about michael baxandall

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出版者:
作者:Adrian Rifkin
出品人:
页数:168
译者:
出版时间:1999-3
价格:$38.95
装帧:
isbn号码:9780631211914
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术史
  • 艺术
  • 未入手
  • 艺术史
  • 艺术理论
  • 艺术批评
  • 文化史
  • 思想史
  • 巴赞达尔
  • 绘画
  • 文艺复兴
  • 视觉文化
  • 艺术哲学
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具体描述

A distinguished group of art historians reflect on the work of Michael Baxandall, in terms of its importance for their own formation, its location in the development of a new art history, and its influence on the broader languages and theories of contemporary cultural theory.

《画框之外:迈克尔·巴克斯特尔的视觉世界探索》 引言 迈克尔·巴克斯特尔,一位在艺术史和视觉文化研究领域留下深刻印记的思想家,其著作如同一扇扇通往理解图像背后复杂机制的窗口。他的贡献,并非仅仅在于梳理某一时期或某一艺术家的风格演变,更在于他颠覆性的视角,将艺术品置于其社会、经济、文化以及认知发生的土壤中进行考察。本文旨在深入探讨巴克斯特尔的学术思想,尤其侧重于他对“观看行为”的剖析,以及他如何通过“可视性”(visibility)的概念,揭示出艺术品与观众之间动态的、相互构建的关系。我们将超越具体作品的罗列,聚焦于其核心方法论的精髓,领略其洞察艺术本质的非凡能力。 “画框之内”与“画框之外”:超越形式的视角 传统的艺术史研究,往往将目光聚焦于画面本身,分析构图、色彩、笔触、技法以及艺术家意图等“画框之内”的元素。巴克斯特尔对此深表质疑,他认为艺术品的意义并非完全内在于作品本身,而是与观看者、观看的语境以及观看所依赖的社会实践紧密相连。他提出了一个至关重要的区分:我们观看的,不仅仅是艺术品,更是艺术品所嵌入的整个观看系统。 这一洞察,体现在他对于“可视性”的强调。他认为,一件艺术品之所以被我们感知和理解,并非因为它“存在”在那里,而是因为它被“使得可见”。而“使得可见”的过程,受到当时社会所共享的视觉习惯、社会认知框架、以及人们习得的观看方式的影响。这意味着,不同的时代、不同的文化、甚至不同社会阶层的人们,都拥有不同的“观看装备”,从而以不同的方式理解世界,也以不同的方式理解艺术。 “观看装备”:一种社会化的视觉感知 巴克斯特尔的“观看装备”(gaze equipment)概念,是他分析艺术品与观众关系的核心工具。他认为,人们的观看并非是一种纯粹被动的生理行为,而是一种经过社会文化塑造的主动实践。这种“装备”包含了一系列无形的工具:我们的知识、经验、习俗、信仰、甚至身体的姿态和习惯性的动作。 例如,在中世纪的宗教绘画中,观众被期望以一种虔诚、冥想的方式去观看。他们可能习惯于将图像中的神圣人物与自己的宗教信仰联系起来,将画面视为一种“圣像”,其观看行为本身就带有仪式性的功能。而在文艺复兴时期,随着人文主义思潮的兴起和科学观测的普及,人们的“观看装备”发生了变化。透视法的掌握、解剖学的知识、对自然界的细致观察,都成为新的观看工具。观众开始以一种更具分析性、更注重几何精确性和空间逻辑的方式去理解图像。 巴克斯特尔并非孤立地看待这些“装备”,而是强调它们是社会性的。它们是集体习得、代代相传的,并且在不断的实践中被调整和发展。一件艺术品的意义,也就因此在不同的观看者群体之间、在不同的历史时期之间,呈现出差异化的解读。他让我们意识到,我们以为理所当然的“看见”,其实是被深深打上了社会烙印的。 “表演的眼光”:图像的邀请与观众的回应 巴克斯特尔进一步将图像视为一种“邀请”观看者以特定方式进行互动的“表演”。他认为,艺术品并非静止的客体,而是一种积极的“行动者”,它引导、塑造甚至“训练”观众的观看行为。这种“表演”体现在图像的各个层面,从其构图的安排,到人物的姿态,再到色彩的选择,都暗含着对观众的指示。 例如,一个人物复杂的姿态,可能是在邀请观众去解读其内心的情感状态;一个精心设计的空间布局,可能是在引导观众去理解其象征意义;而某些特定的视觉符号,则需要观众具备相应的知识才能识别。巴克斯特尔认为,观看艺术品的过程,本质上是一种“表演”与“回应”的互动。观众并非被动地接收信息,而是在积极地“解读”、“激活”图像中的意义。 他的分析,常常跳脱出对艺术家“意图”的猜测,转而关注图像本身所设定的“观看任务”。他询问的不是“艺术家想表达什么?”,而是“这幅画是如何促使观众去看的?”、“观众被引导去关注什么?”、“观众需要具备怎样的知识和技能才能完整地‘看见’这幅画?”。这种对“图像的行动性”的关注,极大地拓展了艺术史研究的视野。 “可视性”的社会构建:权力和知识的交织 巴克斯特尔对“可视性”的探讨,还触及了权力和知识的复杂交织。他指出,什么被“看见”,什么被“忽略”,往往与当时的权力结构和知识体系息息相关。特定群体掌握的知识和话语权,能够影响“可视性”的界定,从而决定哪些图像和信息能够进入公共视野,并被赋予价值和意义。 例如,在某些历史时期,只有受过教育的精英阶层才能真正“读懂”某些图像,而普通民众则可能被排除在图像的意义生产之外。这种“视觉上的排斥”与当时的社会等级制度紧密相连。反过来,艺术作品作为一种“可视性的实践”,也能够反过来巩固或挑战现有的权力关系。 巴克斯特尔的分析,揭示了艺术品并非是独立于社会而存在的纯粹美学对象,而是深刻地嵌入在社会权力运作和知识生产的场域之中。他对“可视性”的解构,让我们看到,我们所“看见”的世界,很大程度上是我们被“告知”看见的世界。 方法论的遗产:一种批判性的观看 迈克尔·巴克斯特尔的学术遗产,在于他提供了一种极具启发性的批判性观看方法。他教会我们,在面对任何图像时,都不能止步于表面的视觉愉悦或形式上的分析,而应该深入探究其背后的“观看机制”——图像是如何被制作出来的,它邀请了怎样的观众,观众又带着怎样的“观看装备”去解读它。 他的研究,鼓励我们去思考: 图像与社会的联系: 图像是如何反映、塑造或挑战当时社会的价值观、习俗和权力结构的? 观众的能动性: 观众是如何主动参与到图像意义的建构过程中的?他们的观看行为受到了哪些因素的影响? “可视性”的边界: 哪些内容被“看见”,哪些被“忽略”?这种“可视性”的界定是如何形成的? 知识与观看的关系: 观看艺术品需要具备怎样的知识背景?知识是如何影响我们的视觉感知的? 通过深入理解巴克斯特尔的这些核心思想,我们能够培养一种更为敏锐和批判性的视觉素养。我们不再仅仅是被动地接受图像的信息,而是能够主动地质疑、分析和解读,从而更深刻地理解艺术品在人类文明中所扮演的角色,以及其与我们自身视觉经验之间密不可分的关系。他的研究,为我们提供了一种理解视觉世界的强大理论工具,引导我们走出“画框之内”,去探索那些更广阔、更复杂的“画框之外”的意义空间。

作者简介

Adrian Rifkin is Professor of Fine Art at the University of Leeds.

目录信息

读后感

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用户评价

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这本厚重的书,光是翻开第一页,那种纸张的纹理和油墨散发出的老派气息,就让人仿佛置身于某个堆满尘封卷宗的图书馆深处。作者的叙事节奏如同缓缓流淌的河流,不急不躁,却蕴含着深不可测的力量。他似乎对每一个细微的社会脉络都有着近乎偏执的关注,每一个章节的展开都像是在解剖一个复杂的有机体。我特别欣赏他处理历史事件的角度,不是那种高高在上的宏大叙事,而是扎根于具体的物证和日常生活的微观细节之中。比如,他如何通过对手工艺人工具的描摹,来反推中世纪晚期某个行会内部的权力斗争,那份细腻和洞察力,着实让人拍案叫绝。读起来,我感觉自己不是在被动接受信息,而是在主动参与一场考古发掘,每挖掘出一层新的认知,都伴随着一阵对既有观念的颠覆。这本书的价值,或许并不在于它提供了多少确凿的“答案”,而在于它提供了一种全新的“提问”方式,让读者重新审视那些被我们习以为常的历史叙事。它像一把锋利的刻刀,在既定的历史框架上凿出新的纹理,那些看似无关紧要的片段,在作者的笔下,突然焕发出令人惊异的生命力。整体而言,这本书的阅读体验是极其充实且富有挑战性的,它要求读者投入全部的注意力,回报给你的,则是一种对历史理解深度的质的飞跃。

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读完此书,我感到一种奇异的失落感,就像看完一场顶级的交响乐演出,谢幕后,世界突然安静了下来,而你的耳朵还在嗡嗡作响,久久不能平静。作者的笔触极其富有画面感,他仿佛是一位顶级的舞台设计师,用文字搭建出那个逝去时代的场景,让你身临其境,甚至能闻到空气中弥漫的气味。他的叙事手法跳跃性极大,时而聚焦于一尊雕塑的褶皱,时而拉远到整个城市的光影变幻,这种宏大与微观的无缝切换,处理得炉火纯青。特别是他关于“观看体验”与“物质载体”之间关系的论述,那几章的论述简直是颠覆性的。他没有给我们一个现成的答案,而是提供了一套观察的“工具箱”,教我们如何用更具批判性的眼光去审视我们周围的一切。这本书的语言流畅自然,几乎没有阅读障碍,但其思想的深度却足以让人陷入沉思良久。我个人的阅读体验是,这本书更像是与一位博学的智者进行了一场持续数十小时的深度对话,他不断地提出挑战性的问题,迫使你不得不去修正自己陈旧的认知结构。这是一本值得所有对人类文化和感知模式感兴趣的人,严肃对待的力作。

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说实话,这本书的装帧设计非常失败,封面那种粗糙的质感和标题的排版,完全没有体现出内容的精妙。然而,一旦翻开内页,你会发现文字的力量是多么强大。作者在处理跨学科问题时,展现出了一种近乎天才般的融会贯通能力。他将看似毫不相关的领域——比如中世纪的记账方式和文艺复兴时期的透视法——巧妙地编织在一起,揭示出背后隐藏的共同的认知逻辑。这种论证的织体极其精密,就像一件复杂的织锦,你必须沿着每一根丝线追溯,才能理解整体的图案。这本书的魅力在于它的“去中心化”倾向,它拒绝将焦点集中于那些高高在上的“大师”或“杰作”,而是将聚光灯投射到那些被历史遗忘的、默默无闻的工匠、学徒乃至普通的物品上。正是通过对这些边缘信息的细致梳理,作者构建了一个远比传统史学更加立体和真实的文化图景。我发现自己不再仅仅关注“是什么”,而是开始深入探究“为什么是这样”,以及“还有没有另一种可能”。这本书的阅读过程是艰苦的,因为它需要你不断地进行知识的迁移和整合,但其带来的智力满足感,是任何通俗读物都无法比拟的。

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我通常对理论性太强的著作敬而远之,但这本书却是个例外,它的理论基石异常坚固,却又包裹着一层引人入胜的故事性外衣。作者的写作像是一位高明的说书人,他深知如何把握读者的注意力曲线。他会先抛出一个引人遐思的现象或者一个具体的历史谜团,然后层层剥茧,引入他深奥的理论框架来解释这一切。我尤其欣赏他处理“媒介”与“观念”关系时的那种冷峻的辩证法,他没有陷入技术决定论的泥潭,而是清晰地展示了物质工具是如何塑造甚至重塑人类的思维范式的。阅读过程中,我脑海中不断浮现出各种视觉化的模型,作者似乎自带一种将抽象概念具象化的魔力。这本书的叙事语调非常克制,始终保持着一种学术的距离感,但这并不妨碍它在情感上对读者产生冲击——那是一种被深刻的洞见所触动后产生的敬畏感。对于那些渴望理解文化实践深层结构,而非仅仅满足于表面描述的读者来说,这本书无疑是一份沉甸甸的馈赠。它迫使你跳出自己所处的时代语境,去体验和理解一种截然不同的心智运作模式。

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简直不敢相信,我花了整整一个周末才勉强读完三分之一,但那种精神上的“饱胀感”是无可替代的。这本书的结构极其晦涩,仿佛是故意设置的迷宫,充满了拉丁文的引述和晦涩难懂的哲学思辨,初读时,我几乎每隔几页就要停下来,对着屏幕上的定义词典发呆。作者的行文风格如同十九世纪的古典主义作家,句子冗长,从句套从句,逻辑链条复杂到让人头晕目眩。然而,一旦你找到那个阅读的“节奏点”,一旦你适应了那种缓慢、迂回的论证方式,你会发现,隐藏在那些复杂的词藻之下,是一种极其严谨和冷静的理性光辉。他处理概念的方式,更像是在进行一场精密的数学推导,每一步的论证都建立在前一步的基础上,不容许丝毫的松懈。最让我感到震撼的是他对“感知”的探讨,他如何将艺术史、社会学和认知心理学熔于一炉,构建了一个关于人类如何观看世界的全新模型。这本书绝不是那种可以轻松翻阅的消遣读物,它更像是一份学术圣经,需要反复研读,甚至做笔记对照。我强烈建议,只有在心无旁骛、环境绝对安静的情况下,才能真正领略到它那份冷峻的美感和磅礴的学术野心。

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