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出版者:Birkhäuser

作者:Uta Brandes

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2009

价格:0

装帧:

isbn号码:9783764388669

丛书系列:

图书标签:

• BA
• 设计
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《静默的几何：现代主义建筑的文本与身体》 导言：在物质与意义的交界处徘徊 本书旨在对二十世纪初至中叶的现代主义建筑思潮进行一次深入的、去中心化的文本学与现象学考察。我们不再将现代主义视为一个同质化的、由少数巨匠主导的“风格革命”，而是将其视为一系列在特定的历史、技术和社会语境下涌现、争论和重构的“叙事集合”。《静默的几何》聚焦于那些在主流叙事中被边缘化、被简化或被误读的文本、图纸、模型和身体经验，试图揭示隐藏在清晰的几何形式之下的复杂张力与未完成的承诺。 本书的核心论点是：现代主义建筑的真正驱动力并非单纯的效率或美学纯粹性，而是对“如何居住”这一古老问题的激进回应，这种回应通过对传统符号系统的解构和对新媒介（如摄影、电影和标准化的工业材料）的积极采纳而得以表达。 第一部分：符号的崩塌与新语言的生成 本部分考察了构成现代主义建筑理论基础的语言学转向。我们详细分析了莱昂·巴蒂斯塔·阿尔伯蒂（Leon Battista Alberti）的古典建筑理论如何在十九世纪末期被系统性地质疑。重点研究对象是阿道夫·卢斯（Adolf Loos）的“装饰与罪恶”论断，但我们超越了对其道德批判的简单复述，转而探究其如何通过对“纯粹体量”的追求，实际上构建了一种新的、技术驱动的符号系统。卢斯对维也纳“饰品”的清除，并非简单地指向极简，而是一种试图将建筑语言还原为可量化、可交流的“技术指令”的努力。 接着，我们深入剖析了“功能主义”一词在不同语境下的裂变。在法国，勒·柯布西耶（Le Corbusier）的“机器美学”如何从对工业化生产的浪漫想象，逐渐演变为一种对标准化、可复制的“原型”的执念。我们对比分析了他在《走向新建筑》（Vers une architecture）中使用的、深受汽车和航空领域影响的术语，与他在具体项目（如萨伏伊别墅）中处理材料肌理和光线变化时的精细手工操作之间的内在矛盾。这种矛盾，即理论上的机械论与实践中的具身性（Embodiment）之间的张力，构成了理解现代主义复杂性的关键入口。 此外，本章对荷兰“风格派”（De Stijl）的构成主义美学进行了细致的文本辨析。皮特·蒙德里安（Piet Mondrian）的绘画理论如何被引入到赫里特·里特维尔德（Gerrit Rietveld）的建筑实践中，例如红蓝椅和施罗德住宅。我们论证了风格派试图通过消除深度、依赖正交网格来达到“宇宙和谐”的努力，在转化为三维空间时，不可避免地引入了观看者运动轨迹所产生的“时间切片”，从而暴露了其二维理想与三维现实之间的鸿沟。 第二部分：身体、空间与经验的重新校准 如果说第一部分关注的是抽象的语言和形式，那么第二部分则将焦点转向建筑作为身体经验的场域。我们摒弃了将现代主义建筑视为“纯粹的视觉艺术品”的传统观念，转而关注居住者、行走者和观察者的感官参与。 本章深入探讨了德国包豪斯（Bauhaus）在魏玛和德绍时期的教学实践，特别是其对“材料研究”和“空间体验”的重视。通过分析约翰内斯·伊顿（Johannes Itten）和拉斯洛·莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy）在基础课程（Vorkurs）中的教学大纲，我们揭示了现代主义设计师如何试图“重新训练”身体对光、影、重量和比例的感知。这不仅仅是技术训练，更是一种文化重塑，旨在使身体能够适应由钢筋混凝土和玻璃幕墙定义的新世界。 我们对汉斯·梅耶（Hannes Meyer）时期包豪斯的社会学倾向进行了批判性回顾。梅耶提出的“人民的需求而非对奢侈品的需求”（Volksbedarf statt Beduerfnisluxus）口号，如何影响了诸如德累斯顿的百人社（Weissenhof Estate in Stuttgart）和巴塞罗那博览会的德国馆等项目的设计哲学？本研究强调，梅耶的唯物主义方法虽然旨在服务社会，却在面对实际的政治干预和建筑经济的限制时，其理论的强度受到了严峻的考验。 此外，本部分对现象学家默洛-庞蒂（Maurice Merleau-Ponty）的身体哲学与现代主义空间理论进行了跨学科对话。我们分析了路易斯·康（Louis Kahn）后期作品中对“光线如何停留”（light that waits）的执着，以及对“服务空间”和“被服务空间”之间戏剧性张力的处理。康并非简单地回归传统，而是利用现代材料的巨大尺度感，重新激活了身体在面对永恒与尺度时的敬畏感和谦卑感。这与早期现代主义追求的透明性、无缝性形成了鲜明的对比。 第三部分：技术、媒介与“世界观”的构建 本书的最后一部分探讨了支撑现代主义蔓延的技术和媒介手段。我们认为，现代主义的成功在很大程度上依赖于其对新兴传播技术的精妙运用。 我们详细分析了建筑摄影在现代主义全球传播中的关键作用。摄影师（如费迪南德·普雷斯或朱利斯·希尔）如何通过特定的构图、角度和后期处理，系统性地“清洗”掉建筑项目中的生活痕迹、混乱的周边环境，以及那些不符合理论纯粹性的细节？这些经过高度编辑的图像，成为了现代主义的“标准范本”，它们塑造了全球对“现代建筑应该是什么样子”的集体想象，甚至掩盖了不同地域（如热带气候或非西方语境）对这些形式的实际适应和改造过程。 随后，我们探讨了工业化生产和建筑标准化的伦理困境。面对批量化生产的预制构件和模块化设计，现代主义建筑师在追求效率的同时，如何在作品中注入“原创性”或“灵气”（Genius Loci）？我们比较了奥斯卡·尼迈耶（Oscar Niemeyer）在巴西利亚利用流线型和混凝土雕塑来对抗工厂化冷漠的尝试，与米斯·凡德罗（Mies van der Rohe）对“通用空间”（Universal Space）的极致追求。这两种看似对立的策略，实际上都是对技术带来的“去语境化”趋势的回应。 结语：未竟的现代性 《静默的几何》最终的结论是：现代主义并非一个已经完成的历史阶段，而是一系列持续进行的对话和未解决的紧张关系。它的“纯粹”表象是对自身内在复杂性的遮蔽。通过对文本、身体经验和媒介技术的重新审视，本书试图为理解二十世纪建筑遗产提供一种更具批判性和细微差别的视角，认识到几何形式背后的每一次犹豫、每一次妥协和每一次胜利。它邀请读者重新进入这些经典作品的语境，去聆听那些被历史的宏大叙事所压抑的、静默的声音。

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“Design Durch Gebrauch”，这几个字组合在一起，像是一个宣言，又像是一句温柔的邀请。我一直认为，真正的设计，是不能脱离“人”而存在的。而“人”最真实的状态，恰恰体现在他们的“使用”之中。这本书的书名，就精准地捕捉到了这一点。它提醒我，设计不应仅仅是少数天才的灵光乍现，而更应该是一个持续互动、不断优化的过程。在这个过程中，使用者扮演着至关重要的角色，他们的反馈、他们的习惯、甚至他们的错误，都是宝贵的“设计素材”。我想象着，这本书会不会剖析那些看似偶然的“使用方式”，如何反过来塑造了产品的最终形态？会不会探讨那些在无意间诞生的“创意”，是如何被纳入设计考量的？我个人对那些“反向设计”的案例特别感兴趣，也就是产品并不是按照设计师的最初设想去使用的，反而用户找到了更巧妙、更符合他们需求的方式，而这种方式最终被设计师采纳，甚至成为产品的核心卖点。这种“使用者驱动”的设计理念，在当今快速变化的时代，显得尤为重要。我非常期待这本书能够给我带来新的视角和思考，让我更深入地理解“使用”的力量。

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这本书的书名很有意思，带着一种德国式的严谨和对生活的热爱。我一直对“通过使用来设计”这个概念非常着迷。我总觉得，很多时候我们过于依赖抽象的理论和预设的框架，反而忽略了事物最本质的功能和它在实际使用中被赋予的生命力。这本书的名字，仿佛就在提醒我，去打破那些条条框框，去拥抱那些在真实世界中不断演化和被塑造的形态。想象一下，一个产品，不是被冷冰冰地摆在展台上，而是被人们无数次地触摸、使用、甚至是不经意地损坏，然后又在修补和适应中焕发出新的光彩。这种设计哲学，听起来就充满了一种人文关怀和对生命过程的尊重。我很好奇，作者会如何深入地探讨这个主题？是会从历史的视角，梳理出“设计通过使用”是如何在不同的文化和时代背景下孕育和发展的？还是会聚焦于当代的案例，分析那些成功的、甚至是一些看似“粗糙”却充满智慧的设计？亦或是会提供一套切实可行的方法论，指导我们在自己的设计实践中，如何更好地倾听用户、理解用户，并最终创造出更具生命力的作品。这本书的名字，已经在我脑海中勾勒出了一幅充满可能性和探索精神的图景。

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这本书的书名，带着一种朴实而深刻的智慧。我经常在思考，为什么有些产品能够历经时间洗礼，依然保持其魅力和实用性？我想，“Design Durch Gebrauch”或许就点破了其中的关键。它暗示着，设计的价值不仅仅在于其初期的构思和制造，更在于它在实际生活中被反复检验、打磨和适应的过程。想象一下，一件工具，它可能没有华丽的外表，但它的每一个细节都经过了长年累月的实践打磨，完美地契合了使用者的手感和需求。这种“使用者”的体验，是任何理论模型都无法完全替代的。这本书的书名，让我联想到那些经典的老物件，它们或许已经不再是最前沿的技术，但它们在无数次的使用中，与使用者建立了深厚的情感连接，并且以一种润物细无声的方式，改变着人们的生活习惯。我希望这本书能够深入探讨这种“使用”所带来的设计演变，比如，用户是如何通过他们的习惯性动作，无意中“设计”了产品的某个功能？或者，当产品无法满足用户需求时，用户是如何通过自己的创造力，对产品进行“二次设计”？这种动态的、互动的关系，是我对这本书最感兴趣的地方。

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“Design Durch Gebrauch”，这个书名，听起来就有一种返璞归真的感觉。我一直觉得，很多时候我们过度追求“创新”和“独特性”，反而忽略了设计最根本的属性——解决问题和满足需求。而“使用”，恰恰是检验设计是否有效的最终标准。这本书的名字，仿佛在告诉我，真正的设计，是扎根于现实土壤的，是在与现实世界的互动中不断生长的。我很好奇，作者会如何解读“Gebrauch”这个词？它是否仅仅指物理上的使用，还是包含了更广义的社会、文化和情感层面的“使用”？我期待这本书能够提供一些新鲜的案例，展示那些通过“使用”而获得新生命的设计。比如，一些老旧的建筑，在新的功能和使用者的需求下，被赋予了新的生命，而这种“新生”恰恰是原有设计在时间流转中的一种自然延伸。或者，一些传统的手工艺，通过现代的设计理念和使用方式，焕发出了新的活力。我相信，这本书的书名背后，一定隐藏着关于如何让设计更贴近人、更具生命力的深刻洞见，而这正是我一直所追求的。

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这本书的书名，读起来有一种沉静的力量，仿佛一位经验丰富的工匠在娓娓道来他的心得。我对“ Gebrauch”（使用）这个词的理解，远不止于简单的功能性。我更倾向于它所包含的那种“习惯”、“方式”和“积累”的意味。设计，如果在没有真正融入人们的生活，没有被反复打磨和体验，那它是否还称得上是“设计”？我总觉得，伟大的设计，往往是能够超越表面的美学，触及到人们内心深处的某种需求，并且随着时间的推移，与使用者的生命轨迹融为一体。想象一下，一件传家宝，它的价值不仅仅在于材质和工艺，更在于它承载了多少代人的记忆和情感。它在被使用的过程中，留下了独特的痕迹，这种痕迹本身就是一种设计，一种由时间和生活谱写的叙事。这本书的书名，让我联想到很多这样的例子，那些看似普通却充满智慧的设计，它们不是凭空出现的，而是经过了无数次的试错、调整和适应。我期待这本书能够带领我，去深入理解这种“使用”所蕴含的深层意义，去发现那些隐藏在日常生活中的设计哲学，并从中获得启发，去创造更有温度、更有生命力的作品。

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