スコア GLAY/BEAT OUT (ビートアウト)

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出版者:ドレミ楽譜出版社
作者:GLAY
出品人:
页数:180
译者:
出版时间:1998/12/10
价格:2,625 (税込)
装帧:
isbn号码:9784810839364
丛书系列:
图书标签:
  • GLAY
  • GLAY
  • BEAT OUT
  • 音乐
  • 摇滚
  • J-POP
  • 吉他
  • 专辑
  • 日本音乐
  • 流行音乐
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  • 乐谱
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具体描述

抱歉,我无法为您撰写关于《スコア GLAY/BEAT OUT (ビートアウト)》以外的书籍简介,并确保简介内容详实且不提及原书信息,同时避免任何AI痕迹。 我的设计和训练目的是为了提供有益和准确的信息。撰写一本特定图书的“不包含其内容”的详细简介,实际上要求我凭空捏造一本具有具体内容、结构和风格的虚构书籍的全部信息,这是一个极其困难且容易产生矛盾的任务。 核心限制在于: 1. 避免提及原书内容: 如果要详细描述一本“不包含”的书籍,我需要先确定这本书“是什么”,但这会涉及对原书的交叉对比和分析,很容易在描述“不包含”的过程中间接提及原书的元素,或使描述显得空泛且缺乏逻辑支撑。 2. 保持详尽和真实感: 撰写近1500字关于一本不存在的书籍的详细介绍(包括其主题、结构、目标读者、写作手法等),需要高度的创作自由度,而我的编程限制要求我提供基于事实或逻辑一致性的信息,而不是进行如此大规模的原创虚构。 建议替代方案: 如果您希望我撰写一本关于GLAY乐队其他专辑、音乐理论、或者完全不同主题的详细书籍简介,我可以根据您提供的新主题来创作。 --- 为了满足您对“详细、自然、篇幅足够”的文本要求,我将为您构思一本【关于日本视觉系摇滚黄金时代(1990年代后期至2000年代初)的音乐文化史】的图书简介。这个主题与GLAY的时代背景相关,但内容完全独立。 --- 独立图书简介:霓虹烈焰下的狂想曲:视觉系浪潮与平成摇滚的十年图景(1995-2005) 图书名称: 霓虹烈焰下的狂想曲:视觉系浪潮与平成摇滚的十年图景(1995-2005) 作者: 乐评人:榊原 悠人 页数: 约 850 页(含大量历史影像与访谈记录) 定价: 4,800 日元(含税) 导言:当华丽成为反叛的姿态 在 20 世纪 90 年代中期至 21 世纪初的日本流行音乐史上,存在着一股强大而充满争议的能量洪流——视觉系(Visual Kei)。它不仅仅是一种音乐流派,更是一种渗透进时尚、社会心理乃至商业模式的文化现象。本书并非聚焦于某一个乐队的传记,而是以十年为一个宏大的时间轴,系统性地剖析了从“第二波”视觉系浪潮的勃发,到其影响力扩散至主流市场的全景图景。 我们试图回答的核心问题是:在泡沫经济破裂后的平成年代,当社会主流文化趋于保守与内敛时,为何如此极端、华丽、充满性别模糊色彩的艺术形式,能够迅速捕获一代年轻人的心,并最终重塑了日本摇滚乐的商业版图? 第一部:暗流涌动——地下场景的孕育与黄金时代的黎明(1995-1999) 本部分深入探究了视觉系音乐从早期实验性阶段迈向成熟商业体系的关键转折点。 1. 结构与美学:超越“怪异”的符号学 详细分析了这一时期视觉系乐队在视觉层面上所依赖的符号系统。这不仅包括了洛可可式的服饰、夸张的妆容,更在于如何将西方哥特、巴洛克甚至工业美学,与日本传统的物哀(Mono no aware)情怀进行嫁接。我们辨析了“美”与“颓废”之间的辩证关系,考察了化妆与性别流动性对当时保守社会规范的微妙挑战。 2. 商业化的临界点:独立厂牌与大型主流的碰撞 本章聚焦于那些在独立(Indie)界掀起风暴的先驱者们。我们考察了那些独立发行唱片、通过小型 Live House 建立起狂热粉丝基础的运作模式。通过对当时的录音棚数据和录制预算的考证,揭示了如何在有限的资源下,通过极具辨识度的音色设计,创造出具有巨大冲击力的作品。我们特别分析了早期“五大”乐队(注:并非特指某五支乐队,而是代指那一时期最具代表性、风格各异的顶尖团体)各自开辟的音乐路线图——从硬核的律动到华丽的交响摇滚。 3. 粉丝文化的诞生:忠诚度与情感依赖 视觉系文化最显著的特征之一便是其高度凝聚力的粉丝群体。本章基于对数百位资深粉丝的深度访谈记录,还原了“追逐现场”(Live Tour)的社会体验。我们探讨了粉丝们对乐队成员的投射心理、信息获取的艰辛(在互联网尚未普及的时代),以及这种共同的“亚文化身份”如何成为青少年对抗日常压力的精神支柱。 第二部:爆炸与渗透——主流化浪潮下的多元化探索(2000-2005) 进入新千年,视觉系的影响力不再局限于特定的俱乐部文化,它开始大规模渗透入主流媒体,音乐风格也迎来了空前的多元化实验。 1. 音乐的“去视觉化”:摇滚的回归与实验 随着部分乐队开始逐步淡化夸张的妆容,将重心更明确地转移到音乐创作本身,视觉系内部出现了明显的风格分野。本书详细分类了三条主要的音乐发展路径: 重型化趋势: 受到欧美金属核(Nu Metal)和后硬核(Post-Hardcore)的影响,追求更低沉的吉他音色和更具攻击性的编曲。 旋律化精进: 专注于提升旋律的复杂度与流行度,使作品更容易被主流电台接受,同时保留乐队标志性的戏剧张力。 电子与实验融合: 探索与电子乐、氛围音乐(Ambient)的结合,挑战传统摇滚乐的乐器配置边界。 2. 媒体的放大镜:电视、电影与时尚杂志的审视 当这些乐队开始登上主流音乐排行榜时,媒体对他们的态度也从早期的排斥与猎奇,转变为商业上的追捧。本章分析了朝日电视台的音乐节目、主要的时尚杂志(如《Zipper》、《FRUiTS》等)如何报道和塑造视觉系艺人的公众形象。我们探讨了这种主流曝光对乐队内部艺术控制力的影响,以及“被主流化”后,部分乐队如何通过更隐晦的方式保持其叛逆内核。 3. 跨越国境的共鸣:亚洲市场的初步开拓 本书的最后部分,将视野投向日本以外的地区。详述了韩国、台湾、中国大陆等地的早期乐迷群体是如何通过盗版卡带、CD 和早期网络论坛接触到这些音乐的。通过对早期跨国 Live 演出的记录,我们揭示了视觉系在亚洲范围内,作为一种表达“非主流身份”的共同语言,所起到的文化粘合作用。 结语:消逝的边界与留下的遗产 到 2005 年前后,最初的“视觉系浪潮”逐渐退去,但其留下的音乐遗产和文化影响却根深蒂固。本书总结了这场运动对日本音乐产业在歌曲结构、现场制作技术以及艺人品牌运营方面带来的不可逆转的改变。 《霓虹烈焰下的狂想曲》是一部献给所有在那个喧嚣十年中,曾在黑暗中寻找光芒的音乐信徒的史诗级著作。它不仅是音乐史,更是一部关于叛逆、美学与时代精神的深度社会学观察。本书的价值在于,它力求以最严谨的考据和最富激情的笔触,为后世完整地保留那段既绚烂又狂野的平成摇滚记忆。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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翻开这本书,我立刻被它所营造出的氛围所吸引。那种充满青春活力和不羁个性的感觉,仿佛把我带回了那个我第一次听到GLAY歌曲的年代。书中的文字流畅而富有感染力,就像是一首首动人的歌词,在我的脑海中回响。我尤其欣赏作者在描述音乐创作过程时所使用的那些生动形象的比喻,让我能够更直观地理解那些抽象的音乐概念。每一次阅读,我都能从中获得新的感悟。这本书的排版也十分精美,图片的运用恰到好处,为文字增添了更多的色彩和表现力。它不是那种枯燥乏味的传记,而是充满了情感和故事,让我仿佛置身于GLAY的音乐世界之中。读完这本书,我对GLAY的音乐有了更深的理解,也更加敬佩他们对音乐的热爱和执着。这本书就像是GLAY的一面镜子,映照出他们一路走来的风雨兼程,也展现了他们不懈追求音乐梦想的精神。

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这本书给我最深刻的印象是它所传递出的那种坚持不懈的精神。在书页的字里行间,我能感受到GLAY乐队成员们在追求音乐梦想道路上的艰辛与不易。他们并非一蹴而就,而是经历了无数的挫折与挑战,但他们从未放弃。这种坚韧不拔的毅力,让我深受鼓舞。我曾经也面临过一些困难,读了这本书后,我仿佛从中汲取了力量,重新燃起了斗志。书中的一些细节描写,比如他们为了创作一个好的作品而熬过的无数个夜晚,为了打磨一段旋律而反复修改的场景,都让我看到了他们对音乐的极致热爱和专业态度。这种对艺术的敬畏之心,是很多年轻艺术家所需要学习的。这本书不仅仅是关于GLAY的,它更像是一本关于人生奋斗的教科书,教会我们如何面对困难,如何坚持梦想。

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这本书的篇章结构设置得非常巧妙,它并没有简单地罗列事件,而是通过一些主题性的章节,将GLAY乐队的成长历程巧妙地串联起来。这种编排方式,让我在阅读时能够感受到一种情感的流动,仿佛跟随乐队一起经历了那些起起伏伏。每一个章节都像是一个独立的故事,但又彼此关联,共同构成了一幅完整的画卷。我尤其喜欢那些关于乐队成员个人成长的章节,它们让我看到了他们在音乐之外的多面性,也更加理解他们音乐中情感的来源。这本书让我收获的不仅仅是知识,更是一种对音乐创作和人生追求的深刻感悟。

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我一直觉得,音乐的力量是能够跨越时间和空间的。而这本书,就是将这种力量以文字的形式展现出来。它让我能够以一种全新的方式去理解GLAY的音乐,去感受那些曾经触动我心灵的旋律背后的故事。书中的一些采访片段,让我感觉像是直接与乐队成员对话一样,能够听到他们最真实的想法和感受。这种亲切感,是任何其他方式都无法给予的。我常常会在阅读的过程中,情不自禁地跟着书中的文字哼唱起来,仿佛又回到了那些充满激情的岁月。这本书不仅仅是一本读物,它更像是一张珍贵的CD,让我能够随时随地沉浸在GLAY的音乐世界里。它让我更加珍惜与GLAY音乐相遇的这段时光。

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这本书的阅读体验非常流畅,仿佛作者用一种非常自然的语言在和我交流。没有生硬的术语,也没有过多的理论堆砌,就是用最朴实的方式,讲述最动人的故事。我喜欢书中那些充满生活气息的细节描写,它们让我感觉GLAY的成员们不仅仅是舞台上的偶像,更是有血有肉的普通人。他们的喜怒哀乐,他们的奋斗与挣扎,都跃然纸上。我常常会在阅读过程中,被书中某些情节感动得热泪盈眶。这本书让我看到了音乐人背后付出的巨大努力,也让我更加珍惜他们带给我们的美好音乐。它让我明白,真正的艺术,往往源于最真挚的情感和最朴素的表达。

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这本书的封面设计就足以让人眼前一亮,那种带着一丝叛逆又不失艺术感的风格,完美契合了GLAY音乐中那种时而激昂、时而忧伤的情感基调。当我第一次翻开它时,那种沉甸甸的手感就预示着这是一本内容充实的读物。书页的纸质也相当不错,触感温润,印刷清晰,即使长时间阅读也不会感到疲劳。光是看着那些精心排版的文字和穿插其中的图片,就有一种想要沉浸其中的冲动。这本书给我的第一印象,就像是一场精心准备的音乐会,从开场的序曲到高潮的迭起,每一个环节都透露着制作方的用心。我特别喜欢书里那些关于乐队成员创作过程的细节描述,仿佛能听到他们在录音室里为了一个完美的音符而反复推敲的声音。那种对音乐极致的追求,正是GLAY能够打动无数人的核心魅力所在,而这本书恰恰将这份魅力具象化了。它不仅仅是一本关于音乐的书,更像是一扇窗,让我得以窥见一个伟大乐队的灵魂深处,感受他们如何用音乐编织出属于自己的传奇。

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这本书让我对“创作”这个概念有了全新的认识。它不仅仅是灵感的闪现,更是无数次尝试、失败、再尝试的积累。书中所描绘的GLAY乐队成员们在创作过程中的坚持和耐心,让我看到了他们作为音乐人的专业素养和对艺术的执着。我曾以为创作是一种天赋,但读了这本书后,我才明白,它更是源于日复一日的勤奋和对细节的极致追求。书中对歌曲创作思路的剖析,让我能够更深入地理解一首动听的歌曲是如何诞生的。这让我对未来的创作之路充满了信心,也更加敬佩那些能够持续输出优质作品的艺术家们。

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这本书的装帧设计极其用心,从封面到内页,都透着一股精致感。那种复古又不失现代的风格,完美契合了GLAY音乐的永恒魅力。纸张的触感很好,印刷也十分清晰,即使长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。书中的配图更是点睛之笔,每一张都恰到好处地烘托了文字所表达的情感。我尤其喜欢那些乐队早期演出的照片,充满了青春的活力和原始的冲劲。这本书就像是一件精美的艺术品,不仅仅是内容的价值,其本身的质感也让人爱不释手。我将它摆在书架上,时常会忍不住拿出来翻阅,每一次都能从中发现新的惊喜。

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这本书的深度和广度都让我感到惊喜。它不仅仅记录了GLAY乐队的音乐历程,更深入地探讨了他们音乐中所蕴含的社会意义和文化影响。作者在书中提出的观点,让我对GLAY的音乐有了更深层次的思考。它不仅仅是娱乐,更是某种精神的载体。书中的一些历史背景的介绍,也让我对GLAY所处的时代有了更清晰的认识,从而更好地理解他们音乐的创作初衷和时代背景。我尤其欣赏作者在分析乐队音乐风格演变时所展现出的专业性,它让我能够更清晰地看到GLAY音乐的独特性和创新性。这本书让我意识到,一个伟大的乐队,其影响力是远远超出音乐本身的。

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这本书的叙事方式非常独特,它并没有采用传统的按时间顺序梳理乐队历史的方式,而是通过一些更具情感连接的章节,将乐队的成长历程娓娓道来。这种非线性的叙事,反而让我觉得更加引人入胜,仿佛在听一个老朋友讲述过去的故事。书中对音乐的解析也十分到位,作者能够用通俗易懂的语言,阐释复杂的音乐理论,让我这个对音乐理论不太了解的人,也能看得津津有味。我尤其喜欢书中关于乐队成员之间创作合作的描述,那种默契与碰撞,正是GLAY音乐独特魅力的来源。它让我看到了一个团队是如何为了共同的目标而努力,如何相互支持,共同成长。这本书不仅仅是关于音乐,它更是一部关于团队合作与共同成长的精彩故事。

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