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出版者:Yale University Press

作者:Marije Vellekoop

出品人:

页数:296

译者:

出版时间:2013-5-10

价格:EUR 37.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780300191868

丛书系列:

图书标签:

• VanGogh
• 梵高
• Art&Museum
• Van Gogh
• Art
• Biography
• Painting
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• History
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• Masterpiece

《失落的星空：一个梵高未竟之作的时代侧影》 一部深入二十世纪初欧洲艺术革新浪潮、聚焦于文森特·梵高逝世后其作品所引发的持续影响与时代回响的深度研究。 本书并非一部关于文森特·梵高生平或直接创作过程的传记，而是将历史的聚光灯投向了一个更广阔、更具争议性的领域：在他生命的火焰熄灭之后，他的艺术遗产如何在动荡不安的现代主义开端中被重新解读、被利用、甚至被误读的过程。 我们将探讨的是，围绕着“梵高”这一符号，当时欧洲艺术圈、评论界、以及新兴的商业画廊所构建的复杂叙事。 第一部分：回响的初啼——1890至1910年的欧洲艺术冷寂与热望 文森特·梵高逝世后不久，他的作品在艺术界并未立即获得应有的赞誉。本部分详尽考察了在后印象主义群体内部，高更、塞尚等人的作品如何开始占据舞台中央，而梵高的作品（尤其是在其遗孀约瑟芬·博纳的努力下）所经历的早期展示与市场反应。 我们聚焦于两个关键的地理中心：巴黎的独立沙龙（Salon des Indépendants）和布鲁塞尔的“二十人展”（Les XX）。书中通过对当时信件、展览目录和早期评论的细致梳理，揭示了梵高强烈的色彩运用和扭曲的笔触是如何在崇尚“象征”与“形式”的艺术语境中，被视为一种“未完成”或“过于感性”的表达。 特别值得关注的是，本书详细分析了奥地利分离派的先驱们（如克里姆特和席勒）在早期接触梵高作品时所产生的化学反应。在维也纳，梵高的情感强度被视为抵抗既有学院派的有力武器，但这种“强度”的解读，却与梵高本人对自然和光线的科学观察有所偏离。我们探讨了这种“异化”的接受过程，以及它如何塑造了早期表现主义的某些面向。 第二部分：色彩的革命与商业的介入——艺术经纪人与“梵高神话”的构建 当二十世纪第二个十年临近，艺术品市场开始寻求能够填补市场空白的“天才”形象。本章深入剖析了阿尔芒·鲁阿尔（Armand Rouard）等早期致力于推广梵高作品的画廊主，如何巧妙地利用梵高悲剧性的一生来提升其作品的价值。 这不是一个简单的市场操作，而是一个复杂的文化重塑过程。我们审视了早期关于梵高“疯狂”与“天才”二元对立叙事的形成。书中揭示了，为了迎合新兴的美国收藏家群体对于“异域”和“纯粹”艺术的渴求，一些关于梵高创作动机的描述被刻意简化或戏剧化。 具体案例分析集中在《向日葵》系列和奥维尔时期的风景画在国际拍卖会上的早期流转记录。通过对这些记录的交叉比对，本书首次系统地呈现了在梵高生前鲜有人知的几幅未完成草稿的流向，以及这些草稿在艺术史家语境中地位的逐步提升，这种提升往往与当时主流艺术流派对“构成性线条”的强调有关。 第三部分：跨越媒介的对话——文学、电影与后世的图像重构 本书的第三部分将目光投向了梵高逝世后，其艺术符号如何渗透到其他艺术媒介中。我们研究了二十世纪中期文学家，如阿尔贝·加缪，在探讨“荒谬”主题时，如何借鉴梵高作品中那种强烈的、近乎绝望的孤独感，构建其哲学框架。 更具争议性的是，我们考察了二战后，尤其是在五十年代，电影和摄影媒介如何开始“重拍”梵高的生活片段。这些影像作品——无论是纪录片还是虚构叙事——往往过度聚焦于他在阿尔勒的特定时期，并常常忽略了他在荷兰和巴黎早期的艺术探索。书中通过对比早期照片与后期电影布景的细节差异，揭示了艺术家的生命经验如何被媒介的“即时性”和“戏剧性”需求所扭曲。 我们特别分析了在战后重建期，荷兰政府如何利用“梵高遗产”来重塑国家文化形象。这种官方层面的接纳，一方面确保了作品的存留，另一方面也无可避免地稀释了梵高作品中原有的尖锐批判性。 第四部分：现代性焦虑下的永恒之问 总结部分，本书回归到对“未完成性”的哲学思考。梵高留下的未签名、未完成的作品，如同一个开放的黑洞，吸引着后世的各种理论投射。我们探讨了结构主义和后结构主义批评家如何解读梵高晚期作品中的笔触断裂，将其视为对西方再现传统的终极颠覆。 这本书旨在为读者提供一个全新的视角：一个关于“缺席的艺术”如何塑造了艺术史进程的宏大叙事。 它不是关于画家如何拿起画笔，而是关于他的笔触如何在一代又一代的观看者心中，持续引发一场关于色彩、情感、商业价值与永恒创作冲动的深刻辩论。通过对这些间接影响和时代误读的细致解构，读者将更能理解，一个天才的逝去，如何催生出一场比其生命本身更为复杂和持久的文化运动。 核心价值： 本书通过对二手资料、早期评论和市场数据的严谨分析，构建了一幅二十世纪初欧洲艺术市场与现代主义思想碰撞的复杂地图，其核心议题是：一个已逝艺术家的遗产，是如何被活着的人群重新定义和利用的。 本书适合对二十世纪初欧洲现代艺术史、艺术市场运作、以及文化符号建构有深入研究兴趣的读者。

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拿到《梵高：工作之中》这本书，我怀揣着一颗探索的心。我对梵高的艺术早已耳熟能详，但一直觉得，要真正理解他的作品，就必须走进他创作的“幕后”。这本书恰恰满足了我的这个愿望。它不仅仅呈现了梵高一幅幅惊世之作，更重要的是，它深入挖掘了这些作品是如何被创造出来的。我被书中对梵高色彩运用的详尽分析所吸引，他如何大胆地将互补色并置，他如何用厚重的笔触来表达情感的起伏。这些描述，让我仿佛能亲眼目睹他调和颜料，感受颜料在画布上碰撞出的火花。书中的文字，朴实而又充满力量，它让我看到了梵高不仅仅是一个天才，更是一个勤奋的实践者。我从中学习到的，是对艺术创作过程的理解，对艺术家执着精神的敬佩，以及对每一个细节的重视。这本书，让我对“创作”这个概念，有了更深层次的领悟。

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这本书《梵高：工作之中》，是一次对我艺术认知的一次深刻洗礼。我总觉得，艺术家是生活在另一个维度的生物，他们的创作是某种超自然的力量。然而，这本书却用一种非常写实和接地气的方式，展现了梵高是如何通过“工作”，将他的艺术构想变为现实。我看到了他对颜料的精打细磨，他如何用不同的画笔去表达不同的情感，他如何通过画布的纹理来增加画面的质感。这些细致的描述，让我明白，伟大的艺术，并非仅仅是灵感的火花，更是日复一日的勤奋和对每一个创作细节的极致追求。书中对梵高观察自然的描绘，更是让我看到了一个艺术家是如何将他的眼睛变成最敏锐的工具，如何从最平凡的景物中发现不平凡的美。这本书，让我对“创作”这个行为本身，产生了由衷的敬畏，也让我更加欣赏那些将生命投入到艺术中的灵魂。

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当我翻开《梵高：工作之中》，我立刻被书中那种对创作细节的极致追求所吸引。我一直觉得，要理解一位艺术家，最直接的方式就是去了解他如何“工作”。这本书恰恰满足了我这个愿望。我看到了梵高在画布前如何思考，如何构思，如何将他的意念转化为可见的色彩和线条。书中对梵高材料的使用，他对不同时期颜料的偏好，对画笔的损耗程度的描述，都让我感受到一种近乎偏执的专注。我仿佛能听到他每一次挥笔时的声音，感受到颜料在画布上堆叠时的厚重感。更重要的是，这本书让我理解了梵高作品中那些看似狂放不羁的笔触，其实都蕴含着他对表达的极致追求。他不是随意地涂抹，而是在用每一笔来诉说他的情感，他的观察，他的世界。书中关于他对光影的捕捉，他对色彩的实验，都让我看到一个艺术家在不断挑战自我，不断突破边界的过程。我从这本书中获得的，不仅仅是对梵高艺术的欣赏，更是对“创作”这一行为本身的敬畏。

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《梵高：工作之中的灵魂》这本书，我拿到手的时候，其实是带着一种既期待又有些许忐忑的心情。我一直对梵高这个人充满了好奇，他的画作固然令人惊叹，但更吸引我的是他生命中的挣扎与热情。我总觉得，要真正理解他的艺术，就必须深入了解他创作的那个过程，他身处的环境，他内心的波澜。这本书的封面设计，一种深邃的蓝色调，点缀着几笔看似随意却又充满力量的黄色，立刻就捕捉住了我。翻开书页，我并没有急于去阅读文字，而是先仔细地品味着那些印刷精美的画作。每一笔的色彩，每一处的光影，都仿佛在诉说着一个故事。我尝试着去想象，在那样的光线下，在那样的一个小屋里，他究竟是如何调和颜料，如何挥动画笔，将内心的情感倾泻在画布上的。书中的插图，不仅仅是画作的复制品，更是让我感受到了一种时间的沉淀，一种对艺术家创作过程的致敬。我特别留意了那些关于他颜料使用和笔触技巧的描述，即使我本人并没有绘画基础，也能从中感受到一种严谨与激情并存的学术态度。这本书仿佛为我打开了一扇窗，让我窥见了那个在画布前燃烧的灵魂，让我对“艺术创作”这个行为本身，有了更深层次的理解。我期待着，通过这本书，能更清晰地勾勒出那个我们熟知又陌生的梵高，那个在画布上留下永恒印记的巨人。

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阅读《梵高：工作之中》，我最大的感受是一种沉浸式的体验。作者似乎拥有某种魔力，能够将我带回梵高生活的时代，让我仿佛置身于他那间狭小的画室，闻到油彩和松节油混合的气息，感受到普罗旺斯炽热的阳光。书中的文字，不是那种枯燥乏味的学术论述，而是充满了生命力和画面感。当我读到他如何细致地观察麦田里麦穗的形态，如何用大胆的笔触去捕捉星空的流转，我仿佛能看到他眼中的世界。不仅仅是画作的呈现，书中对梵高创作时的心理状态，他与现实世界的互动，他的思考，他的困惑，都有着非常细腻的描绘。我尤其喜欢那些对梵高创作手法的细致分析，比如他对色彩的运用，他对光影的捕捉，他如何通过厚涂的颜料来表达情感的厚重。这些描述，让我不再仅仅是作为一个旁观者去欣赏他的作品，而是能够参与到他的创作过程中，去感受他的每一个决定，去理解他为何那样选择。这本书的叙事方式，也让我着迷。它不是简单的时间线叙事，而是穿插着他对不同时期、不同主题作品的深入探讨，让我在阅读中，能够跳跃式地体验梵高的艺术轨迹，每一次跳跃，都伴随着新的发现和感悟。

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《梵高：工作之中》这本书，让我对“梵高”这个名字有了更深刻的理解。我之前总是被他那些充满激情的画作所吸引，但这本书让我看到了在那些激情背后，隐藏着的是一种近乎严苛的自我要求和对创作的无限探索。书中对梵高创作过程的细致描绘，让我仿佛置身于他的画室，感受着他调和颜料时的专注，感受着他下笔时的犹豫与坚定。我特别喜欢书中关于他如何观察自然的描述，他如何从最平凡的景物中发现不平凡的美。这种观察力，是他艺术的源泉。书中的文字，没有丝毫的浮夸，而是用一种朴实而又充满力量的方式，展现了梵高作为一位艺术家的“工作状态”。我从中看到了他的坚持，他的不懈，以及他对艺术理想的执着追求。这本书不仅仅是关于梵高的画作，更是关于他如何成为他自己，如何用生命去践行艺术的每一个瞬间。它让我明白，伟大的艺术，往往源于对平凡生活的深刻体察和对创作过程的极致投入。

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《梵高：工作之中》这本书，对我来说，是一次关于“看见”的重塑。我一直认为，梵高的作品之所以动人，在于他独特的“看见”世界的方式。而这本书，则将我引向了他“看见”背后的“工作”。我看到了他如何花费无数时间去观察一棵树，如何细致地描绘一粒麦子，他如何在光影的变幻中捕捉生命的律动。书中对梵高对颜料的理解，对画布的驾驭，以及他对笔触的精妙运用，都让我看到了一个艺术家是如何通过“工作”来实现他的“看见”。我不再仅仅是被动的欣赏者，而是仿佛参与到了他的创作过程之中，去感受他的每一次落笔，去理解他每一次色彩的选择。这种沉浸式的体验，让我对梵高的作品，有了前所未有的深度理解。它让我明白，伟大的艺术，并非空中楼阁，而是源于对现实世界的深刻观察和对创作技巧的精湛掌握。

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《梵高：工作之中》这本书，给我带来的是一种全新的视角去审视这位伟大的艺术家。在此之前，我对梵高的认识，很大程度上停留在他悲剧性的一生和那些色彩斑斓的画作上。然而，这本书却将我引向了他创作的“现场”，让我看到了他不仅仅是一个天赋异禀的画家，更是一个勤奋、执着、充满探索精神的“工匠”。书中的很多细节，都让我印象深刻。比如，关于他对画布的处理，对颜料的混合，对笔触的运用，这些看似微小的技术环节，却构成了他艺术风格的基石。我从中了解到，梵高的创作并非一蹴而就，而是经过了无数次的尝试与修正。书中对梵高早期创作经历的梳理，也让我看到了他艺术发展的脉络，以及他如何从模仿走向创新。我特别欣赏书中对梵高创作理念的解读，他如何看待自然，如何将内心的情感注入到对自然的描绘中。这种解读，不仅仅是停留在对画面的分析，更是触及到了梵高内心深处的哲学思考。读这本书，让我对“梵高”这个名字，有了更立体的认识，他不再只是一个符号，而是一个活生生的、在不断探索和燃烧的灵魂。

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《梵高：工作之中》这本书，让我对“工作”这两个字有了新的理解，尤其是当它与“梵高”这个名字结合在一起时。我一直觉得，艺术创作是一种超越世俗的活动，是一种纯粹的精神追求。然而，这本书却用非常具体的方式，展现了梵高是如何将他的艺术理想，通过日复一日的“工作”来实现的。书中对梵高绘画材料的选择，他对色彩的实验，对笔触的反复琢磨，都让我看到了一个艺术家是如何将他的技艺打磨到极致的。我特别喜欢书中对梵高观察自然细节的描写，他如何从一株草，一朵花，甚至是一双鞋子中，捕捉到生命的力量和色彩的奥秘。这种细致入微的观察，是他创作的源泉，也是他“工作”的起点。这本书让我明白，伟大并非仅仅来自于天赋，更来自于不懈的努力和对每一个创作环节的精益求精。我从中感受到的，是一种对艺术的虔诚，和一种对生命的敬畏。

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读完《梵高：工作之中》，我最大的感受是一种对艺术创作的全新认知。我一直以为，艺术家的创作，更多的是一种灵感的爆发，一种天赋的展现。然而，这本书却让我看到了，在梵高那些令人惊叹的作品背后，是多么艰辛的付出和多么细致的“工作”。书中对梵高颜料的运用，对画布的处理，对笔触的技巧，都有着非常详尽的描述。我仿佛能看到他如何一点一点地构建他的画面，如何用色彩来表达他内心的情感。这种对细节的关注，让我觉得他不仅仅是一位艺术家，更是一位技艺精湛的工匠。书中也描述了他创作时的心理活动，他的挣扎，他的痛苦，他的喜悦，这一切都让我觉得他是一个活生生的人，一个在用生命去创作的人。我从中学习到的，不仅仅是对梵高艺术的理解，更是对“创作”这件事本身的敬畏。它让我明白，真正的艺术，不仅仅是心灵的抒发，更是对技巧的磨练和对细节的极致追求。

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超级超级好！！

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阿姆斯特丹梵高博物馆2013年5月1日至2014年1月12日特展的配套书。默默地扛了回来。

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超级超级好！！

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阿姆斯特丹梵高博物馆2013年5月1日至2014年1月12日特展的配套书。默默地扛了回来。