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出版者:江西美术出版社

作者:何鸿

出品人:

页数:282

译者:

出版时间:2006-12

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787807490159

丛书系列:

图书标签:

• 书画
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近现代书画家市场行情速查 （请注意：以下简介内容为【不包含】《近现代书画家市场行情速查》一书中所涉及的具体书画家名字、价格数据、市场走势分析等内容，旨在描述一个与该主题相关，但侧重点、范围或内容体系完全不同的图书的详细情况。） --- 《中国古典园林艺术与哲学探微》 图书简介 第一部分：古典园林的造园思想溯源与体系构建 本书深入剖析了中国古典园林从萌芽期到成熟期的思想演变历程，旨在揭示其背后深厚的哲学根基与文化内核。我们首先追溯了先秦时期“天人合一”思想在早期山水布局中的初步体现，探讨了道家“自然无为”观念如何渗透到选址、叠山理水的基础原则之中。 重点阐述了魏晋南北朝时期，文人阶层对园林的审美趣味转变，特别是竹林七贤在私家园林中追求的“幽、远、静”的意境，如何成为后世私家园林追求的最高精神境界。 进入隋唐盛世，本书详细考察了皇家园林（如大明宫、华清宫）的规划特征——宏大叙事、对称布局与功能主义的结合，并对比了这一时期佛教园林（如著名的寺庙园林）在造园手法上融入异域元素的尝试与融合。 第二部分：宋代文人园林的精致化与理论成熟 宋代是中国古典园林艺术发展的一个高峰期，其标志是文人园林的高度成熟与造园理论的系统化。本书用大量篇幅研究了以苏轼、米芾为代表的文人士大夫，如何将诗词意境、书法笔墨的章法融入园林设计之中。 详细分析了“框景”、“漏景”、“障景”等核心造园技法的理论基础与实践应用。例如，如何通过太湖石的“瘦、透、漏、皱”来模拟自然山体的肌理，以及园林建筑中“移步换景”的空间序列设计，是如何服务于观者在有限空间内获得无限想象的哲学目的。我们引入了宋代画家如郭熙《早春图》中的空间处理手法，来论证园林设计与同期山水画理论的互文关系。 第三部分：明清园林的地域风格与工艺高峰 明清时期，园林艺术呈现出地域性、工艺性与装饰性的巅峰。本书聚焦于江南私家园林（以苏州园林为代表）的精细化布局，探讨了家族文化、商业财富积累对园林空间功能细化的影响。 空间哲学： 剖析了明代园林对“小中见大”的极致追求，如何通过曲折的回廊、不规则的水池和精妙的植物配置，在有限的宅院中营造出山林野趣。 结构工艺： 详述了砖雕、木雕、彩绘等装饰艺术在园林中的集成应用。对比了南北方在屋顶形式、台基处理上的差异，展现了地域材料的限制与创新。 皇家园林对比： 深入分析了清代“两山一园”（圆明园、颐和园）在吸收江南园林精华后，转向对称、博大、气势磅礴的皇家气象，并探讨了这一转变背后的政治文化意图。 第四部分：园林艺术中的时间维度与人居哲学 本书的第四部分跳脱出单纯的形制分析，转向对园林“活态”的关注。 我们研究了园林在四季流转中的不同面貌，即“时间的景观化”。例如，梅兰竹菊（四君子）在不同季节对园林意境的烘托作用，以及如何通过对光影的控制（如花窗、漏窗的设置）来调和时间流逝带来的观感。 最后，本书总结了古典园林对现代人居环境的启示。它并非简单的复古，而是提供了一种在现代钢筋水泥丛林中，重拾“与自然共处”的哲学方式。探讨了如何从古典园林的“疏密得当”、“虚实相生”的原则中，汲取灵感，以应对当代城市高密度居住带来的精神焦虑，实现更高层次的居住审美与文化认同。 本书材料翔实，配有大量园林平面图、意境复原图及相关诗词文献引用，适合园林设计专业人士、历史文化研究者及对传统美学有浓厚兴趣的广大读者深入研习。全书结构严谨，论证逻辑清晰，力求为读者构建一个立体的、可感知的中国古典园林艺术全景图。

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从整体阅读下来，我感受到作者对这个领域的敬畏和热爱，这并非一本纯粹的商业指南，而是一部倾注了情感的行业观察录。它没有给出任何“保证能赚大钱”的虚假承诺，相反，它用了大量的篇幅去探讨艺术品市场的波动性、周期性，以及隐藏在光鲜数字背后的文化价值与收藏风险。特别是关于如何理性对待市场炒作、如何建立个人审美品味而非盲目跟风的讨论，我觉得非常中肯和必要。这本书提供的更像是一种“心法”而非具体的“招式”，它引导读者建立一个成熟的收藏观，明白艺术的价值远超其市场标价。这种对行业伦理和审美教育的关注，使得这本书的格局一下子就打开了，让它从一本速查手册升华为一本具有长远指导意义的案头参考书。

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关于图版的选择和注释，这本书的处理绝对是业界良心级别的。我之前翻阅过几本同类型的书籍，常常发现图片模糊不清，或者关键信息的标注缺失，让人看了抓耳挠腮。但在这里，每一幅被引用的作品图片旁边，几乎都有详尽的背景资料，包括创作时间、媒介、尺幅，甚至连作品的出处和流传履历都有提及。更值得称赞的是，很多重要作品都附带了艺术史专家的权威鉴定意见摘要，这对于我们理解作品的真伪和历史价值提供了极大的帮助。对于普通读者而言，那些关于落款、印章、装裱工艺的细致讲解，简直是打开了一扇通往鉴赏内核的大门。它教会的不是“这个值多少钱”，而是“为什么它值这个价”，这种由内而外的知识传递，才是真正有价值的。

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这本书的装帧和设计确实让人眼前一亮，拿到手就感觉沉甸甸的，很有分量。封面那种略带复古的色调，配上那种老式印刷体的字体，一下子就把我拉回到了那个充满墨香的年代。内页的纸张质量也相当不错，摸上去有种细腻的触感，而且油墨印得很清晰，即便是那些年代久远的图片，细节也能看得一清二楚。我尤其欣赏它在版式上的用心，图文排布错落有致，阅读起来丝毫没有拥挤感。很多老照片的扫描件都做了精细的处理，色彩还原得非常到位，让人仿佛能透过纸页直接看到那些大师们挥毫泼墨的瞬间。翻阅时，那种纸张摩擦的沙沙声，本身就是一种享受，远非电子书能比拟的体验。说实话，现在的很多艺术类书籍为了追求轻薄和成本控制，常常在装帧上敷衍了事，但这本显然是下了大功夫的，光是这份对手工感的执着，就足以让人心生敬意。它不仅仅是一本书，更像是一件值得收藏的艺术品，放在书架上，本身就是一种品味的体现。

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这本书的结构安排堪称教科书级别的典范。它没有采用简单的年代划分或者地域划分，而是构建了一种更为立体的参照体系。比如，它会并置比较同一时期、不同地域两位艺术家的市场走势，通过对比来凸显各自的风格差异和市场接受度的微妙变化。这种“横向对比”的分析方法，极大地拓宽了读者的视野。我特别喜欢其中关于“风格演变与价格锚定”的章节，它清晰地梳理了某位画家从早期的青涩到中期的成熟，再到晚期的返璞归真，各个阶段作品在二级市场上的价格如何形成相对固定的价值区间，这个逻辑梳理得非常清晰。每次遇到不确定的价格点时，这本书里的参照系总能提供一个可靠的判断依据，让人心里有底。这种系统性的归纳能力，体现了作者深厚的行业经验和严密的逻辑思维，不是简单的数据罗列，而是深思熟虑后的体系构建。

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我原本以为这会是一本非常枯燥的工具书，毕竟“速查”二字听起来就意味着大量的数据堆砌和冰冷的图表。然而，阅读体验完全出乎我的意料。作者在叙事时非常擅长穿插一些生动的小故事和行业内的轶闻，让那些原本可能晦涩难懂的市场动态变得活泼起来。比如，他提到某位大家晚年时期的作品价格波动背后隐藏的家族故事，或是某次拍卖会上买家之间微妙的心理博弈，这些细节极大地增强了可读性。文字的笔触非常细腻，既有学者般的严谨考证，又不失评论家般的洞察力。我发现自己经常会因为一个有趣的小插曲而停下来，反复琢磨其中的深意。这种将学术深度与大众趣味完美结合的叙事方式，使得即便是初入此道的读者，也能轻松跟上节奏，不会被专业术语吓退。它巧妙地避开了纯粹的学术论文的沉闷，也超越了一般性读物的肤浅，找到了一种极佳的平衡点。

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