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出版者:Rivages

作者:Claude Chabrol

出品人:

页数:98

译者:

出版时间:2004-3-17

价格:EUR 5.35

装帧:Poche

isbn号码:9782743612689

丛书系列:

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《如何拍一部电影》 本书并非一本关于电影制作的入门指南，也不提供从剧本创作到后期剪辑的循序渐进的教程。它不详述灯光、摄影角度或声音设计的具体技法，也不会深入探讨电影史上的某个流派或导演的创作哲学。如果您期待的是一份详尽的设备清单、一本告诉你如何写出奥斯卡获奖剧本的手册，或者一份关于剪辑软件操作的详尽指南，那么这本书的封面背后，您将找不到这些期待的答案。 《如何拍一部电影》所呈现的是一部电影从构思到诞生的过程中，那些更深层次、更具启发性的面向。它探讨的是电影作为一种艺术形式，其内在的驱动力，以及创作者如何将脑海中 fleeting 的灵感转化为能够触动人心的影像。本书将聚焦于电影创作背后那些抽象但至关重要的要素：愿景的形成，主题的提炼，以及如何用影像语言讲述一个能够引发观众共鸣的故事。 它会深入挖掘电影制作中的“为何”而非“如何”。我们将一同审视，是什么样的冲动驱使一个人拿起摄影机，去捕捉并重塑这个世界？一个故事的种子，是如何在创作者的心中生根发芽，最终长成一部完整的电影？本书将通过对电影创作过程中那些微妙的心理状态、抽象的艺术追求，以及超越技术层面的思考进行探讨，来揭示一部电影之所以成为“一部电影”的本质。 书中不会有“拍摄时，请将镜头固定在XXX角度”这样的指令，取而代之的，是对“为何选择这个角度”的深度剖析。它会询问，当创作者选择一个特定的构图时，他试图传达给观众怎样的情绪？当他选择一种叙事节奏时，他希望如何引导观众的思考？本书将引导读者去理解，每一项技术决策背后，都承载着创作者的艺术意图和对观众的沟通愿望。 《如何拍一部电影》更像是一次对电影创作灵魂的探寻。它旨在激发您内心深处对电影的热情，鼓励您去思考“电影能做什么”、“电影能改变什么”，以及作为创作者，您希望通过电影留下怎样的印记。本书将通过一系列引人入胜的论述，引导您去发现，一部伟大的电影，不仅仅是技术和流程的集合，更是一个充满思想、情感和人文关怀的独特载体。 它会探讨，是什么让一部电影拥有“生命力”？如何捕捉那些转瞬即逝的情绪，并将它们转化为永恒的影像？这本书会引领您超越对“工具”的关注，而将目光投向“表达”。它将帮助您理解，电影的魔力，究竟隐藏在何处，又如何才能被真正地唤醒。 您将不会在这本书中找到关于“最佳电影灯光布置”的章节，但您会读到关于“光影如何塑造人物内心世界”的思考。同样，您不会看到“如何剪辑出紧张感”的技巧，而是会了解“叙事节奏如何在观众的情感体验中扮演重要角色”。本书的重点在于理解电影语言的哲学，而非学习其语法。 《如何拍一部电影》邀请您一同踏上一段对电影本质的思考之旅。它是一次对电影创作背后那股无形力量的追溯，一次对电影艺术魅力的深度解读。它期待能点燃您对电影创作的激情，帮助您理解，如何将脑海中的画面，升华为能够震撼人心的艺术品。它并非一本“操作手册”，而是一份关于“电影为何存在”的深刻对话，一份对每一个渴望通过影像表达世界的灵魂的致敬。 本书将鼓励您，去感受，去思考，去质疑。 它不是提供答案，而是提出问题，引导您在探索中找到属于自己的答案。这部书，献给所有对电影怀揣着无限热忱，并渴望深入理解其艺术本质的个体。它将带领您，去探寻成为一名真正意义上的电影创作者，所必须具备的那份洞察力与感悟力。

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作为一名对声音设计有浓厚兴趣的读者，我必须称赞作者在音频处理方面所展现的深度和广度。许多同类书籍对音效往往只是简单提及，但在这里，声音被提升到了与画面同等重要的地位。书中详尽地描述了“环境声场”的构建过程，如何通过层次分明的环境音（如远处的交通声、近处的滴水声）来建立一个逼真且具有心理暗示性的空间。作者对“拟音”艺术的介绍更是令人大开眼界，它揭示了那些我们习以为常的电影声音背后隐藏的创造性劳动。最令我震撼的是，它讲解了如何运用“非写实性声音”来表达角色的主观感受，比如在极度恐惧时，心跳声被放大到失真的程度，或者外界一切声音被抽离，只剩下耳鸣，这种将听觉感受直接转化为情感体验的技巧，让我对声音叙事有了全新的敬畏之心。这本书的音频章节，值得单独拿出来作为专业教材来研读。

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这本书的结尾部分，关于“发行与推广”的探讨，展现了作者超越创作本身的远见卓识。它没有停留在“拍完就结束”的浪漫幻想中，而是非常现实地分析了当前电影市场的生态。作者对独立电影的几种主要发行路径进行了细致的对比，包括电影节的策略性参与、众筹平台的有效利用，以及如何在数字流媒体时代为自己的作品争取到可见度。他强调，一个好的推广策略必须从剧本创作初期就开始规划，而不是等到后期制作完成才“临时抱佛脚”。书中提供了一份非常实用的“影片宣传包”清单，从高分辨率剧照的准备到媒体新闻稿的撰写技巧，都提供了清晰的指导。这部分内容，让我意识到，电影制作是一个完整的商业闭环，艺术的完美需要商业的助力才能抵达观众，这本书的综合性，真正做到了从创意萌芽到市场对接的全程赋能。

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这本关于电影制作的入门指南，简直就是为我这种完全摸不着头脑的新手量身定做的。从最基础的“什么是剧本”讲起，作者的叙述方式就像一位耐心的老师，手把手地教你如何构建一个引人入胜的故事框架。我尤其欣赏它对“冲突”重要性的强调，不是简单地告诉你冲突很重要，而是通过大量具体的案例分析，展示了不同类型冲突（人与人、人与环境、人与自我）是如何驱动剧情发展的。书中对场景描述的讲解也十分细致，它教导我们如何用文字“画出”画面，而不是仅仅罗列动作。举个例子，当描述一个角色的出场时，作者会提示你注意光线、背景噪音以及角色的微表情，这些都是镜头语言的前奏。我花了整整一个下午研究了它关于“三幕结构”的章节，那份详尽程度远超我之前看过的任何资料，它甚至探讨了如何在现代叙事中微妙地打破或重构这个经典结构，让作品既有根基又不失新意。对于那些总觉得自己点子很多但不知如何落地的朋友，这本书提供的结构性思考框架绝对是金钥匙。

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这本书的摄影与剪辑章节，读起来简直是一种享受，它不是枯燥的技术参数堆砌，而是一场关于视觉节奏的深度对话。作者对“运动镜头”的解析尤其精彩，他不仅区分了推轨、摇臂和手持的不同情感基调，还深入探讨了镜头运动与角色心理状态的同步性。例如，当角色陷入焦虑时，镜头应该如何通过微小的晃动或不稳定的焦距来暗示观众，而不是直接用旁白告诉观众角色很紧张。在剪辑理论方面，它引入了“非线性叙事”的多种可能性，并详细拆解了如何通过蒙太奇手法来创造出时间和空间上的错位感，达到一种诗意的效果。我特别喜欢其中对“剪辑点”的描述，作者称之为“故事的呼吸点”，强调了沉默和留白在叙事中的强大力量，这完全颠覆了我之前认为剪辑就是快速切换画面的传统观念。这本书迫使我重新审视每一次镜头的选择和每一次画面的连接，让我的眼睛学会了“思考”。

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我原本以为这本所谓的“电影制作手册”会充斥着各种复杂的术语和昂贵设备的说明，结果大出所料，它更像是一本关于“用最少的资源讲最好的故事”的哲学论著。作者对于“制片”环节的理解非常务实和接地气，特别是对如何与小型独立团队合作、如何在预算极度紧张的情况下最大化视觉冲击力给出了许多实用的“偏方”和巧妙的取舍建议。比如，书中有一节专门讲如何利用自然光和现有的城市景观来替代昂贵的布景搭建，这种“化腐朽为神奇”的思路，对于我们这些预算有限的创作者来说，简直是雪中送炭。更让我印象深刻的是，它并没有回避独立电影制作中经常遇到的伦理困境和法律常识，例如肖像权、音乐版权的初步处理，这些内容在其他更偏向艺术性的书籍中往往被一带而过，但在这本书里却被提升到了专业操作的高度。读完这部分，我感觉自己不仅学会了如何拍电影，更学会了如何“经营”一部电影项目。

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夏老师太有人格魅力

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