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出版者:清华

作者:孙立军,董立荣

出品人:

页数:257

译者:

出版时间:2007-1

价格:48.00元

装帧:

isbn号码:9787302140368

丛书系列:

图书标签:

• 动画
• 创作
• 技法
• 绘画
• 动画制作
• 动漫
• 插画
• 设计
• 教程
• 艺术

《动画创作技法》是一本面向广大动画爱好者、初学者以及有一定基础的动画从业者的实用性指南。本书旨在系统地梳理和阐述动画创作的核心流程与关键技法，从概念构思到最终成片，为您提供一条清晰的学习路径。 第一部分：动画理念与基础 在进入具体创作之前，理解动画的本质和发展历程至关重要。本部分将深入探讨动画艺术的定义、历史演变以及不同风格流派的特点。您将了解到传统动画与数字动画的差异，以及它们在表现手法和技术上的传承与创新。此外，我们还将介绍动画创作中的基本原则，如时间性、空间性、运动规律等，这些将是构建您动画作品骨架的基石。 第二部分：故事板与镜头语言 一个引人入胜的故事是动画的灵魂。本部分将重点讲解如何将文字剧本转化为视觉化的故事板。您将学习到故事板的绘制技巧，包括角色设计、场景构建、表情刻画以及动作的连贯性处理。更重要的是，我们将深入剖析镜头语言在动画叙事中的作用。从广角到特写，从推拉摇移到景别变化，您将掌握如何运用不同的镜头组合来营造氛围、塑造情绪、引导观众视线，从而高效地传达故事信息。 第三部分：角色设计与表演 成功的动画角色能够深入人心，引发观众的共鸣。本部分将引导您进行富有表现力的角色设计。您将学习到如何根据角色性格、背景故事来塑造其外形特征、服装搭配，并理解色彩心理学在角色设计中的应用。在角色表演方面，我们将着重讲解如何赋予角色生命力。通过对骨骼绑定、关键帧动画、路径动画等数字动画技术的讲解，您将学会如何通过流畅自然的肢体动作、细腻入微的面部表情，以及富有感染力的声音表现，将角色从静态的图纸变成鲜活的生命。 第四部分：场景构建与氛围营造 场景是故事发生的舞台，它不仅为角色提供了活动空间，更能烘托故事的氛围，深化主题。本部分将教授您如何进行场景设计与绘制。您将学习到如何根据故事需求，设计出富有想象力且符合逻辑的场景，包括环境布局、道具细节、光影处理等。同时，我们将探讨色彩、构图、透视等视觉元素在场景氛围营造中的关键作用，帮助您创造出令人沉浸的观影体验。 第五部分：动画软件与技术应用 在数字时代，强大的动画软件是实现创意的重要工具。本部分将为您介绍主流的动画创作软件，如Adobe Animate、Toon Boom Harmony、Maya、Blender等，并讲解它们各自的优势和适用范围。我们将通过实例演示，逐步引导您掌握这些软件的核心功能，包括二维动画的绘制与合成、三维模型的创建与绑定、动画序列的渲染与输出等。您将学习到如何在软件中高效地完成从原画到成片的各个环节。 第六部分：后期制作与输出 动画的最终呈现离不开精良的后期制作。本部分将为您揭示后期制作的奥秘。您将学习到如何运用剪辑软件进行素材的组织与编排，如何进行色彩校正与调色，如何添加音效与配乐，以及如何通过特效（如粒子效果、运动模糊等）来增强视觉冲击力。最后，我们将讲解不同格式的动画输出选项，以及如何根据发布平台的需求，优化您的作品，确保其以最佳状态呈现给观众。 本书特色： 系统性强： 从基础理论到实操技巧，层层递进，构建完整的知识体系。 实用性高： 贴近实际创作流程，提供大量案例分析和操作指导，助力您快速上手。 内容全面： 涵盖二维、三维动画的核心技法，满足不同创作方向的需求。 语言精练： 避免晦涩的技术术语，用清晰易懂的语言解释复杂的概念。 启发性佳： 鼓励读者发挥创意，探索属于自己的动画风格。 无论您是想制作可爱的卡通短片，还是宏伟的CG动画，亦或是精美的定格动画，本书都将是您不可多得的良师益友。翻开《动画创作技法》，开启您的动画梦想之旅！

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哇，最近刚看完一本关于电影剪辑的入门书，简直是打开了新世界的大门！这本书的叙事结构非常清晰，从最基础的轴线概念讲起，然后逐步深入到蒙太奇的各种手法。最让我惊喜的是，作者并没有停留在理论层面，而是通过大量经典影片的案例分析，把那些抽象的理论变得生动易懂。比如，书中对希区柯克《惊魂记》中浴室谋杀段落的节奏处理和镜头切换的剖析，简直细致到令人发指，我甚至能想象出剪辑师当时是如何在剪辑台上反复打磨每一个镜头的时长的。而且，这本书还非常贴心地加入了“如何在不同风格的影片中运用剪辑”的章节，无论是紧张的动作片还是舒缓的文艺片，都有对应的技巧讲解。对于我这种刚接触这个领域的新手来说，简直是宝典级别的存在，让我对未来自己动手尝试剪辑充满了信心。唯一美中不足的地方，或许是对于某些高级的数字剪辑软件的具体操作讲解略显不足，不过瑕不掩 স্থাপত্য，整体来说，绝对是值得推荐给所有对影视后期制作感兴趣的朋友们。

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从技术层面上来说，我很少看到一本将“声音设计”和“情绪渲染”结合得如此紧密的书籍。市面上很多声音方面的教材都偏重于软件操作和混音技术，但这本书的视角非常独特，它关注的是声音的“心理重量”。比如，书中有一章专门分析了在恐怖片中，高频环境音和低频次声波是如何无形中影响观众的生理反应的，这比单纯告诉你 EQ 应该怎么调要深刻得多。作者甚至追溯了戏剧史上早期对音效的运用，展示了声音叙事是如何随着技术进步而演变的。它教会我，一个恰到好处的“静默”往往比最宏大的交响乐更具力量，因为这种静默是建立在之前所有声音积累的基础之上的。这本书对那些希望提升作品整体沉浸感和情绪感染力的声音工程师或者导演来说，无疑是一剂强心针，它让你意识到声音绝不是后添加的附属品，而是故事本身不可分割的一部分。

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这本书简直是为那些在“创意枯竭期”挣扎的艺术家们量身定做的“灵感急救包”。它并没有提供一蹴而就的“速成秘籍”，而是提供了一套系统的“创意激活流程”。我个人非常欣赏它引入的“跨界联想练习法”，例如如何将建筑学的空间理论应用到场景设计中，或者如何从音乐的和声结构中汲取色彩搭配的灵感。作者似乎是一位非常热爱生活和探索的人，书中随处可见的个人旅行见闻和对日常琐事的敏锐捕捉，都成为了激发灵感的绝佳素材。最让我受益匪浅的是，书中强调了“失败也是数据”的理念，鼓励读者拥抱草稿和实验，不要过分追求一步到位。这种鼓励试错的氛围，极大地减轻了我创作时的心理负担。每次感觉思路卡壳的时候，随手翻开其中一页，总能被那些看似不着边际但却充满趣味性的思考点重新点燃创作的火花。

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我最近为了准备一个短片的项目，翻阅了不少关于剧本结构和角色塑造的书籍，但大多都过于公式化，读完后感觉角色的灵魂还是缺失了一块。直到我发现了这本关于“非线性叙事与时间感知”的探讨之作，真是如获至 সংস্থার。它没有大谈特谈什么三幕式结构，反而把重点放在了“如何打乱时间顺序来增强戏剧张力”上。书中详细分析了诸如《低俗小说》中那种跳跃式的叙事手法是如何通过对观众记忆和预期的不断打破，达到最终的情感震撼。更棒的是，作者将这种叙事技巧与角色的内心世界构建紧密结合，解释了为什么某些角色必须以倒叙或闪回的方式被呈现，因为他们的“现在”早已被“过去”所定义和纠缠。读完这本书，我对剧本的理解从二维平面跃升到了三维立体，开始明白，好的故事不只是事件的排列，更是对观众时间体验的精妙设计。对于想尝试突破传统叙事框架的编剧们，这本书绝对是避不开的灯塔。

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说实话，我本来对那种纯理论的艺术类书籍是有点敬而远之的，总觉得读起来会非常枯燥晦涩，但这本书在介绍视觉叙事的时候，完全颠覆了我的认知。它不是那种干巴巴地告诉你“画面要美观”的空洞说教，而是深入探讨了“如何通过画面的构图和色彩来引导观众情绪”的心理学机制。我特别喜欢其中关于“负空间”运用的讨论，作者用梵高和日本浮世绘的例子做对比，阐述了东方美学和西方写实主义在空间处理上的巨大差异，这个角度非常独特。阅读过程中，我常常需要停下来，拿出自己的随笔本，反复琢磨作者提出的那些关于“意境”和“留白”的思考，感觉自己的审美层次一下子被拔高了不少。这本书更像是一本哲学思考录，而不是一本单纯的技术手册，它教会我的不是如何去画，而是如何去“看”这个世界，如何将观察到的万千事物，提炼成富有张力的视觉符号。对于那些追求艺术深度的创作者来说，这本书提供的启发，其价值远超书本本身的定价。

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