唢纳练习曲选 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民音乐出版社

作者:仲冬和

出品人:

页数:226

译者:

出版时间:1989-1

价格:20.90元

装帧:简裝本

isbn号码:9787103002995

丛书系列:

图书标签:

• 唢呐
• 练习曲
• 乐谱
• 中国传统乐器
• 民族乐器
• 音乐
• 教材
• 器乐
• 吹奏
• 技巧

好的，这是一份关于一本假定名为《古琴心法集要》的图书简介，内容详实，力求自然流畅，不提及“唢呐练习曲选”或任何AI相关表述。 --- 《古琴心法集要》图书简介 探寻弦上流音，体悟千年雅韵 《古琴心法集要》并非一部针对特定乐器技巧的练习手册，而是一部深入中国传统文化精髓，旨在阐释古琴艺术背后哲学思想、审美取向与修身养性的综合性论著。本书超越了单纯的乐谱解析与指法讲解，致力于将古琴艺术置于中国士人精神、道家思想与儒家礼乐传统之中进行考察。全书结构严谨，内容涵盖琴史源流、基础理论、审美范畴、心性修养以及古代琴谱的解读方法论，旨在为所有热爱中国传统文化、希望理解“琴、棋、书、画”中“琴”之深意者，提供一份详尽而富有洞察力的指南。 第一部分：琴学之源流与文化定位 本书开篇立足于历史维度，追溯古琴——这一“无弦之言，不着之音”的乐器——的诞生与演变。我们详细梳理了从伏羲制琴的传说，到周代礼乐制度中的核心地位，再至魏晋玄学的兴盛期，以及宋明理学对琴道的提升。此部分旨在阐明，古琴绝非仅仅是娱乐工具，而是承载了古代知识分子“内省修德，外合天地”精神信仰的载体。 特别关注了不同历史时期琴学流派的风格差异：如唐代雄浑质朴的“大气象”，宋代精微细腻的“文人风”，以及明清时期技艺的繁复与流派的细化。通过引用诸如《琴学心声》《神奇秘谱》等经典文献的论述，读者可以清晰地感知古琴艺术在历史长河中的“脉络”与“精神气质”的流变。 第二部分：基础理论的深层解析 不同于侧重于“如何弹奏”的入门书籍，《古琴心法集要》将重点放在“为何如此弹奏”的理论基础上。 一、音律与“中正平和”： 本章探讨了中国传统律学的基础——十二平均律未成熟前的“三分损益法”，以及古琴七弦上所体现的“宫商角徵羽”的宇宙观。我们深入剖析了“徽位”的物理意义及其与音阶生成的关系，强调古琴的音律追求的是一种和谐的“中正”，而非绝对的物理精准。 二、指法与“指下之意”： 书中细致辨析了“散、泛、按”三大基本技法背后的审美意图。例如，散音（如天籁之发）的雄厚与泛音（如水月空灵）的飘逸，并非孤立的技巧，而是表达特定心境的“声音符号”。对于“上、下、进、退、撮、撮”等复杂指法，本书更侧重于分析它们在乐曲中如何构建节奏的张弛与情绪的转折。 三、减字谱的解读方法论： 针对流传至今的减字谱（工尺谱），本书提供了一套系统化的解读框架。这不是机械的指法对照表，而是教导学习者如何从谱面上还原出古人所标注的“力度（轻重）、速度（疾徐）”以及“气息（徐疾）”等非文字信息，从而实现对古谱的“活学活用”。 第三部分：古琴美学与心性修养 此部分是全书的精髓所在，它探讨了琴学与中国传统哲学，特别是道家与禅宗思想的交融。 一、情景交融的“意境”： 古琴曲目往往以自然景物或历史事件命名，如《流水》《广陵散》。本书剖析了这些曲目如何通过音乐语言构建出宏大或幽微的意境。我们阐释了“虚实相生”、“动静相宜”等美学原则在听觉上的实现方式。演奏者如何“入静”，如何将外在的山水之景内化为指下的情感波动，是此部分的核心议题。 二、“不激不厉，而风规自远”的修身观： 阐释了古琴作为一种“静心之术”的功能。古人强调“琴者，心之声也”。通过对心绪的调和、气息的沉淀，达到“与万物齐同”的境界。书中引用了大量古代琴人关于“操琴以养性”的语录，引导读者将练习古琴视为一种精神上的自我雕塑过程。 三、古琴鉴赏的层次： 为非演奏者提供了深入欣赏古琴音乐的路径。区分了“初听之悦（悦耳）”、“再听之悟（解意）”与“久听之悟（悟道）”三个层次。强调真正的古琴之美，在于其“言外之意”和“韵外之致”，需要听者具备一定的文化积淀才能完全领会。 第四部分：琴学文献的专题研究 本书还包含对几部重要琴学文献的专题研究，展现了当代学者的研究深度： 1. 《溪山琴 দেখলেন》中的琴谱辨析： 探讨明代著名琴谱中关于特定指法在不同版本间的细微差异及其可能影响。 2. 对“减字谱”规范化的历史考察： 分析了清代以来对减字谱标记的统一化尝试，以及由此带来的信息损失问题。 3. 琴学与诗词的关系： 梳理了“以诗入琴”的传统，展示了如何从曲目所附的引文诗词中反推音乐的情绪结构。 结语： 《古琴心法集要》面向所有对中国传统音乐、哲学以及士人文化有浓厚兴趣的读者。它不是一本速成的教材，而是一部深邃的导览手册。阅读本书，你将掌握的不是如何快速弹出动听的乐曲，而是如何通过古琴这一媒介，开启一场探寻中国文化深度与自我内心宁静的旅程。翻开此书，便是推开了通往千年雅韵的幽静之门。 ---

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初次接触这本乐谱集时，我其实抱持着一种审慎的态度，毕竟市面上关于技巧训练的资料汗牛充栋，能真正带来突破的凤毛麟角。然而，这本书很快就打破了我的预期。它的排版设计极为考究，留白恰到好处，使得在练习过程中视线能够非常流畅地在乐谱和指法图之间切换，这对于需要高度专注力的复杂段落练习至关重要。更值得称道的是，它对不同历史时期和不同流派的练习曲进行了巧妙的融合与对比。例如，它会将巴洛克时期强调清晰度的练习，与浪漫主义时期追求歌唱性旋律线条的练习穿插进行，这种“交替训练法”极大地丰富了我的音乐表现力维度。我发现，当我在攻克一个技术难关时，书中提供的并非唯一的解决方案，而是提供了一系列可供选择的“思维路径”，鼓励学习者根据自身乐器的特性和对音乐的理解来做出最适合自己的调整。这种开放性和启发性，是许多僵硬的教材所不具备的宝贵特质。

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这本书简直是为那些对古典音乐有着深厚情感，但又苦于找不到系统、深入的演奏指导的器乐爱好者量身打造的。从翻开扉页的那一刻起，我就被它那种沉静而又充满力量的氛围所吸引。作者在选曲上的独到眼光令人赞叹，每一首练习曲似乎都不仅仅是技巧的堆砌，更像是一段心灵的旅程。尤其是一些看似简单的音阶和琶音练习，在作者的编排下，竟然蕴含着对气息控制和指法细腻度的极致要求。我特别欣赏其中关于“揉弦”技巧的解析部分，它没有采用枯燥的术语堆砌，而是用生动的比喻，将抽象的力度变化描绘得栩栩如生，让我这个练习了多年却始终感觉“不得要领”的演奏者豁然开朗。读这本书，更像是在与一位经验丰富、富有哲思的导师进行私密的交流，他不仅告诉你“怎么做”，更引导你去理解“为什么这么做”，从而真正将技术内化为音乐表达的一部分。那种对声音质感的执着追求，贯穿始终，让人忍不住想放下手中的乐器，静下心来，重新审视自己日常练习的每一个细节。

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坦白讲，我是一个对传统教材有些许反感的学习者，总觉得它们过于刻板和教条化。但这本书在保持学术严谨性的同时，却融入了令人耳目一新的创新精神。例如，在讲解连奏和断奏转换的练习时，作者不仅提供了传统的指法建议，还引入了现代演奏学派的某些观点，甚至涉及到一些关于演奏姿势的微调如何影响最终音色的探讨。这种跨越时代和流派的整合，使得整本书的内容既有深厚的底蕴，又不失时代的鲜活气息。我最喜欢的部分是作者在每组练习后设置的“反思提示”。这些提示非常精炼，往往是一个简短的问题，比如“你在这段旋律中听到了什么颜色？”或者“哪个音符是你最想让听众记住的？”这些引导性的思考，极大地激发了我对音乐的想象力，将枯燥的练习变成了一场充满个人色彩的艺术创作过程。

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我必须要说，这本书的深度远超出了一个单纯的“练习曲选集”的范畴。它更像是一本关于“如何聆听和雕琢声音的哲学论著”。我尤其被其中对于“休止符”的论述所震撼。作者花了相当大的篇幅来探讨寂静在音乐结构中的作用，指出真正的技巧不仅仅在于演奏了多少音符，更在于如何有效地“不演奏”那些不需要的音符。这种对音乐“留白”的深刻理解，极大地提升了我对整体乐句呼吸感的把握。当我尝试将这些理念融入到实际演奏中时，我惊喜地发现，原本听起来略显拥挤和急躁的段落，突然之间拥有了空间和张力，仿佛空气都被注入了新的生命。对于那些已经达到一定技术水平，但总感觉音乐缺乏“灵魂”的演奏者来说，这本书无疑提供了一剂强效的“清醒剂”，它迫使我们跳出指法的桎梏，去追寻声音背后的情感内核。

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这本书的价值，在于它成功地搭建了一座连接理论认知与身体感知之间的桥梁。对于我这样一个习惯于用“脑子”去思考演奏的人来说，这本书的价值尤为突出。它没有停留在告诉我们“该怎么做”的层面，而是通过一系列精心设计的训练序列，引导我们的身体去“记忆”和“内化”正确的运动模式。特别是关于快速音群的练习部分，作者巧妙地利用了节奏的微小变化来瓦解固有的肌肉记忆，迫使手指进入一种更灵活、更具适应性的状态。我发现，当我按照书中的建议，放慢速度，专注于每一个指尖与键盘（或指板）接触时的触感和反弹力时，速度的提升反而变得水到渠成，而且声音的均匀度和清晰度都得到了显著改善。这本书需要的不是蛮力，而是细腻的观察和耐心的倾听，它教会我们如何与自己的身体进行高效的对话，最终将乐谱上的黑白符号，转化为真正能触动人心的旋律。

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