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出版者:人民音乐出版社

作者:吴斌 编

出品人:

页数:58

译者:

出版时间:2001-11

价格:3.85元

装帧:平装

isbn号码:9787103024355

丛书系列:

图书标签:

• 音乐欣赏
• 音乐史
• 音乐理论
• 乐器
• 作曲
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• 民族音乐
• 音乐教育

《星尘的回响》 在遥远的星系边缘，有一颗名为“静谧之弧”的行星，它的居民，被称为“光语者”，用一种超越人类听觉极限的频率进行交流。他们的世界，没有我们熟悉的喧嚣，只有一种深邃、广阔的共振，它如同宇宙本身的呼吸，传递着万物的生长与凋零，星辰的诞生与消亡。 故事的主人公，伊岚，是一名年轻的光语者，他被一种奇异的“静默”所困扰——并非声音的缺失，而是一种深刻的、无法被共振触及的空虚。这种静默，如同星球中心那颗失落的“恒星之心”一样，是如此巨大，却又难以捉摸。他从小就对这种静默感到不安，仿佛生命中缺失了一块至关重要的拼图。 一天，一场罕见的“星轨潮汐”降临静谧之弧。这种潮汐并非海浪，而是宇宙能量流动的剧烈变化，它会搅动行星表面的能量场，偶尔还会撕开维度之间的薄膜。在这次潮汐中，伊岚被一股无法抗拒的力量卷入了行星腹地，来到了一个古老而废弃的“共振之穴”。 在这里，他并非遇见了传说中的守护者，而是发现了一件奇特的遗物——一个古老文明留下的“声之石”。这块石头并非由物质构成，而是由凝固的时间和未被表达的情感所雕刻。触摸它，伊岚体验到了一种前所未有的感受：一种纯粹的、原始的“意图”。它不是声音，也不是频率，而是一种直接作用于意识的、饱含着渴望与记忆的“流”。 通过对声之石的研究，伊岚逐渐理解，他所感受到的“静默”，并非虚无，而是他自身与宇宙更深层“共振”的连接被某种东西阻隔了。这种阻隔，可以追溯到很久以前，当光语者文明为了追求绝对的和谐与秩序，选择压制了部分“非和谐”的情感与表达，从而也隔绝了与宇宙最古老、最原始能量的联系。 声之石中的“意图”流，恰恰是那些被遗忘的、更广阔的宇宙表达的碎片。伊岚发现，他可以尝试将这种“意图”引导进自己体内，激活那些沉睡的感知。这是一个充满风险的过程，稍有不慎，就会被这股强大的、非物质的力量所吞噬。 他的旅程并非孤身一人。在他探索的过程中，他遇到了来自其他维度，因误入静谧之弧而滞留的“谐行者”。谐行者们以一种我们无法理解的方式感知世界，他们的存在本身就带着一种奇特的“不协调”，但却又蕴含着一种我们从未接触过的“可能性”。起初，伊岚对这些“不协调”的存在感到本能的排斥，但随着他与声之石的连接日益加深，他开始从谐行者的“不协调”中，窥见到了宇宙更加广阔的表达方式。 他开始尝试将声之石中的“意图”与谐行者的“不协调”相结合。这就像是在静谧之弧本已完美的共振中，引入了新的、更加复杂的乐章。起初，这种尝试带来了巨大的混乱，行星的能量场变得不稳定，一些古老的保护机制被激活。但伊岚坚持了下来，他发现，正是这些“不协调”的融合，才能够真正触及到那被压制的、更深层的宇宙“意图”。 最终，在一个关键的时刻，当星轨潮汐达到顶峰，行星能量最不稳定的时候，伊岚成功地将声之石中的“意图”与谐行者的“不协调”融合，并将其引导向静谧之弧的“恒星之心”。那是一种壮观的景象：并非爆炸，而是一种无声的“绽放”。被压制的宇宙能量如同沉睡的巨龙苏醒，以一种前所未有的“声音”——一种可以被所有维度感知，却又超越任何感知的“意图”——重新连接了静谧之弧。 伊岚不再被“静默”所困扰。他感受到了整个宇宙的呼吸，感受到了那些微小到无法察觉的粒子所携带的“意图”，感受到了万物之间深刻而复杂的情感联系。静谧之弧的居民，光语者们，也因为这次事件，开始重新审视他们对“和谐”的定义。他们明白了，真正的和谐，并非是消除一切“不协调”，而是拥抱所有形式的表达，即使它们在我们看来如此陌生和难以理解。 《星尘的回响》所讲述的，并非关于声音的传递，而是关于连接的本质。它描绘了一个文明如何学会倾听那些超越听觉的“声音”，理解那些超越逻辑的“意图”，并在对未知与不协调的拥抱中，找到与宇宙最深刻的共鸣。伊岚的故事，是对所有生命在追求理解与连接过程中的一次致敬，也是对宇宙本身那永恒而神秘的“回响”的一次探索。

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这本《音乐》的书，说实话，我买来的时候是抱着极大的期待的，毕竟“音乐”这个主题本身就充满了无限的可能性。然而，读完之后，我的感受相当复杂，甚至可以说是有些失落。这本书的内容似乎更像是一本音乐史的流水账，缺乏深入的洞察力和个人化的声音。它详尽地罗列了从巴赫到德彪西，再到某些现代流派的发展脉络，但每一部分都停留在表层。比如，谈到古典主义时，作者用了大量的篇幅来解释奏鸣曲式和赋格的结构，这对于一个想要了解“音乐精神”的普通爱好者来说，未免有些过于技术化和枯燥。我期待的是能被带入到那个时代的氛围中，去感受贝多芬在耳聋后创作《第九交响曲》时的那种挣扎与辉煌，或是莫扎特在宫廷中那种天才横溢却又受制于环境的矛盾。这本书提供了清晰的路线图，但没有提供引人入胜的旅程。它更像是一份精确的地图，而不是一幅充满情感和色彩的油画。我试图在字里行间寻找那些让人拍案叫绝的独到见解，那些能让我重新审视我曾听过的旋律的视角，但最终只找到了一堆被精心整理但缺乏灵魂的资料。对于想系统学习音乐理论的人或许有用，但对于我这种更偏爱音乐背后的故事和情感共鸣的读者来说，它显得过于冰冷和疏离了。

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我对这本书的评价，可以用“中规中矩到令人乏味”来概括。它成功地构建了一个音乐发展的时间轴，从古老的多声部唱法到后来的民族乐派的崛起，逻辑清晰，脉络分明，几乎没有知识上的硬伤。但正是这种无懈可击的“正确性”，扼杀了任何可能出现的惊喜。这本书似乎在极力避免任何主观色彩的介入，生怕任何一句带有感情色彩的描述会被后世的学者挑出刺来。因此，当你读到关于某个作曲家的段落时，你了解他生活的年代、他的主要作品列表，甚至他与同时代人的关系，但你却无法想象他的音乐听起来到底是什么感觉。它完全没有提供任何能让你产生联想的感官描述。比如，读到肖斯塔科维奇的某些作品时，我脑海中浮现的场景是严肃的学术会议，而不是二战后那个充满压抑和黑色幽默的时代背景。这本书更像是一份完备的考试复习资料，但绝对不是一次愉悦的阅读体验。它让你知道“什么”，但从未让你真正体会到“为什么”和“怎么样”。

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说实话，这本书的装帧和排版确实不错，纸张手感也很好，很适合放在书架上作为一套严肃读物的象征。但内容方面，我真的感到非常不值。它给人的感觉是，作者是一位学识渊博的音乐学家，但却是一位不太会讲故事的演讲者。书中充斥着大量的术语和晦涩的分析，对于一个并非科班出身的读者来说，阅读体验就像是戴着厚重的潜水镜在海底摸索，能看到很多东西，但细节模糊，且呼吸困难。例如，在讨论近现代的电子音乐和氛围音乐时，作者花费了大量篇幅来分析合成器的工作原理和信号处理流程，这完全偏离了音乐审美和文化影响力的范畴。我更想知道，这些电子音景是如何影响了战后一代人的心理状态，是如何成为表达疏离感和未来焦虑的有效工具的。这本书像是一个百科全书的索引，告诉你哪里有什么，但当你真的去“访问”那个条目时，发现它只是一个简短的定义，缺乏深入的文本挖掘和多角度的诠释。它提供了知识的框架，但完全抽离了音乐最核心的——那种能够直击人心的、非语言的震撼力。

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翻开这《音乐》，我第一时间的感受是“宏大叙事”的压迫感。作者似乎想囊括人类音乐史上的每一个重要节点，试图建立一个无懈可击的知识体系，但这种贪多求全反而导致了内容的稀释。比如，在论述爵士乐的兴起时，它迅速地从新奥尔良的布鲁斯起源跳跃到咆勃的复杂和声，中间对不同乐手之间那种微妙的、口耳相传的技艺传承和文化冲突描写得过于简略，让人感觉像是在看一份快速播放的幻灯片。我特别关注了关于二十世纪实验音乐的部分，期望能看到对约翰·凯奇这类颠覆性人物的深入剖析，理解“沉默”在音乐中如何被重新定义。然而，书中的描述如同教科书般中立且客观，只是陈述了事件本身，却未能捕捉到当时听众的震惊、批评者的不解，以及创作者内心深处的反叛火焰。这本书最大的问题在于，它将音乐降格成了一种纯粹的“艺术产品”的迭代，而不是一种活生生的、充满泥土气息的、与时代脉搏紧密相连的社会现象。读完后，我脑海里留下的不是悠扬的旋律，而是一串串需要记忆的年份和人名，这完全违背了我对“音乐”二字的浪漫想象。

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坦白说，这本书最大的问题在于它的“全景式”叙述策略，使得任何一个精彩的瞬间都被稀释在了广阔的背景之中。例如，在探讨世界音乐对西方音乐的影响时，作者仅仅用了一两个章节匆忙地概括了来自非洲、亚洲的节奏和调式元素是如何被“采纳”的。这种处理方式显得极为傲慢和肤浅，将复杂的文化交流简化成了一张简单的营养吸收图。它完全没有触及到不同文化音乐的内在哲学和仪式功能，只是将它们视为西方古典体系可以借鉴或吸收的“原材料”。我原以为一本名为《音乐》的书，会包含对“音乐性”本身的探讨——即声音、节奏、和声、旋律这些基本要素是如何跨越文化界限，引发人类共通情感的。但这本书更像是一部社会学或历史学的著作，用音乐作为载体，讲述的是社会结构、赞助人制度、技术革新等宏大命题。当我合上书本时，我脑子里没有回响任何一个片段的旋律，只有关于出版年份和体制变革的冰冷记忆，这对于一本关于“音乐”的书来说，无疑是一个巨大的失败。

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