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出版者:北方交通

作者:李建芳，高爽 编著

出品人:

页数:321

译者:

出版时间:2006-7

价格:36.00元

装帧:

isbn号码:9787810827034

丛书系列:

图书标签:

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《光影之魅：现代视觉叙事探索》 概述： 《光影之魅：现代视觉叙事探索》并非一本关于特定软件工具的教程，而是一次深入的、关于如何运用光影、色彩、构图和叙事手法来构建引人入胜的视觉故事的哲学与实践探讨。本书致力于解构那些能够触动人心、引发思考的现代设计作品背后的深层原理，从经典艺术到前沿数字媒体，横跨摄影、电影、绘画、插画乃至网页设计等多个领域。它不是教授你“怎么做”，而是引导你思考“为什么这么做”，并最终让你能够创造出具有独特语言和深刻内涵的视觉作品。 核心理念： 本书的核心在于“叙事”——如何用静止的画面讲述一个故事，如何通过视觉元素唤起情感共鸣，如何让信息在潜移默化中传达。光影，作为最基本也是最强大的视觉语言之一，被置于讨论的中心。我们不再将光影仅仅视为一种技术手段，而是将其视为情感的载体、空间的塑造者、时间的标记，以及人物内心世界的隐喻。 内容深度解析： 第一部分：光影的语言——从朴素到复杂 基础篇：光影的物理与心理 光源的性质与感知： 探讨自然光（阳光、月光、星光）、人造光（灯光、闪光灯）的物理特性，以及它们如何影响我们对物体形态、质感和色彩的感知。从柔和散射光到硬质直射光，不同光源带来的情绪和氛围差异。 阴影的意义与表现： 深入分析阴影并非“无”的区域，而是积极的构成元素。学习如何运用阴影来定义轮廓、营造深度、暗示空间、引导视线，甚至表达人物的情绪状态（如压抑、神秘、孤独）。 高光与反光的运用： 探索高光在勾勒主体、强调材质、点亮画面中的作用，以及反光如何增加画面的层次感和真实感。 进阶篇：光影的艺术化表达 经典光影大师解析： 分析伦勃朗光、侧光、逆光、顶光等经典布光技法在不同艺术流派（如文艺复兴、巴洛克、印象派、表现主义）中的应用，以及这些技法如何服务于当时的审美和叙事需求。 情绪与光影的关联： 建立光影与特定情绪之间的联系。例如，暖色调的柔和光影常与温馨、浪漫相关，而冷色调的强烈对比光影则可能暗示紧张、悬疑或悲伤。 空间与光影的互动： 学习如何利用光影来界定和塑造空间感，营造局促或开阔的视觉感受。理解光线如何穿越场景，在墙壁、地板和物体上投射出迷人的光斑和阴影，从而赋予空间生命。 时间与光影的流转： 探索光影如何在一天或一个场景中随时间发生变化，以及这种变化如何反映故事的进程或人物的心境。例如，日出时的金色余晖象征希望，而黄昏的暮色则可能预示着终结。 第二部分：色彩的魔法——情绪的调色板 色彩的基础理论与心理学： 色轮与色彩关系： 回顾互补色、对比色、邻近色、三原色、三间色等基本概念，并探讨它们在视觉设计中的实际应用。 色彩的象征意义与文化内涵： 深入研究不同文化背景下色彩的普遍象征意义（如红色代表热情、危险，蓝色代表宁静、忧郁），以及如何在设计中恰当运用这些象征来传达信息。 色彩的情绪影响： 分析色彩如何直接影响观众的情绪和心理状态，例如暖色调的兴奋和活跃，冷色调的沉静和疏离。 色彩的和谐与冲突： 色彩的搭配原则： 学习如何运用色彩和谐的原则来创造出令人愉悦、统一的视觉风格。分析单色、邻近色、互补色等不同搭配方式的效果。 利用色彩冲突制造焦点： 探讨如何巧妙运用色彩的对比和冲突来吸引观众的注意力，突出画面中的关键元素，或制造戏剧性效果。 色彩的意境营造： 学习如何通过色彩的选择和运用，来构建特定的意境和氛围。例如，褪色的、低饱和度的色彩可以营造出复古或怀旧感，而鲜艳、高饱和度的色彩则能带来活力和现代感。 第三部分：构图的韵律——视觉的秩序与张力 经典构图法则的解构： 三分法、黄金分割： 深入分析这些经典构图法则的原理，以及它们为何能够创造出平衡、和谐的视觉效果。 引导线、对称与不对称： 学习如何利用画面中的各种元素（如线条、形状、色彩）来引导观众的视线，并在对称与不对称的运用中寻找视觉平衡与张力。 透视与景深： 探讨透视原理如何创造空间感，以及景深控制如何影响画面的焦点和信息传达。 现代构图的突破与创新： 打破常规的视角： 鼓励读者尝试非常规的拍摄角度和观察方式，如俯视、仰视、微距等，以获得独特的视觉冲击力。 负空间（留白）的哲学： 深入理解负空间不仅仅是“空白”，而是积极的构成元素，它如何帮助画面留有呼吸的空间，突出主体，引导思考。 动态构图与静态构图： 分析不同构图方式所带来的运动感或稳定感，以及如何根据叙事需求来选择合适的构图策略。 多媒体叙事中的构图： 探讨在连续性的视觉流（如电影、动画、网页）中，每一帧画面的构图如何与前一帧和后一帧衔接，共同构建整体叙事。 第四部分：叙事的力量——从形式到内容 故事的视觉化： 主题的确立与表达： 如何在有限的画面中清晰地传达故事的主题或核心信息。 人物的塑造与情感传达： 通过光影、色彩、姿态、表情等元素，赋予画面中的人物生命力，并使其情感得以传递。 情节的暗示与推进： 学习如何通过画面的细节、构图的安排来暗示故事的发展，或制造悬念，引导观众进行联想。 视觉语言的演变与融合： 跨媒介的叙事策略： 分析不同艺术形式（绘画、摄影、电影、数字艺术）在视觉叙事上的优势与特点，以及如何从中汲取灵感。 情感共鸣的设计： 探讨如何超越纯粹的技术层面，触及观众的情感，引发共鸣，让作品具有打动人心的力量。 个体风格的探索： 鼓励读者在掌握了基本原理之后，大胆尝试，形成自己独特的视觉语言和表达方式。 本书特点： 非技术导向： 本书不涉及任何软件的操作指南，而是专注于视觉创作的原理、美学和哲学思考。 案例丰富： 精选大量来自不同领域、不同时代、不同风格的经典和现代视觉作品进行深入剖析，展示理论如何在实践中得到应用。 启发性强： 通过引导性的提问和深入的分析，激发读者独立的思考能力，帮助读者建立起属于自己的视觉判断和创作体系。 强调“为什么”： 区别于“如何做”，本书更侧重于探讨“为什么这样做”，让读者理解设计决策背后的逻辑和意图。 目标读者： 本书适合所有对视觉艺术和设计抱有浓厚兴趣，希望提升自身审美能力、深入理解视觉语言、并创造出更具深度和影响力的作品的创作者。包括但不限于：平面设计师、摄影师、插画师、UI/UX设计师、视觉艺术家、电影制作人、广告从业者，以及任何希望通过视觉媒介进行有效沟通和情感表达的个人。 《光影之魅：现代视觉叙事探索》是一次对视觉世界的深度巡礼，它将带领你穿越光影的迷人空间，徜徉在色彩的丰富海洋，感受构图的严谨与自由，最终抵达叙事的力量之巅。它将成为你创作道路上不可多得的指引者和灵感源泉。

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这本书在“自动化流程与效率提升”方面的讲解，简直是纸上谈兵，完全脱离了实际工作场景。它煞有介事地介绍了宏录制功能，告诉你如何录制一系列操作然后一键执行。听起来很美好，对吧？但**它没有提供任何实用的脚本或动作示例，比如如何批量给上百张电商产品图添加标准的版权水印，并按照既定的命名规则自动保存到不同的文件夹结构中。** 我需要的是可以直接拖入使用的解决方案，而不是理论上“你可以这样做”的模糊指引。设计工作流程往往是高度重复且需要极致精度的，而这本书在讲解Action的应用时，语言过于抽象，完全没有体现出“效率”二字的核心价值。我更希望看到的是如何利用Photoshop的变量功能来快速生成不同尺寸的广告横幅，而不是那种基础到令人发指的“记录-停止”的教学。读完后，我感觉自己好像参加了一个关于理论编程语言的研讨会，却发现自己根本不知道如何编译出一个可以运行的程序。这本书对于追求极致工作效率的专业人士来说，提供的帮助微乎其微，更多的是一种理论上的展示，而非实战手册。

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我实在搞不懂这本书的定位是什么。难道是面向那些已经精通Photoshop，想要挑战极限的“超级用户”吗？如果是这样，它又缺乏足够的深度和原创性。那些关于“高级滤镜链”的章节，我印象中在十年前的网络论坛上就已经看到过类似的讨论了，它似乎只是把一些网络上流传已久的技巧进行了简单的汇编，然后用更学术的语言重新包装了一下。**它完全没有展示任何关于现代品牌识别系统（VI）建立过程中，如何利用Photoshop进行核心图形延展和风格统一的案例。** 比如，如果我是一个初创公司的设计师，我需要设计一套跨越社交媒体头像、网站Banner和印刷宣传册的视觉资产，这本书里哪里有提到如何建立一个可复用的“智能对象”库来确保效率和一致性呢？没有！它更关注的是如何让一张照片看起来更“戏剧化”，比如怎样把天空P成火烧云，或者如何让人物皮肤看起来像塑料一样光滑——这些技巧在今天的很多一键美化App里都能实现，我们难道不应该把精力放在更有创造性的设计思维上吗？这本书的内容给我一种强烈的时代滞后感，仿佛它是在十年前的某个时间点被定稿的，对于今天快速迭代的数字媒体环境来说，参考价值非常有限。

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这本书的排版简直是灾难，每次我试图跟着书里的指导操作时，我都要花费双倍的时间去定位作者在说什么。你知道吗？它在讲解“钢笔工具”路径的创建时，旁边的插图小得可怜，而且关键的锚点根本看不清楚！我不得不频繁地在书和我的软件界面之间来回切换，而且很多时候，书上描述的菜单路径和我的软件版本显示的竟然有细微的出入。这让我非常困惑，难道这本书的校对没有跟上软件的迭代速度吗？更别提那些关于排版和字体处理的章节了，它只是泛泛而谈地提了一下“留白的重要性”和“字体配对的基本原则”，但**完全没有深入讲解在实际的A4海报设计中，如何根据视觉重心来精确调整字距和行距，以达到最佳的阅读舒适度。** 我期待的是那种手把手的指导，比如“当你设计一个标题时，尝试将大字的X高度设置为正文的1.8倍”，而不是这种空洞的理论陈述。说实话，我现在更愿意去翻阅那些老旧的设计杂志，至少它们的版式设计还赏心悦目一些。这本书的视觉呈现水平，与它所教授的软件的强大功能形成了鲜明的对比，这本身就是一种讽刺。

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作为一名热衷于插画和概念艺术的爱好者，我对这本书在“绘画与数字笔刷”方面的介绍感到极度失望。我拿起这本书，是希望看到如何利用Photoshop强大的笔刷引擎来模拟传统媒介的质感，或者如何构建复杂的纹理笔刷。结果呢？它仅仅花了一两页篇幅，介绍了如何导入一个笔刷文件，然后就没了！**它完全忽略了Shape Dynamics、Scattering、Texture等核心设置面板对创造独特笔触的重要性。** 更有甚者，它甚至没有提及如何利用“混合模式”来叠加纹理层，从而创造出油画或者水彩画那种微妙的肌理感。对我来说，Photoshop不仅仅是处理照片的工具，它也是一个强大的数字画布。这本书对于艺术创作层面的指导，简直是敷衍了事，像极了给一个顶尖厨师的食谱里只写了“把食材放进锅里煮熟”。我从中学到的东西，还不如我自己对着软件的各个面板摸索半小时来得多。这使得这本书对于那些想用Photoshop进行深度数字创作的人来说，完全是浪费纸张。

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天哪，我简直不敢相信我竟然浪费了这么多时间在这本号称“终极指南”的书上！我本来满心欢喜地想学习如何用这款行业标杆软件创造出令人惊艳的视觉作品，结果呢？这本书简直就像是本过时的用户手册，充满了晦涩难懂的技术术语，对初学者极度不友好。它似乎假设读者已经对数字图像处理有着相当的了解，上来就直接跳入了那些只有资深设计师才关心的“图层混合模式的高级应用”或者“非破坏性编辑的复杂工作流程”。我记得我翻到关于色彩管理那一部分时，简直想把书扔到一边——它只是简单地罗列了一堆ICC配置文件和色彩空间的概念，却没有给我任何实际操作的案例来告诉我，**我到底该如何在我的电脑上设置才能保证我打印出来的颜色和屏幕上看到的一模一样！** 整个阅读过程充满了挫败感，感觉作者在炫耀自己的知识储备，而不是真正想教会读者如何使用这个强大的工具。如果你的目标是快速上手并开始设计，这本书只会让你迷失在理论的迷宫里，效率低得可怜。我更推荐那些带有大量高质量、高分辨率前后对比图和简洁步骤说明的在线教程，那样的学习体验可比对着这堆密密麻麻的文字有效多了。它完全没有触及到当代平面设计中那些更前沿、更实用的技巧，比如如何高效地处理响应式设计元素，或者如何利用人工智能辅助工具来加速创意过程。总而言之，这本书更像是一份学术论文的节选，而不是一本实用的设计工具书。

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