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出版者:世界图书出版公司

作者:熊道儿

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1998-4

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787506232180

丛书系列:

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sheet-music
J
钢琴
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具体描述

《弦音之舞：古典音乐的深度解析与演奏实践》内容提要：本书旨在为所有对古典音乐怀有深厚兴趣的音乐爱好者、学生以及专业演奏者，提供一套全面而深入的理论与实践相结合的学习资源。它超越了单纯的乐理知识梳理，深入探讨了自巴洛克时期至浪漫主义后期，乃至二十世纪初欧洲古典音乐的演变脉络、核心作曲技法、风格特征的细微差别，以及如何将这些理论知识转化为富有感染力的演奏实践。本书结构严谨，内容翔实，致力于培养读者对音乐作品的深度理解力、敏锐的听觉辨识能力以及精湛的演奏技巧。第一部分：古典音乐的历史长河与风格嬗变本部分将带领读者穿越时空，细致考察西方古典音乐自中世纪晚期萌芽至十九世纪末成熟的宏大历史画卷。我们不会停留在简单的年代划分，而是着重剖析每一历史时期的社会文化背景如何塑造了音乐的形态和功能。第一章：巴洛克时期的严谨与激情（约1600-1750）本章深入剖析巴洛克音乐的基石——复调对位法与数字低音的运作机制。我们将详细解析巴赫的对位艺术，不仅仅是分析《赋格的艺术》中的结构，更会探讨“情感理论”（Doctrine of the Affections）如何在具体的音乐材料中得到体现。重点讨论对位声部的独立性与整体和谐的张力，以及如何通过乐器的音色组合来构建宏大的听觉空间。此外，大协奏曲（Concerto Grosso）与奏鸣曲（Sonata）的早期形式及其结构演变，特别是维瓦尔第和亨德尔作品中的节奏驱动力，将被细致剖析。对于早期的键盘乐器，如羽管键琴和管风琴的演奏风格特点及其对音乐处理的限制与可能性，亦有详尽论述。第二章：古典主义的清晰与平衡（约1750-1820）古典主义时期被视为音乐形式的黄金时代。本章聚焦于奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟与规范化，解析呈示部、展开部、再现部的内部逻辑，以及主题的对比、发展与再整合过程。我们不仅会分析海顿的“结构幽默感”和莫扎特的旋律天赋，还会探究交响曲从早期的小型乐队到海顿后期大型编制的扩展过程。此外，钢琴音乐的兴起，特别是早期钢琴（Fortepiano）的音色特点如何影响了演奏的触键力度（Touch）与清晰度，将作为关键讨论点。对位法在古典主义中的回归与融合，如在莫扎特后期作品中对巴赫的回望，也值得深入探讨。第三章：浪漫主义的个体表达与情感洪流（约1820-1900）浪漫主义是音乐史上对个人情感表达最为淋漓尽致的时期。本章将探讨主导调性（Tonality）如何被更自由地拓展和运用，以及和声色彩（Chromaticism）的深化如何服务于叙事性。我们将分析李斯特的钢琴诗（Tone Poems）和舒曼的“性格小品”（Character Pieces）中，文学意象与音乐语言的交织方式。乐队规模的空前扩大、管弦乐配器的革命性发展（特别是瓦格纳和马勒），以及歌剧艺术的巅峰，都将是考察的重点。本章还将引入“再现主题”（Leitmotif）的运用，及其对听众心理的引导作用。第二部分：核心音乐元素与结构分析本部分着眼于音乐语言的“语法”，为读者提供一套分析和理解任何古典作品的工具箱。第四章：和声学：功能、色彩与非功能性探索本章从基础的三和弦与七和弦功能关系出发，逐步过渡到浪漫主义时期复杂的三全音关系、增六和弦的色彩运用，以及如何通过和声的“失衡”来制造张力与解决。重点分析了调式中心感的弱化过程，以及如何识别和声进行中的“意图”——是稳定、推进、还是色彩渲染。我们将引入德彪西作品中全音阶、五声音阶的应用案例，预示着对传统功能和声的突破。第五章：对位与织体：多声部的交织艺术本章深入探讨复调、主调与织体（Texture）的转换。复调研究将聚焦于两条或多条旋律线如何在相互制约中实现清晰的听觉分离，而不只是简单的声部叠加。我们将分析不同织体（如模仿、和弦进行、自由对位）如何影响音乐的整体情绪和清晰度。对位法的应用不限于赋格，更体现在复杂的室内乐和交响乐的声部写作中。第六章：节奏的驱动力与自由节奏不仅是时间的组织，更是音乐能量的来源。本章详述节拍、节律、复节奏（Polyrhythm）和复拍子（Polymeter）的理论基础。我们将研究巴洛克音乐中坚实的节拍感如何演变为古典主义中的清晰律动，以及浪漫主义作曲家如何通过延展、切分和速度的细微变化（Rubato）来表达内在的“时间感”。对于斯特拉文斯基等二十世纪作曲家对原始节奏的挖掘，也将进行简要介绍。第三部分：演奏实践中的理论转化这一部分是本书的实践核心，它架设了“理解”与“表达”之间的桥梁，着重于如何将枯燥的乐理分析转化为富有生命力的音乐呈现。第七章：触键的哲学：音色与力度控制的科学针对键盘乐器演奏者，本章将详细探讨不同乐器（羽管键琴、古钢琴、现代钢琴）的机械特性如何决定了适宜的触键方式。我们探讨力度（Dynamics）不仅仅是P或F的标记，而是从极弱到极强的连续变化光谱。细致区分“击打”（Staccato）与“分离”（Separated Tenuto）在不同历史时期的含义，并分析如何通过指端、手腕乃至全身的重量转移来塑造音色（Timbre）的“颗粒感”或“光泽度”。第八章：歌唱性旋律的塑造与乐句的呼吸所有器乐演奏的最终目标往往是模仿人声。本章教授如何处理旋律线（Melody Line），使其具有歌唱性。这要求演奏者具备对呼吸点的敏感性——即使是器乐演奏，也需要模仿人声的自然停顿和气息的连贯性。我们将研究如何通过细微的速度变化（Micro-tempo variations）和音量曲线来突出乐句的高潮与低谷，避免旋律的“扁平化”。第九章：风格的准确性：演奏的“历史自觉” 如何演奏巴赫的赋格，与如何演奏肖邦的夜曲，需要截然不同的“历史耳朵”。本章强调风格研究的重要性，包括对原始版本的考证、对当时演奏文献的借鉴，以及对速度标记（Tempo Marking）和表情术语（Articulation Markings）的审慎解读。我们分析了早期音乐（Early Music）演奏中的“装饰音”传统，以及浪漫主义作品中“情感自由度”与“结构服从”之间的平衡点。第十章：练习方法的精进与舞台呈现本章侧重于高效率的日常练习策略，包括如何分解复杂的段落、如何通过慢速且精确的视奏来内化结构，以及如何利用录音技术进行自我评估。最后，本书将讨论舞台心理学，帮助演奏者管理演出焦虑，确保在压力之下，技术能够服从于音乐的表达，实现真正的“忘我”演奏。结语：《弦音之舞》力求成为一本能伴随学习者从入门到精通的参考书。它不提供即成的“指法”，而是提供理解音乐的“心法”，激发读者在每一次聆听和演奏中，都能发现古典音乐中蕴含的无尽深度与人性光辉。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初被这本书吸引，是因为听一位老一辈的钢琴老师推荐，说这是他们那个年代的“圣经”。初读之下，我承认，它对初学者来说可能略显“硬核”。它没有太多花哨的、迎合大众口味的流行曲目片段，而是极其专注于基础的、近乎枯燥的“基本功”。但正是这份“枯燥”，构成了它无与伦比的扎实。我尤其喜欢它引入的“慢速精练法”，要求练习者以极慢的速度弹奏复杂的段落，直至每个音符的力度、时值都达到完美统一。这个方法初期很折磨人，但坚持下来，我发现我的节奏感和对踏板的敏感度有了质的飞跃。这本书的理论深度也让人印象深刻，它不仅仅是技巧手册，更像是一部小型乐理辞典，穿插讲解了巴赫复调作品中一些常用指法的历史渊源。阅读过程中，我经常需要停下来，在脑中模拟指尖的运动轨迹，那种探索的乐趣，远超单纯的机械模仿。它塑造的不是一个会弹琴的人，而是一个懂得如何思考钢琴演奏的音乐人。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得相当经典，那种带着岁月的痕迹，皮革纹理的深棕色调，让人一眼就能感受到它深厚的底蕴。我打开书的扉页，看到那排工整的西文字体，立刻被一种庄重感所笼罩。内容上，我特别欣赏它对音阶和琶音练习的编排逻辑，不像市面上很多教材那样堆砌技巧，而是非常有层次感地引导学习者循序渐进。比如，它对指法触键的描述，简直像是在耳边有位大师亲自示范，细致到连手腕放松的力度都需要反复揣摩。我记得有一节专门讲闭合式手型，作者用了很多篇幅去解释为什么“拱起的手指”比“扁平的手指”在演奏快速音群时更具优势，并且配上了清晰的手部结构图示。这种理论与实践的紧密结合，让我这种自学者受益匪浅。它不只是教你怎么弹，更重要的是告诉你“为什么”要那样弹。读完前几章，我明显感觉到自己对钢琴的理解不再停留在“手指动”的层面，而是上升到了“肌肉记忆与声音控制”的阶段。这本书的排版也十分人性化，留白得当，使得长时间阅读也不会感到视觉疲劳。

评分☆☆☆☆☆

这本书的魅力在于它的“反潮流”和“永恒性”。在现在这个追求速成的时代，它却慢悠悠地，耐心地跟你探讨每一个音符背后的物理学和生理学原理。我尤其佩服作者对于“手指独立性”的训练体系设计。他用了一整章的篇幅，构建了一套看似简单实则极度考验耐心的练习流程，比如那种要求两只手以不同节奏型交替进行的练习。我试着按照书上的建议，每天固定花一个小时专门攻克其中一个难点，坚持了近一个月，最大的感受就是：我的左手似乎终于“活”了过来，不再是右手的附属品。书中的文字风格非常克制，几乎没有煽情的词汇，每一个术语的定义都精确到小数点后几位，透着一股严谨的科学精神。如果你期待一本能让你快速上手演奏炫技曲目的书，这本书可能不会是你的首选；但如果你追求的是一种可以伴随你演奏生涯数十年，并且随着你水平提高而能不断发掘出新层次的“内功心法”，那么这本书的价值将无可替代。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版布局，可以说是一门艺术。它不像很多现代教材那样追求五颜六色的视觉冲击力，而是采用典雅的黑白墨色，关键的力度记号和指法标记被巧妙地用不同字重区分开来，使得视线在复杂的乐谱中游走时，能够迅速锁定重点。我记得有一段关于连奏（legato）的论述，作者非常精妙地将连奏比喻成“水流的连续性”，而不是简单的“手指的快速交替”。这种富有画面感的比喻，极大地帮助我理解了抽象的音乐概念。更让我感到惊喜的是，书中对不同时期作曲家的作品特点分析，虽然篇幅不长，但切中要害。比如，在谈论浪漫主义钢琴作品时，它强调了情感表达的自由度与技术支撑的平衡性，并引用了李斯特早期练习曲中的一个特定段落作为范例。这种将技术训练直接与音乐审美挂钩的处理方式，使得练习过程不再是枯燥的机械运动，而更像是一场与历史和美学对话的旅程。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我感觉自己对“钢琴”这个乐器的认识被重新校准了。它仿佛是为那些真正想把钢琴当成一门严肃学科来对待的学习者准备的。我最欣赏的是，它极其推崇“听觉反馈”在技巧学习中的核心作用。作者反复强调，每一次触键都必须伴随着对声音的清晰辨别，要求学习者能够通过耳朵来纠正肌肉的偏差，而不是仅仅依赖视觉观察。书中甚至设计了一些“闭眼练习”的指导，旨在彻底切断视觉辅助，迫使听觉系统成为主要的控制中心。这种对内在听觉的训练，对我个人而言，是颠覆性的。此外，这本书在处理和弦的均匀性上，提供了一套非常独特的“重量分配”模型，它教你如何像分配资源一样，精确控制和弦中每个音符的响度占比，从而避免出现“头重脚轻”的现象。这本书，与其说是教你怎么弹琴，不如说是教你如何“听见”并“塑造”你想要的声音，它给予的，是一种内化的、长期有效的指导原则，而非一时的技巧速成秘笈。

评分☆☆☆☆☆

经典中的经典#练死人系列#，覆盖超全完全可以媲美[ABRSM].Manual.of.Scales.Arpeggios.&.Broken.Chords.for.Pianoforte了，还记录一些相关了一些相关的乐理知识。#太可惜了现在没得买

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