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出版者:荣宝斋出版社

作者:石涛

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2003-8

价格:380.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787500306832

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瀚海撷珍：中国古代艺术大师系列画册——《石涛画集》之外的璀璨群星 一部跨越千年、饱含人文精神与时代风貌的中国古代绘画艺术的恢弘史诗。 本书并非聚焦于清初“离经叛道”的石涛及其独特的山水画风，而是将视野投向更广袤的历史长河，撷取了自魏晋至近现代，中国绘画史上那些风格迥异、影响深远的艺术巨匠及其代表作。它旨在为读者构建一幅多维度的中国艺术图景，展现不同历史阶段文人墨客、宫廷画师们如何以笔墨承载哲学思考、抒发个人情怀、记录时代变迁。 【卷一：魏晋风骨与唐代气象——线条的生命力与色彩的庄严】 顾恺之与《洛神赋图》的“传神写照”： 这一部分深入剖析了顾恺之如何将哲学思辨融入人物造型之中，特别是对“骨法用笔”的精妙阐释。通过高清摹本的细致对比，读者将领略到那个时代对形神兼备的极致追求，以及女性形象的初次独立发展。 吴道子与“吴带当风”的革新： 聚焦于盛唐的绘画高峰。我们将探讨吴道子的画风如何彻底改变了唐代人物画的线条走向，从僵硬刻板走向飘逸灵动。重点解析其融合了道家哲学的“天人合一”思想如何在菩萨、飞天形象中得以体现。 阎立本的双重身份与历史叙事： 分析《步辇图》如何成为唐初政治与外交的视觉记录，以及《历代帝王图》中对帝王肖像的心理刻画，展现了宫廷绘画的规范与严肃性。 张择端与《清明上河图》的百科全书式记录： 虽非个人风格的纯粹展现，但本书着重分析其严谨的构图、丰富的人物类型以及对城市生活的百科全书式描绘，揭示其作为社会史料的无价价值。 【卷二：宋元的转型与文人画的崛起——审美情趣的内在转向】 “北宋三大家”的意境营造： 详细梳理范宽、郭熙、李唐在山水画领域的贡献。重点阐释范宽如何以“全景式”的宏大叙事展现华北山川的雄伟（如《溪山行旅图》），以及郭熙如何通过对“朝向”与“弥漫”的探索，确立了宋代山水画的经典母题。 徽宗的“院体”与对技法的极致要求： 分析宋徽宗赵佶在艺术上的偏执与成就，尤其是对花鸟画的精细写实主义的推崇，以及他如何将书法的笔意引入绘画，达到了院体画的巅峰。 元四家的异彩纷呈——士人笔墨的解放： 这是本书的重点之一。 黄公望的“平淡天真”： 解析《富春山居图》中“以书入画”的极致体现，探讨其在墨分五色上的独到见解，以及如何通过皴法表达山川的内在肌理。 倪瓒的“萧疏冷寂”： 深入解读倪瓒如何用极简的笔墨、大面积的留白，来表达对元末社会环境的疏离与高洁的士人情怀。他的“一意如此”的创作态度如何影响了后世的文人审美。 吴镇与文徵明的书画合璧： 简要介绍吴镇的竹石墨戏，以及明代文徵明如何继承和光大了元代的笔墨精神，将文人画推向一个更规范化的阶段。 【卷三：明清的多元探索与地域流派——笔墨语言的丰富与交锋】 董其昌的“南北宗论”与画史重构： 分析董其昌如何以理论家的身份，构建了中国绘画史的理论框架，并以其圆润、秀雅的“董家样”山水，影响了清初的画坛风尚。 明末“波臣派”的强烈个性： 虽然不涉石涛，但我们将聚焦于与之并存的其他“革新者”。例如，陈洪绶对古典题材的夸张化处理，他独特的衣纹和人物造型，展现了对传统规范的有力反叛与重塑，其造型的奇崛与内敛，形成了独特的“陈式”张力。 “金陵画派”的多样面貌： 细致梳理以龚贤为代表的画家，他们如何在继承明代遗韵的基础上，发展出浓郁、厚重的笔墨语言，尤其是在处理江南山水时的阴郁气质与对苔点的精到运用。 清初“四王”的集大成与“正统”的建立： 详细剖析王时敏、王鉴、王翚、王原祁如何通过对前代经典的“集古”与融合，建立起一套严谨而学院派的绘画范式，这套范式在很长一段时间内占据了画坛的主导地位。 【卷四：近现代的转折与西风东渐的影响】 任伯年与“折衷中外”的实践： 介绍任伯年如何吸收西洋的写实光影，融入海派的写意精神，为晚清画坛注入了新的活力，尤其是在对动物和人物神态的捕捉上，达到了前所未有的生动。 吴昌硕的篆隶入画与“金石入画”的开拓： 重点分析吴昌硕如何将金石书法的苍劲、浑厚融入花鸟画，其大写意的粗犷与饱满，如何为二十世纪的中国画指明了新的方向，摆脱了院体画的柔弱之气。 齐白石的大写意与生活趣味： 探讨齐白石如何以稚拙、朴素的笔触，描绘寻常百姓家的蔬果虫鱼，其作品中蕴含的民间智慧与旺盛的生命力，是传统文人画精神的当代延续与升华。 结语：笔墨的永恒对话 本书并非对任何单一画家的聚焦，而是对中国艺术史中“笔墨”这一核心媒介的持续探索。通过对比不同大师在相同题材（如山水、花鸟、人物）上展现出的迥异风格和哲学意图，我们得以理解中国绘画艺术的连续性、包容性与永恒的创新精神。从魏晋的线条到宋元的意境，再到明清的技法交锋，每一幅作品都是一个时代的缩影，共同构筑了中华文明光辉灿烂的视觉遗产。

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画集排版上的留白艺术处理得堪称一绝，这在很大程度上体现了中国古典美学的精髓。每一幅作品周围，都给予了足够的空间，让观者的目光得以充分休憩，也让画面的主体能够更好地“呼吸”。这种克制而非拥挤的布局，与画中常常出现的空寂山谷、云雾缭绕的意境形成了完美的呼应。我注意到，即便是介绍性文字和印章款识的排列，也经过了精心的设计，它们不是简单地堆砌在角落，而是巧妙地融入整体构图中，既不喧宾夺主，又起到画龙点睛的作用。这种对“虚”与“实”的把握，使得整本书的阅读体验变得极其流畅和舒适，它教导的不仅仅是绘画的技法，更是一种东方哲学中“恰到好处”的审美境界。这套画册本身，就可以被视为一本关于空间布局与视觉平衡的教科书。

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这本画册的装帧设计简直是一场视觉盛宴，从封面的材质触感，到内页纸张的选择，无不透露出一种沉稳而高雅的气息。初次捧读，便被那深沉的墨色和细腻的线条所吸引，仿佛能感受到古人作画时的那份宁静与专注。尤其是那些大幅山水作品的印刷质量，色彩的过渡自然得令人惊叹，即便是最细微的皴法变化，也得到了完美的再现。我特意拿了一幅描绘江南烟雨的图卷，细细品味，那雨丝的轻盈、远山的迷蒙，都被画家处理得恰到好处，观者仿佛能闻到空气中弥漫的水汽。装帧上的用心，无疑是为这些伟大的艺术品提供了一个绝佳的展示平台，让原本只存在于博物馆珍藏中的经典，能够以如此高规格的姿态走进寻常爱好者的书房。这种对艺术载体的尊重和极致追求，使得每一次翻阅都成为一种仪式感十足的享受，远非普通印刷品所能比拟。

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这本书的收录范围非常广博，几乎涵盖了这位大家艺术生涯的各个重要阶段，让人可以清晰地看到其风格演变的过程。早期的作品，虽然功底扎实，但略显拘谨，仍能看到前人大师的影子；然而，进入中年之后，那种“我自成一派”的磅礴气势便喷薄而出。最令人震撼的是那些晚年的“泼墨淋漓”之作，笔墨大胆，结构奇崛，仿佛将胸中的块垒、世事的沧桑，尽数倾泻于宣纸之上。这种循序渐进的展示方式，对于学习者而言是极有帮助的，它提供了一个清晰的参照系，去辨识和学习艺术家是如何打破藩篱，最终形成自己独特语言的。那些看似随性的点画背后，其实是数十年如一日的磨砺与思考，通过这本画册，我们得以窥见其心路历程的清晰脉络，这份完整性和系统性，是其他零散出版物难以企及的。

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翻阅这本画集的过程，就像进行了一次精神上的长途跋涉，它唤醒了我内心深处对于自然和人文的敬畏之情。那些松树的遒劲、瀑布的飞泻，并非只是简单的景物描摹，而是画家对生命力的赞颂与哲思的表达。特别是那些描绘险峻山峰的画作，虽然笔墨厚重，却丝毫没有压抑感，反而有一种超脱尘世的壮阔和洒脱。我常常在夜深人静时拿出它，不是为了学习技巧，而是为了让自己的心绪沉淀下来，去感受那种“寄情山水”的旷达胸襟。它提供了一种强大的精神慰藉，在快节奏的现代生活中，这本书如同一个静谧的避风港，让人得以暂时抽离喧嚣，回归到一种更本真、更具深度的人类情感体验之中。这份超越艺术范畴的情感共鸣，是我认为这本画集最宝贵的价值所在。

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书中对绘画理论的阐述部分，虽然篇幅不算特别突出，但其切入点却非常独到和深刻。它没有流于表面地去讲解“点染皴擦”这些基础技法，而是着重探讨了中国传统文人画背后的哲学思想——“以形写神”的真正含义。作者似乎是在引导我们，去理解画家在落笔之前，心中已构建好的那个意境世界。我尤其欣赏其中关于“气韵生动”的论述，不同于学院派的僵硬定义，这里的解读更偏向于一种生命力的捕捉和精神的贯通。读完这些文字，再回看那些画作时，我突然明白了为什么有些作品仅仅是寥寥数笔，却能让人心潮澎湃。这不再是简单的线条和墨块的堆砌，而是画家对宇宙万物运行规律的理解和情感的投射。这种深度的解读，极大地提升了欣赏艺术品的层次，让人不再满足于“好看”的表象，转而追求作品背后蕴含的精神力量。

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期待更高清的版本。

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记得是雅昌承印的，色彩有保障

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