中国山水画教程

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出版者:天津人民美术出版社
作者:杜伯仲
出品人:
页数:118
译者:
出版时间:2008-2
价格:42.00元
装帧:
isbn号码:9787530533666
丛书系列:
图书标签:
  • 山水画
  • 中国画
  • 绘画教程
  • 艺术
  • 书法
  • 绘画技巧
  • 国画
  • 技法
  • 入门
  • 临摹
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具体描述

《中国山水画教程》主要内容:国山水画,水与墨的运用十分讲究,展纸落笔之前,做到胸有成竹,笔上水与墨的多少、干湿程度必须适当,笔墨下去,一气呵成,将笔上的水分、墨分全部用净,一直到笔在纸上擦来擦去再也无水无墨可留为止,笔也干净了,其效果正恰到妙处。

画尽山河:中国山水画的意境与技法 在中国漫长的艺术史中,山水画以其独特的魅力,描绘出人与自然的和谐共生,寄托着中华民族深沉的哲学思想和审美情趣。本书并非枯燥的技法堆砌,而是一次深入的探索之旅,旨在带领读者领略中国山水画的博大精深,感受其背后蕴含的东方智慧。 我们将从山水画的起源与发展脉络出发,追溯其如何从萌芽阶段走向成熟,并与中国古代哲学、文学、诗歌等艺术形式相互影响、共同演进。你会了解到,中国山水画并非仅仅是对客观景物的描摹,更是一种“外师造化,中得心源”的创作过程。画师们通过对自然的细致观察与体悟,将个人的情感、志向与对宇宙的理解融入笔墨之中,从而创造出气象万千、意境深远的作品。 本书将重点解析山水画的几个核心要素: “皴法”的奥秘: 皴法是中国山水画独特的表现技法,它通过不同的笔触和墨色变化,表现山石的不同质感、纹理和体量。我们将逐一介绍“披麻皴”、“斧劈皴”、“雨点皴”、“马牙皴”、“解索皴”等经典皴法,并结合历代名家作品进行剖析,让你理解这些技法如何赋予画面以生命力与立体感。每种皴法都有其独特的韵味和表现力,理解它们如同掌握了山水画的筋骨,能够让你在描绘不同形态的山石时游刃有余。 “点”与“染”的魔力: 除了皴法,点与染也是构成山水画的重要元素。“点”可以用来表现苔点、树叶、草丛等,通过不同的形态和疏密,营造出画面的层次感和生命力。“染”则通过层层叠叠的墨色或色彩晕染,表现山峦的厚重、云雾的缥缈、水面的波光等。我们将探讨如何运用淡墨、浓墨、破墨等技法,以及色彩的搭配与运用,来丰富画面的层次和情感表达。 “笔墨”的灵魂: 笔墨是中国画的精髓所在,也是山水画之所以成为“水墨画”的根本。本书将深入探讨中国山水画中笔墨的运用,从运笔的轻重缓急、行笔的方圆曲直,到墨色的浓淡枯湿,都蕴含着深刻的学问。我们将解析不同笔墨运用所能传达出的情感和意境,以及如何通过笔墨的变化来表现物体的精神气质。“墨分五色”的精妙之处,以及如何运用“飞白”等技巧,都将一一呈现。 “构图”的智慧: 山水画的构图并非简单的景物排列,而是“虚实相生”、“计白守黑”的艺术。我们将介绍中国山水画常用的构图原则,如“高远”、“平远”、“深远”等,以及如何通过留白来营造意境,如何安排景物的疏密与呼应,让画面既有生气又不失沉静。一个好的构图能够引导观者的视线,让画面充满张力与想象空间。 “意境”的追求: 山水画的最高追求在于“意境”,即画面所传达出的情趣、气韵和精神境界。我们将探讨如何通过笔墨、构图、色彩等元素的综合运用,来营造出高远、宁静、苍茫、悠远等不同的意境。你会了解到,山水画不仅仅是对自然的再现,更是画家内心世界的投射,是“胸中丘壑”的外化。 本书还将带领读者走进历代山水画大师的世界,从王维的禅意山水,到范宽的雄浑厚重,再到董源、巨然的秀润温雅,以及元四家、明清诸家各有千秋的风格。我们将通过欣赏和分析这些大师的代表作品,学习他们处理山石、树木、云水、人物等元素的方法,以及他们独特的艺术语言和思想。每一个时代的山水画都反映着当时社会的风貌和人们的精神追求,理解这些风格的演变,也是理解中国文化变迁的一个窗口。 我们还会探讨山水画中常见的题材,如山峰、瀑布、溪流、松石、梅兰竹菊等,以及如何在画面中表现这些景物的神态和特征。例如,如何表现松的苍劲、竹的挺拔,如何描绘流水的动感,如何处理山石的肌理等。这些具体的描绘技法,将帮助你更好地理解和运用山水画的语言。 最后,本书将引导读者思考如何将山水画的传统技法与现代审美相结合,如何在创作中注入自己的个性和思想。我们鼓励读者在掌握基本技法的基础上,勇于创新,探索属于自己的山水画风格,用笔墨描绘出属于这个时代的壮丽山河。 这是一本献给所有热爱中国山水画,渴望深入了解其精髓的读者的书。它将为你打开一扇通往中国传统艺术殿堂的大门,让你在欣赏美景的同时,领略东方艺术的独特魅力与深邃智慧。让我们一起拿起画笔,在纸上挥洒出心中的山河,感受人与自然的对话。

作者简介

杜伯仲 1939年生于辽宁省北镇市,受业于鲁迅美术学院著名山水画教授孙恩同老先生。

山水画家杜伯仲教授,长期从事美术教育工作。退休之后依然致力于山水画教学和创作。出版过《中国山水画点滴技法》、《中国山水画教学参考》等专著及个人写生集、画集多部。

目录信息

第一章 国画材料——宣纸与笔、墨、砚 第一节 用纸 第二节 用墨 第三节 用砚 第四节 用笔 第五节 笔墨 第六节 用墨之法 图录(图1~12) 第七节 用笔之法 一、尖锋 二、中锋 三、侧锋 四、顺锋 五、逆锋 六、露锋 七、藏锋 八、破锋 图录(图13~24)第二章 树木的画法 图录(图25~53)第三章 山石的画法 图录(图54~72)第四章 水的画法 图录(图73~82)第五章 云雾的画法 图录(图83~85)第六章 人物与房屋车船等在山水画中的 应用与宾主关系 图录(图86~94)第七章 中国山水画的分类 第一节 水墨山水画 第二节 焦墨山水画 第三节 焦墨烘染山水画 第四节 青绿山水和绛紫山水画 图录(图95~101)第八章 山水画的设色 一、松树着色法 二、柏树着色法 三、杨树着色法 四、柳树着色法 五、桃树着色法 六、梨树着色法 七、梅树着色法 八、柞树着色法 九、枫树着色法 十、杂树着色法 十一、山石的着色法 十二、浅绛(绛紫)着色法 十三、大青绿山水着色法 十四、小青绿山水着色法 十五、泼绘山水着色法 图录(图102~127)第九章 彩墨同用的几种方法 第一节 彩墨交织法 第二节 彩墨相破法 第三节 泼彩泼墨法 图录(图128~130)第十章 中国山水画作画程序 第一节 山水画的创作 第二节 山水画的作画程序 图录(图131~137)第十一章 中国山水画构图 一、少而精取势法 二、居中取势法 三、均衡取势法 四、疏密主从取势法 五、分段取势法 六、满幅取势法 七、相互呼应取势法 八、折带形取势法 九、凹型取势法 十、斜角对衬取势法 图录(图138~148)范画学习参考与欣赏 图录(图149~173)
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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我是一个油画背景出身的艺术工作者,一直想跨界学习中国画,但传统国画教材那种固有的、略显僵硬的教学体系实在让我难以适应。这本《中国山水画教程》的出现,简直是为我这种“非传统”学习者打开了一扇窗。它的叙述方式非常现代和逻辑化,对于西方绘画体系中的透视、光影概念,作者也巧妙地找到了中国画中对应的“理”,比如用散点透视来解释高远、平远、深远的区别,这让我的理解成本大大降低。它在处理“墨分五色”的部分尤为精彩,不再是简单地罗列焦、浓、重、淡、清五种墨色,而是结合了具体的湿度控制和纸张的吸水性进行了详尽的实验性说明,这对于习惯了颜料混合的我们来说,是非常实用的操作指导。此外,它对“借笔”和“破墨”这些看似高级的技法,也做了非常细致的分解练习,让你清楚地知道在什么时候、什么情况下应该采用哪种笔法,而不是鼓励你盲目地去“试错”。这本书的整体风格是开放的、鼓励探索的,它没有将传统束之高阁,而是将其视为一个活的、可以被当代人重新诠释的体系。

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这本书的实用价值,远超乎我预想中的“入门指导册”。我购买它主要是为了解决“如何画好一棵松树”这类具体问题,但它带给我的收获是系统性的。作者对树法、山法、水法的划分非常清晰,每一类都有其独特的笔墨法则和造型规律。我花了好几天时间,专门研究了其中关于“点叶法”的章节,书中对不同季节、不同朝向的树叶该如何用“介字点”、“胡椒点”来表现,进行了详细的对比和示范。最令人称道的是,它将不同流派(如北宗的雄健与南宗的秀逸)的技法特点熔于一炉,但又清晰地区分了它们的审美侧重。这让我明白,学习山水画并非要立刻“站队”,而是要先掌握工具箱里所有的工具,再根据自己的审美倾向去组合应用。书中还穿插了一些关于“画眼”和“聚散关系”的论述,这对于构建一幅画面的整体气势至关重要。这本书的讲解深入浅出,既能满足像我这样有一定绘画基础的人对深度解析的需求,同时也不会让完全的门外汉感到挫败。

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拿到这本《中国山水画教程》时,我最担心的就是内容会过于陈旧,仅仅停留在对古人技法的模仿上。然而,它在尊重传统的同时,展现出了一种令人耳目一新的学术态度。它没有回避现代人面对自然时的困惑——我们如何用古老的笔墨去表现现代的高楼大厦,或者高海拔地区的奇特地貌?书中巧妙地引入了“写生”与“临摹”的辩证关系,强调临摹是为了“入古”,而写生才是为了“出新”。在讲解“皴法运用”时,它没有固守于传统的几种皴法,而是鼓励读者根据所描绘对象的结构特点,灵活变通,甚至创造出属于自己的“新皴法”。这极大地激发了我的创作热情。此外,这本书在装帧和印刷质量上也做得相当出色,特有的哑光纸张能很好地表现出墨色的层次感,这对于研究墨的晕染效果至关重要,相比于那些用光面铜版纸印刷的教材,它更接近于传统宣纸的视觉感受。这本书提供的是一套方法论,而非一套死板的教条,它引导我们去思考“为什么这样画”,而不是仅仅记住“该怎样画”。

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说实话,我原本对市面上那些充斥着陈词滥调的“艺术普及读物”已经有些审美疲劳了。但当我翻开这本《中国山水画教程》时,立刻被它那种深沉而内敛的气质所吸引。它不仅仅是一本教你“怎么画”的书,更像是一部关于中国文人精神的旁白。作者似乎对传统美学有着深刻的理解,在讲解具体技法时,总能不经意地穿插一些关于“气韵生动”、“计白当黑”的哲学思考,但绝不是那种空洞的说教。比如在论述“点苔”的时候,书中并未简单地告知用墨的浓淡,而是联系到了中国园林中“一草一木皆有意”的布局理念,使得每一个点、每一笔苔藓都仿佛有了生命和存在的意义。我特别喜欢它对历代名家作品的选取和解析,没有拘泥于那些被过度神化的“国宝级”巨作,而是挑选了大量在技法上更具可模仿性和启发性的作品片段进行拆解。这种深入肌理的分析,让我明白那些大师们是如何将自然万象提炼成笔墨语言的。这本书的排版也极具匠心,留白恰到好处,墨色浓淡过渡自然,读起来本身就是一种视觉享受,让人心静,更利于进入创作状态。

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这本《中国山水画教程》简直是为我这种初学者量身定制的!我一直对水墨的晕染和留白心生向往,但苦于找不到一个系统且易懂的入门途径。这本书的结构安排非常合理,从最基础的笔墨介绍,到各种皴法的详解,再到章法的布局,一步步引导,让人感觉每一步都有迹可循,而不是那种堆砌理论的晦涩教材。尤其让我惊喜的是,它没有一味地强调“意境”这种虚无缥缈的概念,而是非常务实地从技法层面剖析了如何用毛笔去表现山石的坚硬、云水的流动。书中的图例讲解细致入微,每一个示范步骤都配有清晰的图示和简练的文字说明,仿佛一位经验丰富的大师正俯身在你的画案旁手把手地教导。比如讲解“披麻皴”时,它不仅仅展示了如何落笔,更深入分析了不同力度和水分控制下皴线产生的层次感,这对建立扎实的造型基础至关重要。读完前几章,我立刻拿起笔尝试,虽然离“形神兼备”还远着呢,但至少我知道该往哪个方向努力了,不再是盲目的乱涂乱抹。这本书的成功之处在于,它成功地架起了“理论认知”与“实际操作”之间的桥梁,让“中国画”不再是高不可攀的艺术殿堂,而是可以亲手实践的迷人世界。

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大牛!!把所有提到的画法示范了一遍!

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