David Hockney

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出版者:Harry N Abrams
作者:David Hockney
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1988-04
价格:USD 60.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9780810911673
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
  • 绘画
  • 艺术
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  • 现代艺术
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具体描述

The English artist David Hockney is known world-wide for his colorful and classically composed images of sunshine, swimming pools, and the good life in California, for his prolific and innovative theater designs, and for his frank depictions of homosexual life and domesticity in which, long before the era of gay liberation, he unabashedly proclaimed his own sexual identity. Kenneth Silver, Professor of Art History at New York University, charts Hockney's multifaceted career from his early work of the 1960s, poised between abstraction and pop art's revival of figuration, to his most recent excursions into the high-tech world of computers and new print technologies.

Also available in the Rizzoli Art Series:

Willem de Kooning by David Cateforis

Edward Hopper by Karal Ann Marling

Jasper Johns by Roberta Bernstein

Frida Kahlo by Hayden Herrera

Roy Lichtenstein by Diane Waldman

Henri Matisse by Roger Benjamin

Joan Miró by Elizabeth Higdon

Georgia O'Keeffe by Barbara Buhler Lynes

Pablo Picasso by Josephine Withers

Andy Warhol by Jonathan Katz

and many others.

艺术的边界与重构:当代视觉文化中的空间、色彩与感知 引言:在图像洪流中寻找新的视域 在当代艺术的广袤图景中,视觉语言的演变从未停歇。本册画册汇集了二十余位在绘画、摄影、装置及数字媒体领域具有开创性贡献的艺术家作品。它们共同探讨了一个核心命题:在信息爆炸与媒介交替的时代背景下,我们如何感知、构建并体验空间、光线与色彩?这不仅仅是一次对既有艺术传统的梳理,更是一次对“观看”这一行为本身的深入拷问与重塑。 第一部分:空间叙事的解构与重建 本章节聚焦于艺术家如何挑战和重塑我们对三维空间的传统认知。作品展示了从古典透视法到非欧几何构图的跨越。 一、 建筑的非物质性与时间的嵌入 多位艺术家摒弃了对实体建筑的精确描绘,转而关注建筑在记忆、梦境或社会结构中所承载的符号意义。我们看到了由光影和半透明材料构成的“幽灵建筑”,它们挑战了坚固的物质性,暗示着空间是流动的、可被主体情感重塑的容器。一些装置作品,利用镜面反射和折射原理,在有限的空间内创造出无限延伸或无限坍缩的视觉错觉,迫使观者重新定位自身在环境中的位置。特别值得一提的是,几位摄影师通过对城市废墟和未完成工地的拍摄,探讨了“空间停滞”的状态——当功能性被抽离,空间如何转化成纯粹的、充满历史回响的纹理和几何图案? 二、 界面与屏幕的介入:数字景观的拓扑学 随着媒介的演进,屏幕已成为我们感知世界的主要界面。本部分深入研究了艺术家如何将“界面”本身作为创作的主题。他们利用数字故障(Glitch Art)、像素化处理或虚拟现实(VR)技术,探索了二维平面与三维沉浸感之间的张力。这些作品揭示了数字空间具有其自身的拓扑结构,不同于物理空间的线性逻辑。例如,一些基于算法生成的图像序列,虽然依赖于代码,却呈现出有机体的生长与衰变,暗示着数字环境并非冰冷的数据集合,而是拥有生命力的、不断演变的“景观”。观者面对这些作品时,不仅是在看一幅画或一个影像,更是在经历一个信息流被阻断、重组或加速的过程。 三、 身体在场与环境的交互 此板块强调了艺术体验中“身体在场”的重要性。许多雕塑和环境艺术作品被设计成需要观众绕行、触摸甚至穿越才能完整感知。这些作品常常使用自然材料,如粗粝的石头、未加工的木材或流动的水,它们与观众的皮肤、呼吸频率产生微妙的共鸣。艺术家通过对尺度、重量和触感的精心设计,使观者意识到自身身体的有限性与环境的无限性之间的对话。这种互动性打破了传统“欣赏”与“被欣赏”的单向关系,将观众转化为体验的共同建构者。 第二部分:色彩的心理学与光线的形而上学 色彩和光线是视觉艺术的永恒母题,本章节则侧重于当代艺术家如何超越描摹性,将其提升至哲学和心理层面。 一、 纯色场域的回归与情感的极化 面对过度的视觉刺激,一些艺术家选择回归极简主义的色彩策略。他们创作了巨大的、几乎没有细节的纯色画作(Color Field Painting)。然而,这些作品并非简单的色彩堆砌。通过对颜料涂抹的厚度、光线吸收与反射率的微妙调整,艺术家成功地使单一的颜色产生了内部的振动和深邃感。深沉的蓝色不再仅仅是颜料的颜色,而是成为了对“虚无”或“永恒”的视觉冥想;明亮的黄色则可能暗示着一种压倒性的、几乎令人不安的能量。这些作品要求观者投入大量时间,让眼睛适应并最终“进入”色彩的场域之中,从而引发深层的情感共鸣。 二、 人造光与自然光的辩证法 本部分审视了光线在当代社会中的角色转变:从自然界的启示之源,演变为技术控制下的工具。作品中并置了对日落、月光等自然光现象的细致捕捉,与霓虹灯、LED屏幕投射出的冰冷、均质的人造光。艺术家探讨了不同光源如何改变我们对现实的感知。例如,通过长曝光技术捕捉到的城市夜景,街道上的车灯轨迹形成了一种新的、由人类活动定义的“光河”,它既是速度的象征,也是存在的痕迹。而对自然光的描绘,则往往通过模糊的边缘和光晕效果,强调其不可捕捉的、转瞬即逝的本质。 三、 色彩的符号学与身份政治 色彩不再仅仅是美学元素,它也承载着强烈的社会和文化意义。本章节收录的作品挑战了西方艺术史中既定的色彩象征体系。一些艺术家利用高饱和度的、以往被认为“俗气”或“非艺术”的色彩组合,来表达边缘群体的活力与反抗精神。他们重塑了“品味”的边界,展示了色彩如何成为识别、抵抗和自我宣告的有力工具。这些色彩的运用是激进的、挑衅的,它们拒绝被纳入既有的审美范畴,坚持其自身的、由特定社群定义的视觉逻辑。 结论:感知的再校准 汇集于此的艺术实践,共同构建了一个探索人类感知极限的广阔平台。这些艺术家通过对空间、光线和色彩的深入拆解与创新组合,邀请观者放下既有的观看习惯,重新校准自己的感官系统。他们揭示了,艺术的真正力量不在于提供一个确定的图像,而在于制造一个开放的、充满张力的“询问场域”,在这个场域中,我们得以重新审视我们所栖居的世界,以及我们观看世界的方式。这是一场关于视觉认知的持续性革命。

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读后感

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用户评价

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这本书为我打开了另一扇了解艺术的窗户。它让我意识到,艺术并非只是存在于博物馆的展品,而是与我们的生活息息相关,能够反映我们时代的精神,也能触及我们内心深处的情感。 我特别留意到书中对 Hockney 如何看待和处理“时间”的讨论。他的创作,尤其是对风景的描绘,常常带有对时间流逝的感悟。那种对瞬间的捕捉,以及对记忆的再现,都让他的作品具有了超越时空的魅力。

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我发现,在阅读这本书的过程中,我不仅仅是在了解 David Hockney,更是在重新审视自己与艺术的关系。它激发了我内心深处对美的追求,也让我更加关注生活中的细节和色彩。 书中对 Hockney 艺术理念的探讨,特别是他对于“看”这件事情的重视,对我来说颇有启发。他如何通过观察来理解世界,如何将观察到的转化为视觉语言,这都让我开始更主动地去“看”我周围的世界。

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我至今仍清晰地记得第一次翻开这本《David Hockney》时的那种震撼。并非因为书中精美的画作——尽管那些色彩斑斓、充满生命力的笔触早已在我脑海中留下了深刻的烙印——而是因为,它以一种近乎对话的方式,引导我进入了这位艺术巨匠的内心世界。作者并没有简单地罗列 Hockney 的生平事件或作品年表,而是通过细腻的文字,描绘了一个鲜活、充满好奇心和实验精神的艺术家形象。 我特别着迷于书中对 Hockney 早期在伦敦皇家艺术学院学习经历的描述。那种充满青春活力、渴望打破常规的冲劲,以及他对新媒介、新技法的敏锐捕捉,都让我看到了一个艺术家是如何在萌芽阶段就展现出其独特的个性。书中反复提及的,他对当时艺术界主流的反思,以及他如何从抽象主义转向更具具象化、更贴近日常生活的表达,这一点对我来说尤为触动。它让我明白,真正的创新并非凭空而来,而是源于对现有体系的深刻理解和勇敢的挑战。

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我发现自己对 David Hockney 的兴趣,很大程度上源于这本书所展现出的他那种永不满足的好奇心。无论是在艺术技法上,还是在题材的选择上,他似乎总是在不断地探索新的可能性。 书中对于他如何从具象走向抽象,再回到具象的这条创作道路的梳理,让我看到了艺术发展的曲折与丰富。他对于泳池系列、双人肖像、风景画等不同主题的深入挖掘,以及他在不同时期对这些主题的重新演绎,都展现了他作为一个艺术家在不断成长和变化。

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阅读过程中,我仿佛能听到 David Hockney 本人在耳边诉说着他的创作理念。作者巧妙地运用了大量的引述,让 Hockney 的声音贯穿全书。他对于色彩的痴迷,对于光影的敏感,对于日常场景的独特观察,都通过他自己的话语得到了最直接的呈现。 书中对于 Hockney 早期在纽约和加州的生活描绘,让我对那个时代充满活力的艺术氛围有了更深的认识。他如何与当时的艺术界人士交流,如何吸收不同文化的影响,这些都为理解他作品的多元性提供了背景。我特别留意到他对于“真实”的反复探讨,以及他如何通过绘画来捕捉瞬间的感受和情感。

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这本书就像一本邀请函,邀请我走进 David Hockney 的艺术世界,去感受他的热情、他的才华,以及他对生活的热爱。作者通过对 Hockney 生活细节的捕捉,让我看到了一个立体、真实的人,而不仅仅是一个艺术符号。 我尤其喜欢书中对 Hockney 与家人、朋友之间关系的描写。这些亲密的关系,也成为了他创作的重要灵感来源。他对亲密关系的描绘,总带着一种温暖和真挚,这使得他的作品即使在表达深刻的情感时,也显得格外动人。

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这本书最吸引我的地方在于,它没有停留在对 David Hockney 作品的表面赞美,而是深入探究了他创作背后的思考过程。作者非常细致地分析了他不同时期作品的演变,以及这些演变是如何与他的人生经历、所处时代以及他对世界的认知相联系的。 我特别欣赏书中对 Hockney 创作方法论的剖析。他如何对待风景画,如何捕捉人物的肖像,以及他对空间和透视的独特运用,都让我对他的技法有了更深入的理解。那种对细节的严谨,以及对形式的不断探索,都让我看到了一个艺术家对完美的执着追求。

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这本书最让我惊喜的是,它并没有将 David Hockney 塑造成一个高高在上、不可触及的艺术偶像。相反,我感受到的是一种亲切和真诚。作者通过大量的采访记录和生活细节的穿插,将 Hockney 的艺术创作与他的人生经历巧妙地编织在一起。那些关于他不同时期生活环境的描写,从伦敦的嬉皮文化到加州的阳光海滩,再到约克郡的宁静乡村,都为理解他艺术风格的转变提供了重要的线索。 我尤其喜欢书中对 Hockney 如何从摄影、拼贴等多种媒介中汲取灵感,并将其融入绘画的探讨。这让我看到了一个艺术家如何拥抱变化,如何不断拓展自己的创作边界。那些关于他如何看待和使用技术的段落,也让我思考科技在艺术发展中的角色。他对于数码绘画的早期拥抱,以及他如何利用科技来探索新的视角和表现方式,都显示了他超越时代的远见。

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总而言之,这本书是一次令人难忘的艺术之旅。它以一种充满智慧和情感的方式,带领我深入了解了 David Hockney 的艺术生涯和人生哲学。我强烈推荐这本书给所有对艺术感兴趣的人,相信你们也会从中获得深刻的感悟。 书中对 Hockney 艺术遗产的讨论,也让我思考了艺术家的作品如何影响后世。他对于色彩、构图和表现手法的创新,无疑为后来的艺术家们提供了丰富的借鉴。这本书让我看到了一个艺术家的真正价值,不仅仅在于他的作品本身,更在于他为艺术领域带来的深刻变革和持久影响。

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我一直认为,伟大的艺术家不仅在于他们的技艺,更在于他们能够触动人心、引发思考的能力。David Hockney 显然具备了这一点,而这本书则成功地将他的这种特质展现在读者面前。 书中对 Hockney 晚年创作的描写,尤其让我感动。即便年事已高,他依然保持着对艺术的巨大热情和旺盛的创造力。他对新技术的拥抱,以及他对自然景色的持续关注,都让我看到了一个艺术家生命力的顽强。

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