Jacques Demy et les racines du rêve pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:L'Atalante

作者:Jean-Pierre Berthome

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1998-06-19

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9782841720422

丛书系列:

图书标签:

• Jacques Demy
• 法国电影
• 新浪潮
• 音乐剧
• 梦幻
• 电影理论
• 文化研究
• 视觉艺术
• 罗曼蒂克
• 电影史

《雅克·德米与梦想之根》：一次对法国电影黄金时代的深情回溯 《雅克·德米与梦想之根》并非一本简单罗列电影作品的目录，而是一次深入探索法国电影黄金时代核心，特别是通过导演雅克·德米（Jacques Demy）的独特视角，去理解那段光辉岁月如何孕育出影响深远的美学风格与叙事母题的精心研究。本书旨在揭示，是什么样的文化土壤、艺术思潮以及个人经历，共同塑造了这位以色彩、音乐和童话般的叙事著称的伟大导演，并进而探讨他的作品如何成为那个时代法国电影集体潜意识的独特折射。 本书从德米早期的成长环境和电影启蒙入手，勾勒出他如何在家乡布列塔尼的民间故事、传统歌谣以及早期电影的魔力中汲取灵感。作者详细考证了德米在电影学院的学习经历，以及他如何在这种学院派的训练中，开始孕育出对音乐剧电影的独特热情，并逐渐形成自己标志性的视觉语言。我们不仅会看到他如何受到新浪潮的启发，学习其自由的拍摄手法和对社会现实的关注，更会深入分析他如何在这种现代浪潮中，巧妙地融入古典主义的精致和对传统叙事结构的重新演绎。 《雅克·德米与梦想之根》着重分析了德米作品中反复出现的几个核心主题：音乐与歌唱在日常生活中的渗透、色彩作为情感表达的载体、对城市景观的诗意化呈现、以及童话式浪漫与现实困境的交织。书中将逐一梳理他不同时期的代表作，例如《香榭丽舍的女孩》、《天使湾》、《柳媚花娇》等，并不仅仅停留在情节梗概的介绍。相反，作者将通过细致的影像分析，揭示德米如何在镜头运动、画面构图、色彩运用以及音乐编排中，创造出独一无二的“德米式”风格。 例如，本书将深入探讨德米如何巧妙地运用饱和度极高的色彩，将日常场景转化为充满生命力和象征意义的视觉画布。书中会分析他如何通过精心设计的服装、布景和灯光，将观众带入一个既熟悉又梦幻的世界，让色彩本身成为叙事的重要组成部分，承载着角色的情绪起伏和故事的潜在含义。同时，音乐在德米电影中的地位也将被重点强调。本书将解析他如何将歌舞场景自然地融入剧情，让歌曲成为角色内心独白的延伸，或是推动情节发展的关键元素，而非简单的点缀。 此外，本书还将考察德米作品中对城市空间的独特描绘。他镜头下的巴黎、洛杉矶等城市，并非冰冷的钢筋水泥丛林，而是充满了浪漫气息和戏剧张力的舞台。作者将分析德米如何通过捕捉城市的特定角度、光影变化以及人群的流动，赋予城市以生命和情感，使其成为角色命运的见证者，甚至是推动者。 《雅克·德米与梦想之根》还致力于挖掘德米电影中存在的张力与复杂性。在他的作品中，虽然常常充斥着童话般的浪漫和纯粹的情感，但同时也深刻地触及了爱情的脆弱、梦想的幻灭以及现实生活的种种羁绊。本书将探讨德米如何以一种既乐观又怀旧的姿态，处理这些看似矛盾的主题，如何在光鲜亮丽的外表下，折射出人性的复杂和时代的变迁。 本书的研究并非孤立地看待德米，而是将其置于更广阔的法国电影史和文化背景中进行审视。作者将探讨德米与其他新浪潮导演的联系与区别，以及他对后世电影制作人的影响。通过对德米作品的深入剖析，本书旨在揭示这位导演如何以其独特的艺术语言，为法国电影，乃至世界电影，贡献了一笔宝贵的财富，为我们理解“梦想”如何在影像中生根发芽，并最终绽放出绚烂的光彩，提供了一个深刻而迷人的视角。 本书适合所有对法国电影、音乐剧电影、电影美学以及艺术史感兴趣的读者。它不仅是一次对一位伟大导演的致敬，更是一次对电影艺术本身所蕴含的魔力和潜力的深度探索。通过《雅克·德米与梦想之根》，读者将获得对法国电影黄金时代更全面、更深刻的理解，并重新发现那些在光影中闪耀的、关于梦想与现实的永恒主题。

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这是一本读起来需要不断停下来，反复回味其句法的书，它的语言结构本身就是一种复杂的编织艺术。作者在论述叙事张力时，采用了一种非线性的、回环往复的句式，模仿了潜意识流动的特性，这使得他对“梦境逻辑”的解析显得尤为贴切和真实。他对于“情感回响”（Emotional Resonance）的捕捉，是基于对人类听觉皮层反应的深度研究，而非主观臆测。书中有一章专门讨论了配乐中不和谐音程的使用频率与观众的生理指标变化之间的关系，这种跨学科的严谨性，令人印象深刻。它不是一本教你如何拍电影的书，而是一本教你如何“感受”电影的书，通过精确的语言，去描摹那些原本难以言喻的内心波动。读完之后，我发现自己对那些老电影中淡淡的忧伤和瞬间的狂喜，都有了更清晰、更具象化的理解，仿佛作者用文字为我的情感建立了一套精密的坐标系。

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这本书的文风简直是叛逆的典范，充满了对既有电影理论的挑战和戏谑。作者似乎有一种天生的反权威倾向，他用一种近乎后现代主义的解构方式，对那些被奉为圭臬的经典场面进行了无情的“去神圣化”。他把镜头语言的分析玩出了花样，不再拘泥于传统的“视点角色”或“视觉焦点”，而是着重分析了“视线被阻断”时，观众的焦虑感是如何被精心构建的。这种对“缺失”和“遮蔽”的偏执研究，非常有现代艺术的张力。更绝的是，书中穿插了一些对幕后八卦和技术失误的调侃，这些细节虽然看起来是“花边新闻”，但作者却能将其巧妙地编织进对电影创作本质的讨论中，说明了艺术的诞生往往是混乱、意外与天才的混合体。读起来酣畅淋漓，像是听一位最懂得电影的愤世嫉俗的朋友在跟你分享那些不为人知的“黑幕”，让你在哈哈大笑之余，又能深思熟虑。

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翻开这本书，扑面而来的是一股浓郁的学院派气息，但绝非那种晦涩难懂的教科书腔调。作者的笔触细腻入微，对于色彩理论在电影中的应用简直是登峰造极的阐述。他没有仅仅停留在色彩心理学的表面，而是深入到不同年代胶片显影剂对特定色调的偏好，以及这种技术限制如何反过来塑形了特定流派的美学特征。例如，书中对六十年代法国新浪潮中那种略带颗粒感的蓝绿色调的剖析，细致到连灯光师的布光习惯都纳入了考量，这已经超越了单纯的电影评论范畴，更像是一份视觉人类学的田野调查报告。更令人称道的是，作者总能找到一个非常独特的切入点来讨论一个已经被讨论烂了的主题。他对待“时间性”的讨论，不是从物理时间流逝的角度切入，而是从观众的“期待落差”来构建叙事节奏，这种对主观体验的量化尝试，既大胆又充满说服力。读完感觉像是上了一堂大师级的艺术史课，但用的却是电影这门现代媒介的语言，结构严谨，论据扎实，让人佩服得五体投地。

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这部书简直是打开了一扇通往光影魔术的后门，读起来就像是跟着一位资深的电影修复师在解剖胶片上的每一个像素点。作者对于叙事结构的处理，那种如同精密仪器般冷静的分析，让我对传统电影理论有了全新的理解。尤其是关于蒙太奇的运用，书中提出了一个极具颠覆性的“情感折射点”理论，这完全不同于我之前接触到的任何教材。它不是简单地将场景并置，而是探讨了如何通过光影的微小变化来预示人物内心深处最隐秘的挣扎。我尤其欣赏其中对于“失焦”镜头的使用分析，作者认为那不仅仅是一种技术失误或风格选择，而是一种预示着记忆模糊或身份认同危机的关键符号。这种深入骨髓的解读，让我重新审视了许多经典片段，仿佛被赋予了透视眼，看到了导演隐藏在景深之下的深层意图。行文间，那种对电影史料的扎实掌握与对当代影像语言的敏锐捕捉完美结合，使得整本书既有学术的厚重感，又不失阅读的流畅性，实在是一次令人耳目一新的思想洗礼。

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老实说，一开始我有点担心这本书会陷入对某位大师的过度神化，但阅读体验完全超出了我的预期。它最精彩的地方在于对“场域精神”（Genius Loci）的探讨，探讨了特定地理环境和建筑空间如何无形中规定了人物的行为模式和最终的悲剧命运。作者在论述中频繁引用了建筑学和城市规划学的理论，将银幕上的空间转化成了一个有生命的、会呼吸的实体。他对于“空镜头的权力”的论述尤其令人震撼，认为空镜头并非是叙事的停顿，而是空间本身在对人物进行无声的审判或哀悼。行文风格非常散文化，充满了一种哲学思辨的韵味，仿佛作者在引导你进行一场关于存在主义的漫步，每走一步，都能在电影的虚构世界中找到现实世界的投射。这本书的价值在于，它教会了我如何去“阅读”一个场景背后的空间语言，而不是仅仅关注演员的表演或对白，极大地拓宽了我的观影维度。

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