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出版者:河南美术出版社

作者:李学峰编

出品人:

页数:320

译者:

出版时间:2003-10

价格:186.00元

装帧:精装

isbn号码:9787540111281

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
• 当代艺术
• 绘画
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《墨韵新章：二十一世纪中国画的探索与实践》 一、 引言：时代浪潮中的水墨新声 进入二十一世纪，中国画这门拥有数千年悠久历史的古老艺术，正经历着一场前所未有的深刻变革。全球化浪潮的席卷、社会结构的飞速变迁、科技文明的日新月异，都在以前所未有的力量冲击着传统观念，也为中国画的发展提供了新的语境和可能性。《墨韵新章：二十一世纪中国画的探索与实践》一书，正是对这场变革的忠实记录与深度剖析，它不拘泥于对过往辉煌的回溯，更着眼于当下中国画坛涌现出的鲜活生命力，以及艺术家们在继承与创新之间所进行的艰辛探索与不懈实践。本书旨在梳理二十一世纪以来中国画在题材、技法、观念、媒介等多个维度上发生的演变，展现当代中国画艺术家们如何以饱满的热情、独立的思考和创新的勇气，在传统的沃土上开辟出新的天地，书写属于这个时代的“水墨新章”。 二、 时代背景：全球化、现代化与本土文化的张力 二十一世纪初，中国迎来了经济腾飞和社会转型的关键时期。改革开放的深入，使得中国与世界的联系日益紧密。西方艺术思潮的涌入，对中国画的创作理念和实践产生了冲击，也激发了艺术家们对外来艺术进行反思和借鉴的欲望。同时，中国社会结构的快速变迁，城市化进程的加速，以及消费主义的兴起，都深刻影响了人们的生活方式、价值观念和审美情趣，这些变化不可避免地体现在了艺术家的创作之中。 在这种背景下，中国画的艺术家们面临着一个关键的抉择：如何在传承民族优秀传统的同时，积极拥抱时代精神，并有效回应当代社会的文化需求？本书认为，二十一世纪的中国画，正是这种“张力”的产物。它既不是对传统毫无保留的复古，也不是对西方艺术的简单模仿，而是在深刻理解和尊重民族文化根脉的基础上，进行的创造性转化和创新性发展。本书将深入探讨全球化背景下，中国画艺术家们如何在全球语境中确立自身文化身份，并在多元文化的碰撞与交融中，找到属于中国画的独特叙事路径。 三、 题材革新：从山水人物到城市风景与社会百态 传统中国画的题材多集中于山水、花鸟、人物等相对静态和理想化的表现对象。然而，二十一世纪的中国画在题材上呈现出前所未有的拓展和多元化。 城市景观的崛起： 随着中国城市化进程的飞速发展，高楼林立的城市景观、繁忙的交通网络、以及城市中涌动的人潮，成为了当代中国画艺术家们关注的新焦点。这些作品不再仅仅描绘自然的壮丽，而是将目光投向了钢筋水泥的森林，以及其中现代人的生活状态。艺术家们尝试用传统的水墨技法来表现现代城市的疏离感、活力、或者隐藏在其下的孤独，例如，他们会用浓淡干湿的墨色来描绘雾霾笼罩下的都市天际线，用细密的笔触勾勒出摩天大楼的肌理，或者用粗放的笔法表现城市的喧嚣与嘈杂。这种题材上的转变，标志着中国画开始积极介入和回应当下社会生活的现实。 社会现实的关照： 21世纪的中国画，同样不回避对社会现实的深入关照。从农村的变迁到城乡的对比，从特定群体（如农民工、留守儿童）的生活状态，到社会发展进程中出现的种种问题，都成为了艺术家们笔下的素材。他们不再满足于“意境”的营造，而是通过水墨的笔触，直观地呈现出时代的痕迹，表达对社会现象的思考与人文关怀。本书将展示一批以写实手法或象征手法描绘社会现实的作品，分析艺术家们如何通过水墨的语言，引发观者对社会问题的思考。 观念与抽象的探索： 除了具象题材的拓展，二十一世纪的中国画在观念上也更加开放。许多艺术家开始尝试将抽象艺术的理念融入中国画创作，打破具象的束缚，通过墨色的变化、笔触的肌理、以及构图的实验，来表达内心的感受和对哲学的思考。本书将探讨抽象水墨的发展，以及艺术家们如何运用非具象的语言，构建出属于自己的视觉世界。 四、 技法演进：水墨的边界与多元语言的融合 在技法层面，二十一世纪的中国画同样展现出蓬勃的生命力。艺术家们在继承传统笔墨精髓的同时，也在积极探索新的表现可能性。 笔墨语言的实验： 传统的“用笔”、“用墨”是水墨画的根基。然而，当代艺术家们在继承这些基本功的同时，也对其进行了大胆的拓展。他们会尝试更自由、更具表现力的笔法，例如，用刮、擦、点、染等多种技法相结合，创造出丰富的笔墨肌理。在用墨上，艺术家们也打破了传统的“浓、淡、干、湿、焦”的范畴，大胆运用色彩，或者通过墨色的叠加、渗透，营造出出人意料的视觉效果。本书将分析一些艺术家如何在传统笔墨的基础上，进行个人化的创新，形成独特的个人风格。 媒材的跨界与拓展： 传统中国画多使用宣纸、墨、和中国传统颜料。但当代艺术家们不再局限于此，而是积极尝试使用各种新型材料，例如，将丙烯、油画颜料、版画材料等融入水墨创作，甚至将数字技术、影像等引入画面，模糊了传统水墨与当代艺术的界限。这种跨界融合，极大地丰富了水墨的表现力，也使得中国画能够与更广泛的当代艺术语境对话。本书将通过具体案例，展示媒材创新如何为中国画注入新的活力。 观念性与形式感的结合： 当代中国画的创作，越来越强调观念先行。艺术家们在追求形式美感的同时，更注重作品的思想内涵。许多作品在技法上追求的创新，是服务于其观念表达的。例如，为了表现科技带来的疏离感，艺术家可能会选择一种极为规整、冷静的笔触；为了表达内心的挣扎，艺术家可能会运用强烈的色彩对比和模糊的笔触。本书将重点分析这种“观念与形式”的有机结合，揭示当代艺术家们是如何通过形式的语言，传递深刻的思想。 五、 观念更新：从“师造化”到“师心源”的转向 二十一世纪的中国画，在观念层面上也发生了显著的变化。 个人主体性的强化： 传统中国画强调“外师造化，中得心源”，注重对自然客观规律的模仿与个人情感的抒发。而当代中国画，更加强调艺术家的个人主体性。艺术家不再仅仅是自然的观察者和模仿者，而是成为了社会、历史、文化的思考者和批判者。他们的作品，更多地承载了个人的情感体验、生存感悟、以及对现实世界的独特理解。本书将探讨当代中国画中“个人性”的凸显，以及艺术家们如何以独立的视角来审视世界。 对“传统”的再认知： 在全球化语境下，“传统”不再是一个固定的、僵化的概念，而是一个动态的、可被不断诠释和重构的文化资源。当代中国画艺术家们，对传统不再是简单的继承，而是进行了批判性的反思和创造性的转化。他们会从传统绘画中提取养分，但也会审视传统中的局限性，并尝试以当代人的视角和方式来重新解读和演绎。本书将分析当代中国画艺术家们如何“在传统中创新”，如何“以当代的方式激活传统”。 与当代艺术的对话： 21世纪的中国画，不再是孤立存在的艺术门类。它积极与摄影、装置、行为艺术、影像艺术等当代艺术形式进行对话，互相启发，互相借鉴。这种对话，使得中国画在保持自身独特性的同时，也能够融入更广阔的当代艺术语境，获得更多的生命力。本书将探讨中国画与其他当代艺术形式的互动，以及这种互动如何推动中国画的进一步发展。 六、 结语：面向未来的水墨图景 《墨韵新章：二十一世纪中国画的探索与实践》一书，并非要为中国画的未来下定论，而是希望通过对当下创作的梳理和分析，为读者呈现一幅丰富、多元、充满活力的当代中国画图景。本书所展现的，是艺术家们在时代变迁中的挣扎、思考与创造。他们用手中的画笔，勾勒出属于这个时代的精神风貌，也为中国画这门古老艺术的未来，播撒下希望的种子。 本书相信，二十一世纪的中国画，在继承与创新、传统与当代、东方与西方的交织中，必将绽放出更加绚丽的光彩，书写更加辉煌的篇章。它将不仅仅是传统文化的载体，更是当代中国精神的表达，是连接过去与未来的重要桥梁。

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这本书聚焦于文艺复兴盛期佛罗伦萨雕塑家的技艺与哲学探讨，简直是艺术史研究的典范之作。作者以米开朗基罗的《大卫》为例，展开了对古典美学回归、人文主义精神以及对人体结构精确解剖学的痴迷。它最引人入胜的地方在于，它将冰冷的石头与炽热的创造者的灵魂紧密连接起来。书中详细分析了湿蜡模型法、大理石的纹理辨识以及如何在坚硬的材料中“解放”人物的内在生命力。我尤其欣赏作者对于“未完成品”的解读，那些半成品并非创作上的遗漏，而是艺术家有意留下的、对永恒与时间张力的哲学思考。这种将技术实践与深层形而上学思考相结合的写作手法，极大地提升了阅读的层次感。阅读此书，不仅是欣赏艺术品的复制品，更像是与那些站在历史转折点上的巨匠们进行了一场跨越时空的对话，充满了对人类创造力极限的敬畏。

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我最近翻阅的这本探讨日本浮世绘版画艺术的专著，其细腻入微的笔触让我对江户时代的市民文化有了全新的认识。这本书的切入点非常精巧，它没有把浮世绘仅仅当作一种“异域风情”来介绍，而是将其置于当时江户的娱乐产业、歌舞伎文化以及町人阶层的审美趣味之中进行考察。作者对于雕刻、印刷的工艺流程的详尽描述，简直是一堂生动的技术课，让我明白了那些看似简单的画面背后，是多么复杂的工匠协作与技术积累。特别是对喜多川歌麿美人画中神态的捕捉，以及葛饰北斋风景画中对空间与运动感的处理，都被分解得丝丝入扣。它让我理解到，浮世绘的魅力不在于宏大叙事，而在于对日常生活中稍纵即逝的美的捕捉与提炼，是一种高度世俗化、大众化的艺术表达。相比于其他学术著作的晦涩，这本书的行文既有学者的严谨，又不失对艺术本身的热爱与赞叹，读起来非常愉悦。

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我最近读完的这本聚焦于西方印象派大师们的画册，可以说是近年来我收藏中分量极重的一本。它不仅仅是一本简单的图录，更像是一次深入蒙昧到光影革命的田野考察。作者的叙事视角非常独特，没有拘泥于传统的“生平—作品”模式，而是巧妙地将艺术创作置于巴黎社会生活的剧变之中，探讨了摄影术的兴起、工业革命带来的城市面貌更新，如何共同催生了莫奈、雷诺阿等人对瞬间光影的迷恋与捕捉。书中对色彩理论的探讨尤为精彩，它不仅仅停留在对冷暖调子的描述，而是深入到了颜料的化学构成以及画家如何通过并置色块来模拟人眼对光线的感知过程。我特别喜欢其中对于后印象派转折点的分析，那种从外在客观世界的描摹转向内在情感投射的心理过程，被阐释得清晰而富有张力。全书的论述逻辑严密，语言充满激情，读完后对19世纪末的艺术思潮有了颠覆性的认识，感觉像是重新“看”了那些耳熟能详的作品。

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这本关于中国古代书画的著作，实在是一部引人入胜的精品。作者以其深厚的学养和敏锐的洞察力，带领我们穿梭于历史的长河之中，细致入微地剖析了从唐宋到明清几个关键历史时期的艺术演变脉络。书中对不同流派的风格特征、代表画家的艺术思想以及他们如何回应当时的社会思潮，都有着极为精到的阐述。比如，对于宋代院体画那种对自然的极致摹写与文人画那种追求“意境”的内在张力，作者并非简单罗列，而是通过对比分析，深刻揭示了审美取向的微妙差异。阅读过程中，我仿佛能亲身感受到那些墨色在宣纸上晕开的韵律，那些线条中蕴含的士大夫阶层的精神世界。尤其值得称赞的是，作者在引用大量一手文献资料的同时，又能用极其流畅且富有文学性的语言进行解读，使得即便是初涉中国艺术史的读者也能轻松领略其中的奥妙，而老饕们也能从中获得新的启发。这本书的排版和图片质量也无可挑剔，每一幅例图都经过精心选取和高清呈现，极大地增强了阅读的体验感和学术价值。

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这份关于二十世纪早期俄国先锋艺术的文献集，对我来说，更像是一场精神上的洗礼。它毫不留情地撕开了传统艺术的温情面纱，直面了构成主义、至上主义等激进思主义运动的原始能量。不同于一般的艺术史叙事，这本书收录了大量当时艺术家的宣言、信件以及设计草图，这些碎片化的文本共同构建了一个充满理想主义和乌托邦色彩的艺术生态圈。阅读时最大的感受是那种扑面而来的“革命性”——艺术家们不再满足于创作“美的”对象，而是致力于创造“有用的”结构，试图通过几何和纯粹的形式来重塑社会结构。书中对于马列维奇的《黑方块》的解读，不仅将其视为一个绘画符号的终结，更将其视为对传统透视法和具象世界的彻底颠覆，这种深刻的哲学层面的剖析，令人震撼。全书的编辑工作非常出色，那些粗粝的印刷品和手写体的排版，本身就成了那个时代精神的载体，极具历史现场感。

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