塑造音乐的动态。 色彩的渲染： 音色是声音的“个性”。本书将介绍不同乐器、人声乃至电子声音所拥有的独特音色，以及这些音色在音乐中的角色。你将了解到，选择何种音色，本身就是一种重要的创作决定。 构建音乐的骨架： 在理解了声音的基本构成后，本书将转向如何将这些元素组织起来，形成具有结构和意义的音乐。 旋律的叙事： 旋律是音乐中最容易被记忆的部分，也是情感最直接的载体。我们将分析旋律的构成原则，包括乐句、乐段的组织方式，以及如何通过旋律的起伏、走向来讲述一个故事，表达一种情感。 和声的支撑： 和声是音乐的深度和色彩。本书将初步介绍和声的基本概念，包括和弦的构建、和弦进行的基本逻辑，以及它们如何为旋律提供支撑和色彩。我们将理解和声如何在听觉上创造出空间感和情感张力。 结构的智慧： 任何艺术作品都需要结构。本书将探讨音乐的常见结构形式，从简单的二部、三部曲式，到更复杂的奏鸣曲式、回旋曲式等。理解结构，意味着理解音乐如何从开始到结束，如何组织材料，如何发展主题，如何达到高潮和收尾。 灵感的火花与实现的可能： 本书不仅关注技术层面的构建，更希望点燃读者的创作灵感。 倾听与感知： 音乐创作始于对声音的敏锐感知。本书将鼓励读者进行深入的聆听，去分析自己喜爱的音乐作品，理解它们是如何实现这些声音效果的。我们会提供一些练习方法，帮助读者提升对声音细节的捕捉能力。 概念的具象化： 音乐往往源于一个模糊的想法、一种情绪或一个故事。本书将探讨如何将这些非音乐性的概念转化为音乐元素。我们将学习如何通过音高、节奏、音色等来“描绘”某种场景、表达某种心境。 实践的路径： 虽然本书不提供具体的创作范例，但它会引导读者思考实践的意义。我们将讨论如何开始自己的创作尝试，如何利用现有的工具和资源，以及如何克服创作过程中可能遇到的障碍。它强调的是一种探索和实验的精神。 本书特点： 面向初学者： 语言通俗易懂，避免使用过于专业的术语，即使没有任何音乐背景的读者也能轻松入门。 理论与实践并重： 在讲解基本原理的同时，引导读者进行思考和实践。 启发性强： 致力于激发读者的创造力，鼓励他们探索属于自己的声音世界。 普适性： 所探讨的原理适用于各种音乐风格和创作形式，包括器乐、声乐、电子音乐等。 《乐章的诞生：从概念到声音的探索之旅》将是您迈入声音艺术殿堂的理想起点。它将帮助您理解音乐的语言，培养对声音的敏感度，并为您的个人创作之旅奠定坚实的基础。准备好，去聆听、去感知、去创造属于你自己的乐章吧！

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作为一个对配乐充满向往但基础薄弱的业余爱好者，我最大的障碍一直是“如何开始”和“如何组织”我的音乐想法。这本书的编排逻辑非常清晰，它没有一上来就吓唬人，而是循序渐进地从最简单的节奏型和旋律动机开始引导。我尤其欣赏的是它在“曲式结构”部分的处理方式。它没有拘泥于传统的奏鸣曲式或回旋曲式，而是引入了更灵活的叙事性结构概念，比如如何用音乐来描绘一个场景或讲述一个小故事。当我跟着书中的练习，尝试去写一段表达“黎明破晓”的短曲时，我发现自己不再是随机乱按琴键，而是有目的地去选择和弦色彩和速度变化。这种结构化的思维训练，极大地降低了创作的门槛，让我体会到，写音乐其实和写文章一样，讲究起承转合，而不是天赋异禀。

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这本关于音乐创编的教程，从头到尾都让我感觉像是被一位经验丰富的老教授手把手地带着走。它最让我印象深刻的是对基础理论的讲解深度和广度。很多教程往往只是蜻蜓点水地提一下和声进行或对位法，但这本教材却能深入到不同风格音乐（比如巴洛克时期和浪漫主义时期）在这些理论应用上的细微差别。我特别喜欢它在讲解调式和音阶时，不仅仅是罗列公式，而是结合了大量古典作品的实例进行剖析，让你能直观地感受到这些理论是如何构建出听起来“舒服”或“富有张力”的音乐。例如，书中关于如何利用不协和音程来制造情感色彩的章节，讲解得非常清晰，配上的练习曲目也极具启发性。即便是对于已经学过一些基础乐理的人来说，这本书也能提供很多新的视角去重新审视那些看似陈旧的规则。它教会我的不是如何简单地“套用”规则，而是理解规则背后的逻辑和美学意义，这对于想要形成自己独特创作风格的初学者来说，是极其宝贵的财富。

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我最近沉迷于电子音乐制作，一直找不到一本能将传统音乐理论与现代数字音频工作站（DAW）技术有效结合起来的书籍。市面上的很多教程要么过于学院派，要么就是单纯的操作指南，缺乏创作思维的深度。这本书的出现，简直是为我打开了一扇新的大门。虽然它的核心内容偏向于传统理论，但书中穿插的那些关于“动机发展”和“织体设计”的章节，让我开始思考如何将这些古典概念应用到Loop构建和音色设计上。比如，书中分析的复调织体在现代编曲中的应用，让我明白了为什么有些电子乐的层次感会显得如此饱满和动态。我尝试用书中提到的“主题变形”技巧去处理一段简单的合成器旋律，结果效果出奇地好，原本平淡的片段立刻变得生动起来。这本书的价值就在于，它提供了一个坚实的创作骨架，让你无论在什么音乐领域探索，都能找到理论支撑，而不是盲目地堆砌效果器和样本。

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这本书的装帧和排版都透露着一种严谨的学术气息，但内容上却保持了令人惊喜的实用性。我最想强调的是它关于“音色设计背后的心理学”的探讨。这部分内容非常新颖，它不仅仅告诉我们“这个和弦听起来悲伤”，而是深入探讨了为什么特定的音程组合会在人类的听觉系统中产生特定的情感反应。书中引用了一些认知科学的研究，让整个学习过程变得既像艺术鉴赏，又像科学实验。我发现，当我开始理解和弦进行背后的“情绪张力曲线”后，我在选择和弦时变得更加果断和精确。举个例子，书中对“色彩和声”的解析，让我对德彪西等印象派大师的作品有了全新的认识，体会到那些微妙的和声变化是如何构建出流动的、光影斑驳的听觉画面的。这对于任何想超越基本和弦弹唱，迈向更复杂和声领域的学习者来说，都是不可多得的指引。

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读完这本书，我最大的感受是它成功地打破了“创编是天才的专利”这一迷思。书中大量的“微观练习”和“模块化组件”的讲解，让人意识到，伟大的作品往往是由无数个精心打磨的小单元组合而成的。我特别喜欢其中关于“节奏切分与律动变化”的章节。它通过图表和听觉示例，极其清晰地展示了如何通过微小的节奏移位来创造出令人兴奋的驱动力，这在摇滚乐和爵士乐的创作中尤其关键。我甚至将书中的一个“动机片段化”的练习应用到了我为短片制作的配乐草稿中，立刻让原本拖沓的节奏变得紧凑有力。这本书的语言风格非常直接，没有过多花哨的修饰词，而是用最准确的音乐术语来锁定问题核心。它更像是一本工具书，一本可以随时翻开，并从中找到具体创作困境解决方案的“创作者的瑞士军刀”。

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太多过度音乐，不适用

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