美院高考完全手册 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:广西美术出版社

作者:谢鸣理

出品人:

页数:59

译者:

出版时间:2006-6

价格:20.00元

装帧:

isbn号码:9787806748633

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《艺海扬帆：基础素描与色彩的精进之道》 在艺术的浩瀚星河中，素描与色彩是构筑一切视觉表达的基石，是点亮灵感、塑造形态、传递情感的灵魂双翼。一本真正能引领初学者乃至进阶者踏上艺术精进之路的指南，绝非简单罗列技法，而是要深入浅出地解析原理，细致入微地剖析过程，并辅以大量、高质量的示范与练习，让每一位求索者都能在笔尖与调色板的交织中，触摸到艺术的真谛，最终实现艺想的绽放。 《艺海扬帆：基础素描与色彩的精进之道》正是这样一本心怀对艺术真诚敬意的著作。它不只是提供一个“做什么”的答案，更是要引领你思考“为何这么做”以及“如何做得更好”。本书的核心在于“精进”，这意味着它将带你超越简单的模仿，深入理解绘画语言的底层逻辑，从而建立起扎实的专业功底，为你在未来的艺术探索中奠定坚实的地基。 卷一：素描之形，万象归一 素描，作为造型艺术的基础，是观察力、理解力与表现力的综合训练。本书的素描篇，旨在从最根本的层面，帮助你掌握塑造形体的能力。 第一章：视觉原理与感知训练 在着手描绘之前，我们必须先学会“看”。本章将深入探讨人眼如何感知光影、空间和体积，以及如何将这种感知转化为视觉信息。我们将从基础的几何形体入手，分析它们在不同光照下的明暗变化，理解“体块感”的形成。通过一系列的视觉捕捉练习，例如对日常物品的形态观察、对空间关系的感知训练，你会逐渐培养出敏锐的观察力，学会“看到”物体的本质，而非仅仅“看到”它的表面。我们将探讨如何从二维的平面中“看出”三维的立体，理解“透视”在塑造空间感中的关键作用。 第二章：线条的语言与构成 线条是素描的骨骼。本章将系统地梳理不同类型线条的特性及其表现力。我们会区分“轮廓线”的确定性、“结构线”的内在逻辑、“体积线”的光影暗示，以及“情绪线”的表现张力。你将学习如何运用不同粗细、疏密、曲直的线条来表现物体的质感、重量和运动感。大量的排线练习将帮助你掌握“铺调子”的技巧，理解如何用线条的疏密和方向来塑造明暗层次，建立体积感。我们将探讨如何通过线条的组合与穿插，来表现物体的连接关系和空间层次。 第三章：明暗的奥秘与体积塑造 光影是赋予形体生命力的关键。本章将深入讲解光线的性质，如光源的类型（定向光、散射光）、光源的方向、强度及其对物体明暗分布的影响。我们将详细解析“明暗交界线”、“反光”、“投影”等基本光影概念，并探讨它们在不同材质物体上的表现差异。大量的写生示范将指导你如何捕捉和分析物体的受光面、背光面、灰面、高光和投影，以及如何运用细腻的调子变化来塑造圆润、硬朗、光滑、粗糙等不同的体积感。你会学习到如何通过“点”、“线”、“面”的排布，以及灰度关系的准确把握，来营造出逼真的立体效果。 第四章：空间构图与透视原理 如何将眼前所见或心中所想的景物，有条理地呈现在二维画面上，是构图的核心。本章将系统讲解构图的基本法则，如“黄金分割”、“三分法”、“对称与平衡”、“疏密对比”等，帮助你学会组织画面，突出主体，引导观众视线。同时，我们将深入解析“一点透视”、“两点透视”和“多点透视”的原理，并结合实例演示如何将其运用到风景、建筑、静物等多种题材的写生和创作中，从而准确地表现物体的空间关系和远近层次。 第五章：材质肌理的刻画 不同的材质拥有不同的视觉语言。本章将聚焦于如何通过素描手段来表现金属的冰冷光滑、木材的纹理粗糙、布料的柔软垂坠、玻璃的透明折射等。我们将分析不同材质的光泽度、反光性、吸光性等特点，并讲解相应的表现技法，如运用细腻的笔触表现光滑表面，利用粗犷的线条和点，运用硬朗的明暗对比来刻画粗糙纹理。大量的材质写生练习将让你掌握区分和表现各类材质的诀窍，使你的素描作品更具真实感和表现力。 第六章：静物写生综合训练 将前几章所学的知识融会贯通，在本章我们将通过大量的静物写生案例，进行综合性的训练。从单体到组合，从简单到复杂，我们将一步步指导你如何分析物体的形体结构、光影关系、材质特征，以及如何进行构图和表现。每一组写生都将附带详细的步骤解析和创作心得，让你在实践中不断巩固和提升。 卷二：色彩的协奏，斑斓世界 色彩是赋予世界生命与情感的魔法。本书的色彩篇，将带领你走进色彩的奇妙世界，理解色彩的科学与艺术，并学会运用色彩来表达你的情感与想法。 第一章：色彩的物理属性与视觉感知 色彩的本质是什么？本章将从科学的角度出发，讲解光的波长、颜料的混合原理，以及我们眼睛如何感知色彩。我们将深入理解“三原色”、“三间色”、“复色”的概念，并探讨色彩的“冷暖”、“纯度”、“明度”等基本属性。通过对不同色彩在光照下的变化规律的分析，你会建立起对色彩感知的科学认知，为后续的色彩运用打下基础。 第二章：色彩的心理效应与情感表达 色彩不仅仅是物理现象，更承载着丰富的情感与心理联想。本章将探讨不同色彩在人类心理上产生的普遍效应，例如红色代表热情与危险，蓝色带来宁静与忧郁，黄色象征光明与活力。我们将学习如何运用色彩的搭配与对比，来营造出特定的氛围和情感基调，让你的作品能够直接触动观者的内心。 第三章：色彩混合与调色技巧 调色是色彩绘画的核心技能之一。本章将提供系统性的调色练习，从基础的“三原色”混合，到如何调出各种“中间色”、“复色”，再到如何根据对象关系调出准确的“固有色”和“环境色”。我们将详细讲解“冷暖色调”、“对比色”、“邻近色”的调色方法，以及如何运用“灰调子”来统一画面色彩。大量的调色盘示范将帮助你建立起色彩直觉，学会准确、高效地调配出所需的颜色。 第四章：色彩的构成与和谐 如何将无数的色彩和谐地组织起来，形成统一而富有表现力的画面？本章将深入讲解色彩构图的原理，包括“色彩倾向”、“主导色”、“辅助色”的运用，以及如何通过“色彩对比”来突出重点，营造空间感。我们将分析不同色彩搭配产生的视觉效果，如“冷暖对比”、“强弱对比”、“互补色对比”等，并指导你如何在写生和创作中运用色彩的逻辑关系，构建出既和谐又富有表现力的色彩画面。 第五章：水彩的透明感与表现力 水彩以其独特的透明感和流动性，赢得了无数艺术家的喜爱。本章将专注于水彩的表现技法。我们将从最基础的“湿画法”、“干画法”入手，讲解如何控制水分，掌握笔触的轻重缓急，以及如何利用水彩的“晕染”和“叠加”效果来表现微妙的色彩变化和丰富的层次。大量的案例示范将演示如何运用水彩来表现透明物体、植物、风景等，让你体会水彩独特的魅力。 第六章：油画的厚重与肌理 油画以其丰富的表现力和持久性，在绘画史上占据着重要地位。本章将探索油画的奥秘。我们将讲解油画颜料的特性，如何运用“罩染”、“厚涂”、“刮刀”等技法来塑造物体的体积感和肌理感。我们将演示如何运用油画来表现写实肖像、静物写生以及风景创作，让你感受油画独特的厚重与丰富。 第七章：水粉的覆盖力与色彩的鲜明 水粉作为一种介于水彩与油画之间的媒介，具有良好的覆盖力和鲜明的色彩表现力。本章将重点讲解水粉的绘画技巧。我们将学习如何运用水粉的“厚涂”和“薄染”来表现不同的质感，如何运用“调色”和“叠色”来塑造丰富的色彩层次。大量的写生示范将指导你如何运用水粉来表现生活中的各种题材，捕捉鲜活的色彩感受。 第八章：色彩写生综合训练 如同素描篇的静物写生，色彩篇的最后将通过大量的色彩写生案例，进行综合性的训练。从单体到组合，从写实到写意，我们将指导你如何分析对象的色彩关系，如何进行色彩构图，以及如何运用你所学的色彩技法来表现对象。每一组写生都将附带详细的步骤解析、色彩搭配心得，让你在实践中不断深化对色彩的理解和运用能力。 本书特点： 系统性与进阶性： 从最基础的原理讲起，循序渐进，为不同水平的学习者提供了一条清晰的学习路径。 深度与广度： 既深入剖析了素描与色彩的底层逻辑，又涵盖了多种绘画媒介的实践技巧。 案例丰富且实用： 大量高质量的示范作品与写生范例，兼具理论指导与实践参考价值。 强调理解与表达： 不仅仅教授技巧，更注重培养学习者独立的观察、思考和表达能力。 语言通俗易懂： 避免晦涩的专业术语，用清晰、生动的语言引领读者走进艺术的殿堂。 《艺海扬帆：基础素描与色彩的精进之道》愿成为你艺术道路上最忠实的伙伴，助你在素描与色彩的海洋中，驾驭自如，驶向无限可能！

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从整体的阅读体验和学习效果来看，这本书更像是一个经验丰富、洞察力极强的导师陪伴在旁。它最可贵的一点是，它没有将艺术创作“神化”，而是将其还原为一套可以学习、可以掌握的技能体系。在“应试心态调整”和“考场时间管理”这些软技能部分，它的建议极其接地气，完全没有那种空泛的口号式鼓励。比如，它提出了一个“五分钟视觉锚点建立法”来应对考试开始时的紧张感，这个技巧我已经尝试用于平时的写生练习中，效果立竿见影。这本书的编排逻辑非常流畅，从宏观的美学原理过渡到具体的技法操作，再到实战的应试策略，层层递进，结构清晰。它绝对不是那种只适合翻阅一下就束之高阁的“面子书”，而是一本真正能伴随考生度过高强度备考期的“里子书”。

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这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，封面那种略带肌理感的纸张，配上那沉稳的靛蓝色调，一下子就抓住了我的注意力。我是在一家独立书店里偶然翻到的，店员也向我推荐了很久。刚拿到手，首先感受到的是它扎实的重量，让人觉得内容一定非常充实。内页的排版也处理得非常考究，不是那种常见的教科书式的呆板布局，而是加入了许多艺术化的留白和精美的范例插图，这一点对于视觉艺术学习者来说太重要了。那些色彩的运用、字体的选择，都透露出设计者对美学有着深刻的理解。我特别喜欢它对不同画种的介绍部分，比如水彩和素描的对比，不仅仅是文字描述，还配上了高分辨率的局部放大图，能清晰地看到笔触的微妙变化。虽然我还没有深入学习里面的每一个章节，但仅凭这种精致的“外衣”，就已经让我对手中的这本书充满了期待，感觉它不仅仅是一本工具书，更像是一件艺术品。

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这本书的“材料与技法”部分，可以说是我的“救星”。作为一名偏向于传统绘画的学生，我一直对各种新型材料的运用感到有些无从下手，尤其是涉及到一些现代材料的跨界尝试。这本书在这方面做得非常全面和深入。它不仅仅罗列了各种画笔、颜料的品牌和特性，还细致地讲解了不同材料的最佳搭配使用方法。我尤其对其中关于“纸张的吸水性对水墨效果的影响”的深度分析留下了深刻印象，作者甚至测试了五种不同克重的纸张在相同水分控制下的最终效果，并配有微距拍摄的图例。这种对细节的执着和严谨的态度，让我对作者的专业性深信不疑。读完这一章，我立刻去采购了一些平时不太敢尝试的新型媒介，准备在接下来的练习中引入一些新的表现手法。

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坦白说，我是一个对色彩理论感觉比较头疼的人，总是记不住那些复杂的色环关系和调和公式。我原本抱着试试看的心态翻阅了这本书中关于色彩构成的章节，结果发现作者采用了一种非常直观的叙事方式。他们没有用枯燥的学术术语堆砌，而是通过大量的、精心挑选的博物馆级艺术作品作为案例，去讲解“冷暖对比如何营造层次感”、“饱和度如何影响情绪表达”。最让我惊喜的是，书中有一个章节专门讲解了如何在有限的考试时间内，快速调配出稳定且富有层次感的颜色组合，这简直是实战级别的宝贵经验。我立刻尝试着模仿书中的一个色彩练习，发现自己对于“准确用色”的理解一下子清晰了很多，不再是凭感觉乱涂乱抹，而是有了一套可循的判断标准。这部分内容，对急需提高应试效率的考生来说，价值连城。

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我主要关注的是准备专业考试中关于“设计基础”的那一部分内容，说实话，市面上同类型的参考书汗牛充 বুকে，很多都流于表面，要么就是为了凑页数堆砌一些无关紧要的理论，要么就是范例陈旧得像是上个世纪的作品。但这本书在基础结构分析上的处理方式，简直是醍醐灌顶。它没有直接给出标准答案，而是非常系统地拆解了“如何观察”和“如何表达”这两个核心问题。比如在谈到空间透视的时候，它引入了一些现代设计中常用的空间逻辑，比如包豪斯的一些基本构成原理，然后将其巧妙地融入到传统的素描训练中，这种跨界的融合点非常新颖。我花了一整个下午去研究其中关于动态捕捉的速写练习，作者似乎非常强调“动态的生命力”，而不是僵硬的形体复制。里面的例题步骤解析非常细致，每一步都有明确的思路引导，让人感觉作者是手把手带着你一起走的，而不是冷冰冰地扔下一堆规则。

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