繪畫探索入門:花卉彩繪

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出版者:視傳文化事業有限公司
作者:Elisabeth Harden
出品人:
页数:128
译者:周彥璋
出版时间:2012-7-1
价格:NT$460
装帧:
isbn号码:9789867652584
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
  • 花卉
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  • 儿童绘画
  • 花卉图案
  • 色彩搭配
  • 绘画启蒙
  • 绘画爱好
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具体描述

指導觀察植物與花卉的奇妙構造和造形之美。

* 傳授有關室內與戶外寫生的構圖訣竅。

* 指導如何選擇顏色與基本配色原理。

* 清晰的彩色示範圖詳細解說所有技法實務

主题:光影的魔法与情感的叙事——探索静物摄影的深度表达 图书名称:《凝视瞬间:静物摄影中的光影哲学与情感空间》 图书简介 本书深入剖析静物摄影这一看似平静的艺术形式背后所蕴含的复杂视觉语言与深层情感张力。它不仅仅是一本技术指南,更是一部关于“观看”与“表达”的哲学思考录,旨在引导读者超越单纯的记录,进入构建、诠释与情感投射的创作领域。 第一部分:静物摄影的本体论——被忽视的日常之诗 静物摄影,常常被误解为是对物体的机械复制,但本书开篇即确立了其核心地位:它是对存在(Being)的一种凝视,是对时间流逝的温柔挽留。我们首先探讨静物的历史脉络,从荷兰黄金时代的油画静物(Vanitas)到20世纪的现代主义静物,追溯其如何从装饰性转变为具有强大批判性与象征意义的视觉载体。 1. 物体的“在场”与缺席: 我们将深入研究如何通过对单一或多组物体的选择与排列,来暗示叙事。一个破碎的陶罐、一本翻开的旧书、一片枯萎的叶子,它们所代表的“缺席”往往比“在场”更具力量。书中详细解析了“象征主义”在静物构图中的应用,如何利用古典的符号学原理,赋予日常物件以形而上的意义。 2. 材质的对话: 材质是静物摄影的灵魂。本书用大量篇幅阐述如何捕捉和表现不同材质的质感——金属的冰冷锐利、丝绸的柔顺流动、木材的粗粝肌理与皮肤的微妙光泽。这需要对光线与微距的极致把控。我们分析了如何利用特定镜头(如移轴镜头或特写镜头)来夸张或柔化材质的细节,使观众几乎能通过视觉“触摸”到物体。 第二部分:光线的建筑学——构建视觉的骨架 光线是摄影的原材料,在静物摄影中,它更是构建空间、塑造形态和引导情绪的建筑师。本书摒弃了僵硬的布光图,转而强调“光线的性格”。 1. 单源光的戏剧性: 我们重点研究伦勃朗光、蝴蝶光以及侧逆光在静物中的应用。书中通过一系列案例分析,展示如何利用一块反光板或一块黑旗板,在不增加光源的情况下,彻底改变物体的体积感和氛围。特别地,我们探讨了“暗部细节的保留”与“高光边缘的控制”,这决定了一张静物照片的深度与层次感。 2. 漫射与散射的艺术: 柔和的自然光(如窗边光)如何营造出“田园牧歌式”的宁静感?本书详细解析了柔光箱、柔光伞以及硫酸纸等基础工具,如何在不同距离和角度下,将硬光转化为具有空间感的漫射光。我们还探讨了多层滤镜系统(如偏振镜与中灰渐变镜)在控制复杂环境光线下的精妙运用。 3. 色温与情绪光谱: 色温不仅仅是白平衡的设置,它是情感的编码。冷调(蓝调)如何烘托出疏离与思考,暖调(琥珀色)如何营造出怀旧与温馨?本书通过色域分析,指导创作者如何根据想要表达的主题,精确地调配环境光与补光的色温,实现色彩语言的统一性。 第三部分:空间与构图的交响——从平面到深度 静物摄影的构图挑战在于,如何在二维平面上创造三维的视觉体验,并引导观众的视线路径。 1. 负空间的哲学利用: 画面中“什么都没有”的部分,往往比物体本身更重要。本书强调对负空间(Negative Space)的主动设计,如何利用大面积的留白来衬托主体,营造呼吸感和意境。我们分析了东方美学中“间白”的概念如何与西方构图法则相结合,实现平衡。 2. 节奏与引导线: 构图是物体的排列舞蹈。本书详细解读了黄金分割、三分法、对角线构图等经典法则在静物中的灵活变体。重点在于“节奏感”的建立——如何通过物体的大小、形状差异,在画面中创造出视觉的起伏和韵律,引导观众的目光在主体与背景之间自然游走。 3. 景深的叙事力量: 景深(Depth of Field)不再只是对焦点的技术控制,而是叙事的工具。浅景深如何隔离主体,创造梦幻般的效果?深景深如何展现物体的整体关系和环境的氛围?我们探讨了超大底画幅与微距镜头在景深控制上的不同取向及其对最终表达的影响。 第四部分:后处理的“重塑”——数字暗房中的诠释权 后期处理是现代静物摄影的第二个创作阶段。它不是对现实的修正,而是对创作者内心“真实”的重构。 1. 细节的雕琢与减法: 我们将讲解高阶的蒙版技术(如通道混合与频率分离),用于精确控制特定材质的细节增强或弱化。关键在于克制——如何避免过度锐化带来的数字“噪点感”,如何通过精准的曲线调整,恢复或强化光影的微妙过渡。 2. 情绪的色彩分级(Color Grading): 告别预设滤镜,本书侧重于定制化的色彩分级流程。如何使用HSL工具、分离色调以及曲线工具的RBG通道,来构建一种独特、具有个人印记的影调风格。例如,如何通过轻微的青色或洋红偏移,来赋予画面一种永恒的、胶片般的质感。 3. 纹理与氛围的叠加: 在某些需要增强历史感或脆弱感的作品中,适当地引入纹理(如纸张、灰尘或轻微的颗粒感)是必要的。本书提供了安全而有效的方法,将纹理作为“情绪层”叠加到图像上,确保其与主体完美融合,而不是显得突兀。 结语:静默中的呐喊 《凝视瞬间》旨在将读者从“拍得像”的桎梏中解放出来,鼓励他们去“感受”和“表达”。静物摄影的终极魅力在于,它迫使我们将全部的注意力集中于最微小的事物之上,从而在无声的物体陈列中,发现最深刻的人性、时间与存在的意义。这是一场与光影、材质和自身情感的深度对话。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的语言风格非常具有亲和力,读起来完全没有枯燥的学术气息。作者似乎在用一种和朋友分享心得的方式在传授技巧,语气中充满了鼓励和鼓励。比如,在介绍一个相对复杂的透视技巧时,作者会用一句“没关系,多画几遍就会找到感觉的!”来缓解读者的挫败感。这种积极的心理暗示对于长期学习绘画的人来说非常重要,因为绘画过程中犯错是常态,好的教程不仅要教技巧,更要教会你如何正确面对失败。而且,书中所选取的案例花卉,大多是日常生活中常见的品种,既有观赏性,又容易找到实物进行观察写生,极大地拉近了理论与实践的距离。总而言之,这是一本将专业知识、人性化引导和精美图例完美结合在一起的优秀入门读物,完全值回票价。

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这本书在色彩理论的应用上做得尤为出色,远超我预期的深度。很多入门书对色彩的讲解总是停留在“冷暖色调”的简单划分,但这本书深入探讨了色彩的饱和度、明度以及它们在自然光下的微妙变化。例如,它有一章专门讲解了如何调配出真实、富有层次感的花卉阴影色,而不是简单地用黑色去压暗。作者展示了如何利用对比色和邻近色来增加画面的生动性,即便是描绘一朵看似简单的白花,通过周围环境色的反射光,也能画出丰富而不呆板的效果。我尝试跟着书中的调色盘进行练习,发现自己对色彩的敏感度确实提高了,以前总觉得自己的画“灰”或者“脏”,现在能更好地控制颜料的用量和混合方式,画面通透感明显增强。对于想要摆脱“画画像涂色本”状态的初学者来说,这部分的教学简直是醍醐灌顶。

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从内容结构来看,这本书的编排逻辑非常清晰流畅,完全没有那种为了凑页数而堆砌内容的空洞感。它采取了一种主题式的进阶结构,从最初的单色线条稿,过渡到初步的上色练习,再到后面复杂的花束组合和场景背景处理。我发现作者非常注重“解决问题”的导向,比如当你在画叶脉时容易遇到的线条僵硬问题,书中会立刻提供几种不同的处理技巧,并附带详细的对比图。此外,它还穿插了一些非常实用的“工具与材料的保养”小贴士,这些细节体现了作者对绘画实践的深入理解,知道学习者在实际操作中会遇到哪些麻烦。读完前半部分,我不再惧怕复杂的结构,而是开始尝试自己去“拆解”遇到的任何花卉形态,这标志着我真正开始从模仿走向自主创作了。

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这本书的装帧设计简直是视觉的享受!封面那张油画风格的花卉插图,色彩层次丰富得让人移不开眼,尤其是那几朵盛开的玫瑰,光影处理得极其细腻,仿佛能闻到花香。内页的纸张质量也相当不错,不是那种反光的廉价纸张,阅读起来非常舒适,即使用马克笔或水彩在上面做笔记也不会轻易洇墨。排版上,作者似乎非常注重读者的体验,字体大小适中,留白处理得当,即便是大段的文字说明也不会让人感到压迫。最让我惊喜的是,书的装订非常牢固,可以完全平摊在桌面上,这对绘画教程来说简直是刚需,不用费力去按住书页,可以专心致志地投入到学习中。这本书不仅仅是一本教程,更像是一件艺术品,无论是放在书架上还是随手翻阅,都能带来愉悦的心情。从第一页开始,我就感觉自己被带入了一个充满艺术气息的宁静空间,对即将开始的学习之旅充满了期待。

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我是一个零基础的绘画爱好者,之前尝试过好几本入门教程,但大多要么理论讲得过于晦涩,要么步骤跳跃得太快,让我总是摸不着头脑。这本《繪畫探索入門》给我的感觉完全不同,它就像一位耐心十足的老师,一步一步地引导你进入绘画的世界。它没有上来就让你画复杂的结构,而是从最基础的线条、形状开始,用非常生活化的语言解释了什么是“观察”和“表现”。我特别喜欢它对于“光影”的解析,它不是简单地告诉你“哪里要加深”,而是解释了光线是如何与物体表面发生关系的,这种底层逻辑的讲解,让我在尝试描绘不同材质的花瓣时,不再是死记硬背,而是真正理解了如何去“塑造”体积感。里面的示范图例,每一步的渐进性都设计得非常科学,让你每完成一个小步骤,都能获得显著的进步感,这种正向反馈极大地增强了我坚持下去的动力。

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