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出版者:人民音乐出版社

作者:伊庭孝

出品人:

页数:190页

译者:郎樱

出版时间:1982

价格:1.05元

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《日本音乐史》 本书旨在梳理和呈现日本音乐数千年来跌宕起伏的发展脉络，从遥远的绳文时代弥漫的原始吟唱，到平安时代贵族阶层精致的雅乐，再到武士阶级兴起下的军乐和戏剧音乐，直至江户时代町人文化孕育出的丰富多彩的民间音乐，直至明治维新后引入西方音乐并与之融合，直至现代流行音乐的蓬勃发展，本书力求全面而深入地展现日本音乐的演变与革新。 第一章：起源与早期乐器 在本书的开篇，我们将穿越回那个遥远的时代，探寻日本音乐的根源。绳文时代（约公元前14000年至公元前300年）虽然缺乏文字记载，但考古发现的陶器、石器和骨器等文物，以及描绘祭祀活动的壁画，都为我们提供了重要的线索。我们可以推测，那个时代的音乐与宗教信仰、部落仪式和日常生活密不可分。当时的人们很可能利用自然界的声音，比如风声、水声，以及简单的打击乐器，如用石头敲击、用木棍敲打，或者用兽皮制成的原始鼓。我们还将探讨早期可能存在的吹奏乐器，比如用动物骨骼或竹子制作的简单笛子。本书将结合考古学家的最新研究成果，以及对现存的少数民族音乐的比较分析，勾勒出绳文时代音乐的初步轮廓。 接着，我们进入弥生时代（约公元前300年至公元300年），这是一个文化交流日益频繁的时期。随着大陆文化的传入，金属冶炼技术和稻作农业的兴起，也带来了新的乐器形态。本书将重点介绍在这个时期出现的日本最早的金属乐器——“铎”（daku）。这种铃铛状的青铜器，在许多考古遗址中都有发现，推测其在仪式和祭祀活动中扮演着重要的角色，可能发出清脆悦耳的声响，用于召唤神灵或表达喜悦。同时，木质乐器和早期形态的弦乐器也可能在这个时期开始出现，尽管其具体的形制和演奏方式仍然是学术界探讨的焦点。本书将对这些早期乐器的材质、形制、发现地以及可能的用途进行详细的描述和分析，力求还原历史的真实面貌。 第二章：雅乐的辉煌与贵族文化 进入古坟时代（约300年至710年），日本逐渐形成了统一的国家，社会结构日益复杂，音乐也随之发展出更为成熟的形态。本书将着重介绍“雅乐”（Gagaku）的形成和早期发展。雅乐，作为日本古代宫廷音乐，深受中国唐朝音乐文化的影响。在圣德太子时期，日本积极派遣遣唐使，学习中国的典章制度、文化艺术，其中也包括音乐。本书将详细追溯雅乐的引入过程，分析其在中国音乐基础上的本土化演变，以及其在日本贵族阶层中的传播和发展。 平安时代（794年至1185年）是日本雅乐发展的黄金时期。随着国家的稳定和经济的繁荣，朝廷对音乐文化的需求日益增加。本书将深入探讨平安时代雅乐的各个组成部分，包括“管乐”（Kangen），如笙（Sho）、篳篥（Hichiriki）、笛（Fue）；“弦乐”（Sogen），如筝（Koto）、琵琶（Biwa）；以及“打乐”（Dengaku），如太鼓（Daiko）、鞀鼓（Kakko）。我们将详细介绍这些乐器的构造、音色特点、演奏技法，以及它们在雅乐合奏中的作用。此外，本书还将讨论雅乐的音乐理论、记谱法（如“平调”、“双调”等曲调分类）以及其在朝廷庆典、宗教仪式和宫廷娱乐中的具体应用。我们还将分析雅乐的社会功能，它不仅仅是音乐，更是当时贵族阶层身份、品味和礼仪的象征。 第三章：武士时代的音乐变迁 镰仓时代（1185年至1333年）和室町时代（1336年至1573年）是日本武士阶级崛起并掌握政权的时期。随着社会权力的转移，音乐的重心也开始发生变化。本书将探讨在武士阶级的主导下，音乐在军事、政治和文化活动中的新角色。 本书将重点介绍“军乐”（Gunkaku）的发展。武士阶级的兴起带来了对军事音乐的需求，用于战场上的号令、鼓舞士气以及仪式性的阅兵。我们将分析当时可能使用的打击乐器，如各种尺寸的鼓（太鼓、军鼓等），以及铜钹、号角等。这些乐器如何被用于营造紧张的战场氛围，以及如何成为武士精神的象征。 同时，随着佛教的进一步发展，僧侣们在音乐传播上也扮演了重要角色。本书将探讨“声明”（Shomyo），即佛教的唱诵音乐，及其在日本的传播和演变。声明的悠扬唱腔、独特的旋律和节奏，对后来的日本音乐产生了深远的影响。我们还将介绍在这个时期兴起的“能乐”（Nohgaku）。能乐是一种结合了歌唱、舞蹈、戏剧表演的传统艺术形式，其音乐部分（如“谣”）和乐器伴奏（如“囃子”，包括笛子、小鼓、大鼓、太鼓等）都具有鲜明的特色。本书将深入分析能乐音乐的结构、旋律特点、演唱方式，以及其所传达的深刻哲学和美学思想。 第四章：江户时代的文化繁荣与音乐创新 江户时代（1603年至1868年）是日本历史上一个相对和平与稳定的时期，町人文化蓬勃发展，涌现出丰富多彩的音乐形式。本书将聚焦于这一时期的音乐创新和普及。 本书将详细介绍“歌舞伎”（Kabuki）音乐的兴起。歌舞伎作为一种大众化的戏剧艺术，其音乐部分（“长歌”、“义太夫”）和伴奏（“囃子”）都极具特色。我们将分析歌舞伎音乐的旋律、节奏、音调变化，以及其如何与戏剧的表演相互配合，创造出强烈的艺术感染力。书中还会介绍歌舞伎常用的乐器，如三味线（Shamisen）、尺八（Shakuhachi）、太鼓等，以及它们在表现不同情节和人物情感时的独特作用。 同时，“净瑠璃”（Joruri）作为一种以说唱为主的表演艺术，在江户时代也达到了顶峰。特别是“义太夫”（Gidayu）的出现，以其悲壮激昂的唱腔和丰富的表现力，深深地打动了观众。本书将探讨净瑠璃音乐的叙事性，以及其独特的音乐语言。 此外，本书还将介绍江户时代盛行的各种民间音乐，如“盆踊”（Bon Odori）的集体舞蹈音乐，以及各个地区独具特色的民谣。我们将分析这些音乐的特点，它们如何反映了当时的社会生活、风土人情和人们的情感世界。三味线作为当时最流行的乐器之一，其演奏技法和曲目也将是本书的重点。 第五章：明治维新与西方音乐的引入 明治维新（1868年）标志着日本历史进入了一个全新的时代，国家开始积极学习西方先进的文化和技术。音乐领域也迎来了巨大的变革。本书将深入探讨西方音乐是如何被引入日本，以及它如何与日本传统音乐相互作用。 本书将详细介绍明治政府为推广西方音乐所做的努力，包括派遣留学生、引进西方乐器、建立音乐教育机构等。我们将重点介绍“军乐”（Gun-gaku）的西化过程，如何从日本传统的军乐演变为模仿西方军乐队的模式。同时，西方古典音乐的传入，如交响乐、室内乐、声乐等，也在日本的知识阶层中逐渐传播。本书将分析西方音乐对日本音乐家产生的启迪，以及他们如何开始尝试创作带有西方风格的日本音乐。 我们将探讨“洋乐”（Yogaku）的早期发展，包括早期在日本创作的歌谣、歌曲以及一些初步的器乐作品。本书还会关注西方乐器的普及，如钢琴、小提琴、大提琴等，它们如何逐渐进入日本的家庭和音乐场所。同时，西方音乐理论和和声学也开始在日本音乐教育中得到传授。 第六章：20世纪的融合与创新 进入20世纪，日本音乐的面貌发生了更加深刻的变化。两次世界大战、战后经济的腾飞，以及全球文化的交流，都对日本音乐产生了巨大的影响。本书将聚焦于20世纪日本音乐的融合与创新。 我们将探讨“新日本音乐”（Shin Nihon Ongaku）的出现。这是一种尝试将西方音乐的作曲技法和理论与日本传统音乐的元素相结合的探索。本书将分析一些代表性的作曲家及其作品，他们如何试图在东西方音乐之间寻找新的平衡点。 同时，日本的流行音乐（J-Pop）开始在全球范围内崭露头角。本书将追溯J-Pop的起源和发展，分析其音乐风格的演变，如早期受西方摇滚、爵士乐的影响，到后来的电子音乐、舞曲等。我们将探讨J-Pop的文化意义，它如何反映了日本社会的变化、年轻人的生活方式和情感表达。 此外，本书还将关注日本在爵士乐、摇滚乐、电子音乐等领域的贡献，以及一些具有国际影响力的音乐家。我们还将探讨日本音乐在电影配乐、动画音乐、游戏音乐等领域的成就。 第七章：当代日本音乐的多元生态 在本书的最后，我们将目光投向当代日本音乐的多元生态。今天的日本音乐已经呈现出前所未有的丰富性和多样性。 本书将分析当代日本音乐的几个主要趋势：独立音乐（Indie Music）的兴盛，各种地下音乐场景的活跃；电子音乐的不断革新，实验音乐的不断突破；以及传统音乐的复兴与创新，一些音乐家试图将古老的音乐形式与现代审美相结合。 我们还将探讨日本音乐的国际化进程，许多日本音乐家在国际舞台上获得了认可。同时，日本的音乐产业，包括唱片公司、音乐节、音乐流媒体平台等，也展现出强大的生命力。 本书将以一种开放的视角，审视当代日本音乐的挑战与机遇，展望其未来的发展方向。通过对不同音乐风格、不同流派的深入剖析，本书旨在为读者提供一个全面而深入了解日本音乐历史的视角，并激发读者对音乐本身的思考和探索。 本书的写作将力求严谨而不失趣味，在梳理历史脉络的同时，融入对音乐作品和音乐家的细致解读，以及对音乐文化背后社会背景的深刻洞察。我们将引用的丰富史料，包括文献、乐谱、录音资料以及考古发现，以期呈现一本既具学术价值，又富有可读性的《日本音乐史》。

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初读这本书时，我本来是抱着一种略带功利的心态来的，希望能迅速掌握一些关于日本音乐发展脉络的关键节点。然而，这本书的叙事方式却出乎我的意料。它没有采取那种教科书式的、平铺直叙的编年体结构，反而像是一部精心编排的音乐纪录片，用极其细腻的笔触去描绘每一个时代的“声景”。作者似乎对日本音乐的理解，远超出了我们通常理解的“流行”或“古典”的简单二分法。我印象最深的是关于奈良时代雅乐（Gagaku）的章节，作者没有仅仅停留在对乐器和曲式结构的枯燥描述上，而是深入挖掘了它与宫廷礼仪、佛教仪式乃至政治权力之间的复杂共生关系。那种描述，仿佛能让人嗅到千年寺庙中焚香的味道，听到丝竹在幽深殿堂中回荡的微妙颤音。特别是提到乐谱失传后的口传心授过程，那种文化断裂与传承之间的挣扎与坚守，被描绘得惊心动魄，让人不禁思考，我们今天所听到的旋律，究竟承载了多少被时间磨损的记忆碎片。这本书的价值，正在于它成功地将音乐史还原成了有血有肉的社会史。

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坦白说，这本书的后半部分，尤其是对当代数字音乐和虚拟偶像文化中“声音的身体性”的讨论，对我这个相对传统的听众来说，构成了一定的挑战。作者并没有采取一种批判或赞美的简单立场，而是用一种近乎人类学的冷静笔触去观察这种新的审美范式。他探讨了在高度虚拟化的声场中，听众是如何构建对“真实”和“情感”的感知，以及技术如何重塑了“表演”的本质。这种跨越传统音乐学范畴的讨论，拓宽了我对“音乐”这个词的理解边界。这本书的叙事像一条大江，从遥远的源头涓涓细流，汇集成宏大的历史洪流，最终分岔进入了无数细微的、充满未来感的支流。它不是一本读完就能束之高阁的书，而是一本需要反复翻阅、不断对照当下体验去重新审视的工具书和思想激发器。

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这本书的排版和装帧设计也值得称赞，它本身就是一件艺术品。厚实的纸张，沉稳的色调，以及那些穿插在文字间的、经过精心挑选的乐谱片段和历史照片，都极大地提升了阅读的沉浸感。我特别留意到，作者在引用一手资料时表现出的那种近乎洁癖的严谨态度。对于那些年代久远、来源模糊的记录，作者会毫不避讳地指出其不确定性，这种坦诚的态度反而让我更加信服他后续的论断。例如，在探讨明治维新时期“和洋折衷”音乐的产生时，作者引述了当时报纸上关于新式军乐和歌舞伎配乐的零散评论，通过碎片化的文字重构出一个充满矛盾与躁动的时代氛围。这种对“历史语境”的细致还原，使得那些抽象的音乐演变过程，变得立体可感，仿佛能听到时代洪流中各个声部互相倾轧的喧哗。

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这本书的文字功力实在令人惊叹，它有一种近乎诗意的精准度，尤其是在描述战后日本音乐如何应对全球化冲击和本土文化重塑的段落时，那种复杂的张力被拿捏得恰到好处。我尤其欣赏作者在处理“受西方影响”这一主题时的审慎态度。很多音乐史著作倾向于将西方影响视为一种线性的、线性的“进步”或“入侵”，但此书却巧妙地构建了一个“对话”的框架。它不是简单地罗列哪些日本音乐家模仿了爵士乐或摇滚乐，而是探讨了这些外来元素是如何被“消化”和“异化”成具有鲜明日本特质的新声音。比如，对早期“Group Sounds”运动的分析，作者就洞察到了年轻人通过模仿西方摇滚乐队，实际上在表达对战后社会压抑氛围的一种集体性的、符号化的反抗。这种对文化符号深层含义的挖掘，使得阅读体验远超出了单纯的知识获取，更像是一场深度的社会心理分析课。

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我必须承认，这本书的学术深度是毋庸置疑的，但它绝不是那种让人望而生畏的“砖头书”。真正让我感到惊喜的是作者在选取案例时所展现出的独特视角和极高的鉴赏力。它没有沉溺于介绍那些已经被无数次搬上台面的大师和名作，反而将大量的篇幅投入到那些被主流叙事边缘化的声音中去——那些地方性的祭典音乐、战时被禁锢的民间小调，甚至是实验音乐先驱们那些晦涩难懂的早期录音。阅读这些内容时，我感觉自己像是在进行一场考古挖掘，每一次发现都伴随着知识的激动。尤其是关于二十世纪初，日本本土的音乐学者如何试图建立自己的一套音乐理论体系，以对抗西方音乐学框架的统治地位的那部分论述，展现了作者深厚的理论功底和对知识权力结构的批判性反思。这本书不只是记录了“发生了什么”，更重要的是探讨了“为什么是这样”以及“我们应该如何去听”。

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粗过一通，尺八莫非真是秘传，总共才一页篇幅。。。

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粗过一通，尺八莫非真是秘传，总共才一页篇幅。。。

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5块钱买到，作为其他书的添头。感觉赚了，比从书里学到的新姿势还开心。

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学问要做到如此

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学问要做到如此