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出版者:第1版 (2002年6月1日)

作者:徐步成等编

出品人:

页数:50

译者:

出版时间:2002-6

价格:15.00元

装帧:平装

isbn号码:9787805309071

丛书系列:

图书标签:

• 人像绘画
• 素描
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《匠心传承：中国古代绘画名品鉴赏》 本书并非收录大量人物肖像画作的图典，而是精选了中国古代绘画史上的若干经典之作，深入浅出地解读其艺术价值、历史文化背景及创作意蕴。我们旨在带领读者走进中国画的宏伟画卷，感受古人的审美情趣与哲学思考。 引言：千年丹青，意境悠长 中国绘画，源远流长，博大精深。从远古的岩画，到汉唐的壁画，再到宋元的山水人物，明清的文人画，历朝历代涌现出无数艺术瑰宝。它们不仅是视觉的盛宴，更是历史的见证，是民族精神的载体。《匠心传承：中国古代绘画名品鉴赏》致力于穿越时空，选取其中最具代表性的作品，进行细致入微的品鉴与解读。我们摒弃了浮光掠影式的介绍，力求深入到画作的肌理之中，挖掘其背后蕴含的深厚文化底蕴与艺术家精湛的技艺。本书将带领您一同踏上这场跨越千年的艺术之旅，领略中华文明的独特魅力。 第一部分：山水画的自然情怀与哲学寄托 山水画是中国绘画的重镇，它不仅是对自然景色的描摹，更是文人雅士寄情山水、抒发胸臆的绝佳载体。在这些画作中，我们看到的不仅是壮丽的河山，更是艺术家对生命、宇宙的深刻体悟。 《千里江山图》：青绿山水的时代绝唱 北宋王希孟的《千里江山图》无疑是中国山水画史上的一个里程碑。这幅画以其鲜艳的青绿色彩，宏大的构图，细腻的笔触，描绘了连绵起伏的山峦、波涛汹涌的江河、点缀其间的楼阁亭台，以及辛勤劳作的人们。画面的气势磅礴，色彩绚丽，充满生机与活力。本书将深入剖析其“青绿”用色的独特之处，探讨王希孟在如此年轻的年纪如何能够完成如此巨制，以及这幅画所体现的北宋时期繁荣昌盛的社会气象。我们将从构图的严谨性、笔法的多变性、色彩的和谐性等多个维度，带领读者领略这幅“一画即千古”的山水画巨作。此外，还会探讨“青绿山水”这一画种的艺术发展脉络，以及《千里江山图》在中国山水画史上的地位和影响。 《富春山居图》：文人画的写意精神与淡雅之美 元代黄公望的《富春山居图》则以其独特的“湿笔”技法和“淡墨”风格，展现了中国文人画的另一种极致。这幅画描绘的是富春江畔的山水景致，笔墨温润，意境空灵。画面中的山峦层叠，树木婆娑，江水蜿蜒，仿佛将观者带入一个宁静而秀美的江南水乡。本书将重点解析黄公望“用笔之妙”，如何通过墨色的浓淡枯湿变化，营造出山峦的体积感和空间的纵深感。我们将探讨“淡墨”在文人画中的意义，它所传达的不是色彩的贫乏，而是精神的空灵与意境的深邃。同时，还会追溯《富春山居图》的流传过程，特别是其“分合”的传奇经历，以及它在中国绘画史，乃至世界绘画史上的独特价值。 《溪山行旅图》：北宋山水的雄浑气象与全景式构图 范宽的《溪山行旅图》是北宋山水画的代表作之一，以其雄浑壮阔的气势和全景式的构图而闻名。画中，巍峨的山峰耸立，云雾缭绕，一道瀑布从高处倾泻而下，汇入奔腾的溪流。山脚下，商旅队伍艰难前行，更增添了几分磅礴的生命力。本书将着重分析范宽“雨点皴”的独特运用，如何用短促、密集、有力的笔触，表现出山石坚硬、崎岖的质感。我们将探讨其“高远、深远、平远”的构图法则在《溪山行旅图》中的体现，以及画家如何通过细节的处理，将自然的山水与渺小的人类活动巧妙地融合在一起，展现人与自然的和谐共存。 第二部分：人物画的叙事性与精神肖像 中国的人物画，不仅是对人物形象的描绘，更是对人物精神世界、社会身份、情感状态的深刻刻画。它们以精湛的技艺，讲述着历史的故事，传递着人性的光辉。 《洛神赋图》：曹植情思与顾恺之的仙姿 东晋顾恺之的《洛神赋图》是中国古典绘画中关于爱情与理想的经典之作。根据曹植的同名辞赋创作，画面通过对洛水女神飘逸身姿、以及曹植复杂情感的描绘，展现了一段凄美动人的神话爱情故事。本书将细致解读顾恺之“以形写神”的绘画理论，分析画中人物的造型特点，如“三白”的脸部描绘，以及衣纹的流畅飘逸。我们将探讨“游丝描”在勾勒人物轮廓和衣纹中的运用，以及画面构图如何服务于叙事，营造出如梦似幻的意境。此外，还会分析《洛神赋》本身的思想内涵，以及顾恺之如何将其转化为视觉语言。 《步辇图》：唐朝宫廷的政治风云与女性之美 唐代阎立本的《步辇图》是中国古代绘画中为数不多的记录宫廷历史事件的杰作。此画描绘了唐太宗李世民在步辇上接见吐蕃使臣禄东赞的情景。画面人物众多，服饰华丽，场面宏大，生动地展现了唐朝强大的国威和开放包容的外交政策。本书将深入分析画中人物的性格刻画，特别是对唐太宗沉稳威严、文成公主端庄秀丽的描绘。我们将探讨阎立本“兼工带写”的绘画风格，以及其严谨的造型和细腻的色彩运用。此外，还会结合历史背景，解析《步辇图》所蕴含的政治意义，以及它作为历史文献的价值。 《韩熙载夜宴图》：五代文人生活的精致缩影 五代顾闳中的《韩熙载夜宴图》是一幅描绘南唐官员韩熙载在家中举行宴会的场景。全卷分为“听琴”、“观舞”、“赏歌”、“休息”四个部分，生动地展现了当时士大夫阶层的日常生活、审美情趣和社交活动。本书将引导读者逐一品味画卷中的各个场景，分析画中人物的服饰、器物、建筑，以及他们之间的互动。我们将探讨顾闳中如何通过细腻的笔触和写实的造型，刻画出人物的情态神韵，例如舞者轻盈的舞姿，弹琴者的专注，以及旁观者的神情。本书还会结合历史资料，分析韩熙载其人及其生活方式，以及这幅画所折射出的五代时期的社会风貌。 第三部分：花鸟画的生意盎然与寓意象征 花鸟画在中国绘画中独树一帜，它以自然的生灵为题材，表达了画家对生命的赞美，以及对高尚情操的追求。 《芙蓉锦鸡图》：宋代宫廷的吉祥寓意与工笔之美 宋代画家崔白笔下的《芙蓉锦鸡图》是一幅充满吉祥寓意的工笔花鸟画。画中，两只锦鸡在盛开的芙蓉花丛中嬉戏，色彩鲜艳，姿态生动。本书将重点解析崔白“减笔”技法的运用，以及其“写实”风格的特点。我们将探讨画中锦鸡的羽毛如何通过细腻的勾勒和渲染表现得栩栩如生，芙蓉花的娇艳如何通过色彩的搭配展现得淋漓尽致。此外，还会分析“芙蓉”和“锦鸡”在传统文化中的象征意义，以及这幅画所传达的富贵吉祥的美好祝愿。 《墨竹图》：文人画的清高气节与笔墨意趣 元代画家吴镇的《墨竹图》是中国文人画中梅、兰、竹、菊“四君子”题材的代表作。画中，几竿翠竹，疏密有致，墨色浓淡变化丰富，展现了竹子挺拔、虚心、坚韧的品格。本书将深入探讨“墨竹”的绘画传统，以及吴镇在继承传统的基础上如何融入自己的个性。我们将分析其“破笔”技法的运用，如何用粗犷有力的笔触表现出竹竿的挺拔，以及用淡墨勾勒出竹叶的生动。本书还将解读“竹”在中国文化中的象征意义，如“岁寒三友”，以及文人画家借竹抒发的高洁情操。 结语：传承与创新，永恒的艺术生命 《匠心传承：中国古代绘画名品鉴赏》并非止步于对历史名作的简单梳理，而是试图发掘其超越时代的艺术魅力和文化价值。每一幅画作都是一个故事，一段历史，一种精神。通过对这些名品的深入解读，我们希望能够唤醒读者内心深处的艺术感知，理解中国绘画的独特美学体系，感受古人对自然、对生命、对人文精神的深刻关怀。本书的目的在于传承，也在于启发，希望能够激励新一代的艺术家和艺术爱好者，在汲取传统营养的同时，不断探索创新，为中华艺术注入新的生命力。 本书力求以严谨的态度，真挚的情感，带领您走进中国古代绘画的殿堂，感受那份跨越千年的匠心与传承。

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说实话，我原本以为这会是一本偏向技术手册类的书籍，毕竟名字里带着“全典范”这样的字眼，总容易让人联想到教科书式的分析。然而，它的阅读体验远超出了我的预期。它更像是一场精心策划的“无声对话”。每一页的呈现都极为克制，没有冗长的大段文字解释技法，而是将所有的论述都交给了图像本身。我发现自己会不自觉地停留在某一幅图像前，试图去“破译”创作者的思路：他为什么选择这个角度？阴影是如何塑造颧骨的立体感的？这种主动的探索过程，比被动接受知识来得深刻得多。对于那些已经有一定基础的艺术爱好者来说，这本书更像是一个高水平的“陪练”，它不直接告诉你答案，而是通过展示极致的范例，让你自己去反思和学习。这种留白和启发性，是很多技术书望尘莫及的。

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这本书的装帧设计非常有心，封面采用了哑光处理，拿在手里有一种沉甸甸的质感，让人感觉这是一本精心打磨的作品。内页纸张的选择也很讲究，没有那种廉价的漂白感，色彩还原度很高，即便是对于复杂的面部细节，印刷出来的层次感也相当丰富。我特别欣赏它在排版上的用心，每一幅图像都占据了充分的空间，不像有些图册恨不得把内容塞满，让人喘不过气。它留出了足够的留白，让观察者可以沉浸其中，细细品味每一张面孔所蕴含的故事。光是翻阅前几页，那种对美的敬畏感和对细节的追求就扑面而来。这本书显然不是那种走马观花的速成指南，而更像是一部深入探索人像艺术的视觉辞典，适合那些真正热爱绘画和摄影，并愿意花时间去揣摩“神韵”的读者。整体来说，从触感到视觉体验，它都传递出一种专业和匠心的品质，让人对手中的这份“典范”充满了期待。

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这本书的编排逻辑非常巧妙，它不是简单地按时间顺序罗列，也不是按面部特征分类，而似乎有一种更深层次的、基于“叙事性”的组织方式。例如，你会发现一组相邻的肖像，虽然人物迥异，但处理光线的手法却有着微妙的呼应，仿佛是同一主题下的不同变奏。这种串联感极大地增强了阅读的乐趣，它促使你从宏观上去把握“人像”这个主题的无限可能性。我尤其喜欢那些非主流、略带粗粝感的面孔，它们没有经过过度美化，充满了真实世界的烟火气。这本书成功地打破了对“完美人像”的刻板印象，展示了真实人性中蕴含的美感。它让我意识到，作为一名观察者，我们的责任是去捕捉和记录这份独一无二的生命痕迹，而不是去迎合某种审美标准。

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我花了整整一个下午的时间，沉浸在这套书所构建的视觉世界里，最大的感受是其跨越时代和地域的广度。它仿佛是一扇窗，让我得以窥见不同文化背景下，人们的面部特征是如何被捕捉和表达的。我尤其关注那些看似随意捕捉的瞬间，那些微表情的捕捉，简直神乎其技。很多作品并非是那种完美无瑕的“标准美”，反而是在那些细微的皱纹、眼角的疲态或是嘴角那一抹不易察觉的笑意中，展现出了惊人的生命力。这让我意识到，真正的“典范”并不在于脸部结构多么符合黄金比例，而在于创作者能否精准地传达出人物内在的情感张力。这本书提供了一个极好的对比平台，你可以看到不同时代画家或摄影师处理光影、质感和情绪的差异，这对提升自己的观察视角，无疑是极具启发性的。

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我是一名科班出身的视觉艺术学习者，平时习惯于接触各种高清晰度的数字图像，因此，我对实体印刷品的质量有着近乎苛刻的要求。这本书在“影印”质量上，表现出了极高的水准。特别是对于一些老旧的、年代久远的底片或原作，能够将其中的颗粒感、胶片的色偏，甚至轻微的噪点都忠实地还原出来，这本身就是一项了不起的成就。很多时候，我们在线上看到的所谓“高清图”，在实体印刷中反而会丢失掉那种微妙的肌理感，而这本书完全规避了这个问题。它让我重拾了实体书的价值——那就是将平面图像转化为可以被触碰和感受的物理存在。对于想深入理解媒介特性，并希望将这种理解融入到自己创作中的人来说，这本书提供的视觉信息是极其宝贵且精确的参考。

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