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出版者:Astor Street Pub

作者:Alan Bennett Waldman

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1990-10-01

价格:USD 12.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780962629815

丛书系列:

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《失落的旋律：巴洛克时期的音乐遗产与现代回响》 引言：时间的低语与音符的永恒 在这本书中，我们将踏上一段穿越时空的音乐旅程，探索巴洛克时期（约1600年至1750年）那些深埋于历史尘埃之中的音乐遗产，并考察它们如何在现代的音乐景观中重新焕发生机。这不是一本枯燥的音乐史教科书，而是一次对人类创造力巅峰时期的深入剖析，一次对那些决定了西方音乐未来走向的创新与突破的细致考察。我们将关注那些常常被主流叙事所忽略的作曲家、被遗忘的体裁，以及那些在宏大历史背景下发生的微妙的艺术变革。 第一部：巴洛克黎明——风格的诞生与理论的奠基 巴洛克音乐的诞生并非一蹴而就，而是伴随着文艺复兴末期社会结构与哲学思潮的剧烈变革。本部分将详细阐述“巴洛克”这一术语的演变——从最初形容不规则珍珠的贬义词，到最终确定为艺术风格的标志。 1. 情绪的张力：从复调到主调的转型 我们将重点分析早期巴洛克时期最重要的理论创新——数字低音（Basso Continuo）的出现。这不仅仅是一种伴奏技巧的革新，更是音乐思维的根本转变，它将音乐的重心从平等的复调线条转移到清晰的和声结构和情感表达上。我们将研究蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）在歌剧《奥菲欧》中如何运用对位法与早期的和声语法，构建出兼具戏剧张力和情感深度的音乐语言。 2. 戏剧的觉醒：歌剧的早期形态 意大利佛罗伦萨的“歌唱家公会”及其对古希腊戏剧的理想化重构，催生了歌剧这一宏伟的舞台艺术。本章将深入探讨早期歌剧（如雅各布·佩里和早期的普契尼作品）中，宣叙调（Recitative）如何服务于叙事，以及咏叹调（Aria）如何开始承担抒情和情感高潮的功能。我们还会比较威尼斯学派和罗马学派在歌剧发展道路上的差异，探讨声乐技巧的早期规范。 3. 乐器的革命：音色世界的扩展 巴洛克时期是乐器制造工艺取得飞跃的时代。我们将细致考察提琴家族（尤其是斯特拉迪瓦里和瓜奈里制作的小提琴）的崛起，以及管风琴和羽管键琴技术的成熟。对音域、音色和演奏技法的革新，直接为后世的管弦乐队编制奠定了物质基础。 第二部：盛期的辉煌——风格的成熟与地域差异 随着巴洛克风格的成熟，欧洲各地发展出了具有鲜明地方特色的音乐传统，形成了以意大利、法国和德意志为核心的三大板块。 1. 意大利的纯粹与技巧的巅峰：协奏曲与奏鸣曲 科雷利（Arcangelo Corelli）和维瓦尔第（Antonio Vivaldi）将协奏曲这一体裁推向了高峰。我们不仅会分析《四季》等标志性作品的结构，更会探究他们如何系统地运用快-慢-快的结构范式，以及轮替主题（Ritornello Form）如何创造出高度统一且富有对比性的音乐叙事。此外，意大利奏鸣曲（如教堂奏鸣曲与室外奏鸣曲）的结构差异，也反映了音乐在世俗与宗教场域中的不同功能。 2. 法国的精致与律动：宫廷音乐的典范 路易十四的凡尔赛宫是法国巴洛克艺术的中心。以让-巴蒂斯特·吕利（Jean-Baptiste Lully）为代表的法国作曲家，将歌剧与芭蕾（Ballet de Cour）深度融合，形成了独特的法国歌剧风格。本章将重点解析法国大套曲（Suite）中舞蹈节奏的精确性，以及昆蒂安（Coup d’Archet）等特定演奏技巧，如何体现出法国贵族文化的优雅与克制。 3. 德意志的思辨与综合：赋格的逻辑 在德国，巴洛克音乐达到了其理论和精神上的最高峰。我们将聚焦于巴赫（Johann Sebastian Bach）的创作，但这并非简单回顾其作品，而是侧重于分析他如何集大成地吸收了意大利的协奏曲精神和法国的对位技法，并将其升华为严谨的赋格（Fugue）结构。我们将拆解《平均律键盘曲集》和《音乐的奉献》中的逻辑结构，探究这些作品如何超越单纯的音乐美学，触及宇宙秩序和神学思辨的领域。 第三部：余晖与转型——巴洛克终结的复杂性 巴洛克时期并非戛然而止，而是经历了一段漫长而复杂的过渡期。亨德尔（George Frideric Handel）的宏大清唱剧（Oratorio）和克莱门蒂（Domenico Scarlatti）的键盘小品，标志着旧风格的最后一次辉煌爆发，同时也孕育了新的“感性风格”（Style Galant）。 1. 清唱剧的社会功能 亨德尔的清唱剧（如《弥赛亚》）是如何在避开歌剧审查的同时，满足公众对戏剧性音乐的需求？我们将分析其合唱的民众动员能力和戏剧性张力，这预示着音乐将更直接地面向更广阔的听众群体。 2. 风格的“去复杂化” 巴洛克晚期，音乐的复杂性和对位密度开始受到质疑。感性风格（Style Galant）强调旋律的流畅、结构的简洁和情感的轻盈，这实际上是为洛可可和古典主义的到来铺平了道路。我们将探究年轻巴赫的儿子们（如C.P.E. Bach）如何率先进行这种风格的实验。 第四部：现代回响——被遗忘的遗产与当代的对话 巴洛克音乐的“复兴”并非简单地回到过去，而是当代音乐家对特定元素进行再创造的过程。 1. 演奏实践的革命 我们将审视二十世纪中叶开始的“古乐运动”（Historically Informed Performance, HIP），它如何挑战了浪漫主义时期对巴洛克音乐的既有诠释。从使用古乐器到研究当时的指法和调律系统，这场运动如何改变了我们聆听巴赫和亨德尔的方式，使其音色更加透明和清晰。 2. 跨界与采样：结构对现代电子乐的影响 出乎意料的是，巴洛克音乐的严谨结构——特别是赋格的对位逻辑和循环主题的构建——在现代的氛围音乐（Ambient）、前卫爵士甚至某些电子音乐制作中找到了新的栖身之所。我们将分析一些当代艺术家如何在不使用传统乐器的情况下，重现巴洛克音乐中那种数学般精确的层次感和不断发展的动态。 3. 情感共鸣：永恒的人类主题 最终，巴洛克音乐的魅力在于其对人类基本情感（悲伤、狂喜、敬畏）的直接表达，这种表达方式没有被复杂的浪漫主义和现代主义技巧所稀释。本书旨在证明，无论技术如何进步，那些以数字低音为骨架、以强烈对比为血肉构建起来的音符，依然能以最原始的力量触动现代听众的心灵。 结语：在连续性中寻找创新 《失落的旋律》试图将巴洛克时期置于一个更宏大的音乐演变序列中，认识到它既是文艺复兴的终点，也是古典主义的起点。通过细致的分析和对地域差异的考察，我们得以理解，那些看似遥远的音符，实际上是我们音乐思维中不可磨灭的基石。

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这本**《My Steve Sax Connection》**真是让人耳目一新，作者的叙事功力深厚，仿佛把我瞬间拉进了那个充满爵士乐与生活哲理的世界。我特别欣赏作者在描绘那些微妙的情感波动时所展现出的细腻笔触，那种不动声色的力量感，让人在阅读时总能产生强烈的代入感。书中的场景构建极其鲜活，无论是昏暗灯光下萨克斯风手呼出的每一口气息，还是深夜街道上行人的匆匆脚步，都描摹得栩栩如生，简直像一幅流动的印象派油画。更难能可贵的是，作者似乎总能在最不经意的地方，埋下关于人性、关于选择的深刻见解。我记得有那么一章，描述主角在面临一个关乎艺术与商业抉择时的内心挣扎，那段心理活动的描写，复杂、真实，丝毫没有矫揉造作的痕迹，让人不禁停下来，反思自己人生中那些相似的十字路口。整本书的节奏把握得恰到好处，时而如行云流水般舒缓，时而又像即兴演奏的高潮部分那样充满张力，让人根本舍不得放下。这种行文的流畅感和内在的情感深度，使得这本书远超一般的传记或音乐随笔的范畴，它更像是一部关于“如何与世界共处”的深度探讨。

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坦白说，起初我对这本书抱持着一种审慎的观望态度，毕竟涉及到特定人物的“连接”主题，很容易写成歌功颂德的流水账。然而，作者令人信服地避开了所有陈词滥调。他没有将焦点仅仅停留在成就或光环上，反而更关注的是那些“在伟大之下”的挣扎、妥协与坚持。书中的批判性视角是内敛而深刻的，它承认了灵感的脆弱性和艺术创作的艰辛，而非仅仅颂扬成功。我特别欣赏作者那种近乎哲学的提问方式——他不是在提供答案，而是在引导我们思考“什么是真正的传承？”、“艺术的价值究竟在哪里？” 叙事语言风格多变，有的篇章如同新闻报道般冷静客观，有的篇章则充满了散文诗般的抒情，这种节奏的变化有效地避免了阅读疲劳。这本书的真正魅力在于它对“不完美中的美”的赞颂，它让我们看到，伟大的“连接”往往建立在无数次微小的、甚至是不光彩的尝试和失败之上。

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这本书的结构设计简直是鬼斧神工，让人在阅读过程中不断产生“原来如此”的惊喜。它不像传统的线性回忆录，反而更像是一个精心编织的挂毯，不同的时间线索和人物侧面，在特定的主题下交织、呼应。我发现，作者似乎很擅长使用“留白”，那些没有被直接点明的情感，反而通过环境的渲染和人物细微的肢体语言被放大，这要求读者必须全神贯注，积极参与到文本的意义建构中去。其中有一段关于城市变迁的描写，用老式唱片店的衰落来映射某种文化记忆的消逝，那种淡淡的忧伤，不煽情，却极其有力。作者对细节的痴迷简直令人发指，即便是对某件乐器保养的描述，也融入了对时间流逝的思考。这种对每一个微小元素的重视，让整本书的质感变得极其厚重和实在。它不是一本可以用来消磨时间的读物，更像是需要被仔细品味、反复咀嚼的文学佳作。

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这绝对是一部充满层次感的作品，读完后，我的脑海里久久回荡的，不是某句华丽的辞藻，而是某种特定的“氛围”。作者对“声音”的描绘能力堪称一绝，他成功地将听觉体验转化为可触摸的文字质感。例如，他描述的某次现场演出，光是文字就仿佛能让你感受到空气的湿度、人群的呼吸频率，以及萨克斯风穿透力极强的音色如何撕裂了夜晚的寂静。这种将多感官体验融为一炉的写作手法，极大地拓宽了阅读的边界。更让我感到惊喜的是，书中对非音乐人物的刻画也同样立体而富有张力，比如那位在幕后默默支持的经纪人，或是某位对主角产生过短暂影响的路人甲，他们都被赋予了不可或缺的意义。这本书的价值在于，它证明了“连接”是一个动态的、不断重塑的过程，而非一个固定的终点。它不像是一本书，更像是一次深入灵魂的、充满回响的对话。

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初读这本书时，我原本以为这会是一本比较小众的音乐鉴赏类读物，没想到它却意外地展现出一种近乎史诗般的叙事广度。作者的遣词造句充满了老派的优雅与现代的锐利，这种反差制造出一种独特的阅读体验。尤其值得称道的是，书中对“连接”（Connection）这个主题的挖掘，并非局限于音乐上的技巧传承或师徒关系，而是将其提升到了更形而上的层面——人与人之间、过去与未来之间、艺术与生活之间的无形纽带。我尤其着迷于作者描述的那些非线性叙事片段，它们如同爵士乐中的切分音，在看似不合时宜的地方出现，却完美地支撑起了整体的结构。在探讨某种具体音乐流派的影响时，作者没有陷入晦涩的术语泥潭，而是巧妙地通过生活化的细节来诠释其精髓，比如如何用一个和弦的变化来暗示一种失落的情绪。这种将“高雅艺术”融入“烟火气”的能力，是很多作家难以企及的。读完之后，我感觉自己对“连接”这个概念有了更丰富、更立体的理解，它不再是一个抽象的名词，而是充满了温度和回响的具体体验。

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