动画制作综合实训 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国水利水电

作者:韩雪涛

出品人:

页数:357

译者:

出版时间:2006-5

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787508437668

丛书系列:

图书标签:

• 动画制作
• 动画原理
• 动画软件
• 实训
• 行业技能
• 数字艺术
• 多媒体
• 设计
• 计算机动画
• 技能提升

《动画制作综合实训》 内容简介 本书是一本面向动画制作领域初学者及进阶者的实践性教材，旨在通过系统性的实操训练，帮助读者掌握动画制作的全流程技术，并培养独立完成中小型动画项目的能力。本书并非仅仅罗列理论知识，而是将理论与实践紧密结合，以项目驱动的学习模式，引领读者一步步深入动画制作的核心。 核心内容板块 本书内容覆盖了动画制作的各个关键环节，从前期创意构思到后期渲染输出，环环相扣，层层递进。 第一篇：动画项目流程与基础概念（从无到有，搭建框架） 第一章：走进动画世界——理解动画的魅力与发展 简述动画艺术的起源与发展简史，了解不同风格动画的特点。 探讨当前动画产业的现状、趋势与市场需求，为读者树立行业认知。 介绍动画制作的主要类型，如2D动画、3D动画、定格动画等，初步了解其技术差异。 强调“项目驱动”的学习理念，阐述本书结构如何引导读者完成实际项目。 第二章：动画的骨架——故事创作与剧本构建 讲解故事构思的核心要素：主题、角色、情节、冲突。 学习如何设计引人入胜的角色：性格、动机、外形、关系。 掌握剧本写作的基本格式与技巧，包括场景描述、对话编写、动作提示。 通过案例分析，理解优秀动画剧本的特点。 实训环节： 创作一个简短的动画故事大纲，并尝试编写一个核心场景的剧本。 第三章：视觉的蓝图——分镜脚本与原画设计 深入理解分镜脚本的作用：视觉叙事、镜头语言、画面调度。 学习绘制分镜图的基本方法：构图、透视、角色动态。 探讨不同镜头类型的运用及其情感表达。 介绍原画设计的流程：角色设定、场景设定、道具设定。 学习不同风格的原画表现手法，以及色彩、光影在设计中的运用。 实训环节： 为前一章节的故事绘制关键镜头的草图分镜，并完成一个角色的初步设计稿。 第二篇：2D动画制作实战（精雕细琢，灵动跃然） 第四章：线条的舞动——2D动画绘制基础 介绍二维动画软件（如Adobe Animate, Toon Boom Harmony等）的基础操作。 学习关键帧与中间帧的概念，理解动画原理（如挤压、拉伸、预备动作等）。 掌握不同绘制工具的使用，如矢量绘制与像素绘制。 练习线条的表现力，如何通过线条粗细、力度传达情感与动态。 实训环节： 练习绘制简单的弹跳球、挥手等基础动画片段。 第五章：角色的生命——2D角色动画深入 学习角色骨骼绑定技术，为角色赋予灵活的动作表现力。 深入研究角色表演的细节：表情变化、肢体语言、重力感。 讲解循环动画的制作技巧，如行走、跑步、呼吸。 学习如何利用动画软件的工具实现更流畅、自然的动作。 实训环节： 制作一个角色行走循环动画，并为其设计一个简单的表演动画（如惊讶、开心）。 第六章：场景的呼吸——2D背景与道具动画 学习背景绘制的技巧，如何营造氛围、突出主体。 设计与角色风格匹配的场景元素。 制作简单的道具动画，如飘动的旗帜、转动的风车。 学习背景与角色动画的配合，使画面整体协调。 实训环节： 为角色动画绘制一个简单的背景，并添加一些动态的背景元素。 第七章：色彩的魔法——2D后期合成与特效 学习色彩理论在动画中的应用，如何通过色彩情绪化叙事。 掌握基本的色彩校正与调整技术。 介绍2D动画中常见的特效制作，如闪光、烟雾、粒子效果。 学习使用图层和混合模式进行合成。 实训环节： 为完成的2D动画片段进行色彩调整，并添加简单的视觉特效。 第三篇：3D动画制作精要（立体空间，光影交织） 第八章：三维的构建——3D建模基础 介绍主流3D建模软件（如Blender, Maya, 3ds Max等）的界面与基础操作。 学习多边形建模、NURBS建模等基本建模方法。 掌握顶点、边、面的编辑操作。 理解模型拓扑的重要性，以及UV展开与贴图的基础知识。 实训环节： 建模一个简单的几何体，如箱子、台灯，并尝试进行UV展开。 第九章：塑形的艺术——3D模型精修与雕刻 深入学习细分建模技术，创建更精细的表面。 介绍数字雕刻的基本流程与常用笔刷。 学习如何为模型添加细节，如服装褶皱、皮肤纹理。 实训环节： 雕刻一个简单的角色头模或道具，使其更具真实感。 第十章：生命的赋予——3D角色绑定与蒙皮 学习创建骨骼系统，为3D角色搭建骨架。 掌握蒙皮（权重绘制）技术，使模型与骨骼正确联动。 制作IK/FK控制系统，方便角色动画师操控。 实训环节： 为一个简单的3D角色模型进行骨骼绑定和蒙皮。 第十一章：律动的灵魂——3D动画制作 学习3D动画软件中的关键帧动画制作。 深入理解3D动画的运动规律，如重力、惯性、平衡。 学习如何制作流畅的角色表演动画，包括面部表情动画。 介绍循环动画在3D中的制作方法。 实训环节： 为绑定的3D角色制作一段行走动画，并尝试一个简单的表情表演。 第十二章：空间的描绘——3D场景搭建与灯光 学习使用3D软件进行场景的布局与构建。 导入模型、设置摄像机视角。 深入理解灯光在3D渲染中的作用，学习不同类型灯光（如点光、聚光、环境光）的运用。 掌握基础的打光技巧，营造不同的氛围与立体感。 实训环节： 为3D角色动画场景设置基本灯光。 第十三章：真实的幻象——3D材质与渲染 学习创建和编辑3D材质，如金属、布料、皮肤等。 理解PBR（基于物理的渲染）材质的工作流程。 学习设置渲染参数，提高渲染效率与质量。 介绍不同渲染引擎的特点与选择。 实训环节： 为3D场景中的模型赋予合适的材质，并进行一次初步的渲染测试。 第四篇：动画后期与项目整合（融会贯通，成品诞生） 第十四章：声画的交响——配音、音效与音乐 讲解声音在动画中的重要性，以及不同类型声音的作用。 介绍配音的流程与技巧，如何通过声音塑造角色。 学习音效的收集、剪辑与制作，包括环境音、特效音。 探讨背景音乐的选择与运用，如何烘托气氛、推动情节。 实训环节： 为之前完成的动画片段寻找或制作匹配的音效和背景音乐。 第十五章：像素的整合——非线性剪辑与合成 介绍非线性编辑软件（如Adobe Premiere Pro, Final Cut Pro等）的基础操作。 学习如何导入、整理、剪辑动画片段。 掌握基本的镜头衔接与节奏控制。 介绍后期合成软件（如Adobe After Effects）的应用。 学习层叠、遮罩、运动跟踪等常用合成技术。 实训环节： 将所有制作的动画片段导入剪辑软件，并进行初步的剪辑。 第十六章：光影的雕琢——精细调色与输出 学习精细的色彩校正与风格化调色技术，为动画注入艺术感。 掌握不同视频编码格式与输出设置，确保画面质量。 了解不同平台的发布需求与优化技巧。 实训环节： 为完成的动画短片进行最终的色彩调整，并按照指定格式输出。 第十七章：项目实战——独立动画短片制作 本书的核心实践环节，引导读者从头到尾完成一个完整的独立动画短片项目。 涵盖前期策划、中期制作、后期输出的全过程。 强调团队协作与项目管理的重要性（即使是个人项目，也需模拟）。 鼓励读者运用所学技能，独立解决制作过程中遇到的问题。 实训环节： 独立完成一个时长1-2分钟的动画短片，涵盖2D或3D技术。 本书特色 项目驱动： 贯穿全书的实训项目，让学习过程更具目标性与实践性。 循序渐进： 内容由浅入深，从基础概念到高级技巧，适合不同阶段的学习者。 技术全面： 涵盖2D与3D动画制作的关键技术，为读者提供广阔的学习空间。 实操导向： 强调动手能力，通过大量的实训操作，巩固理论知识。 案例丰富： 结合实际案例分析，帮助读者理解技术在实际应用中的价值。 软件通用： 书中介绍的通用技术理念，可迁移至多种主流动画制作软件。 适用读者 对动画制作充满热情，希望系统学习相关技能的初学者。 有一定基础，希望进一步提升技能，完成更复杂动画项目的进阶者。 艺术设计、数字媒体、影视制作等相关专业的学生。 希望转行或拓展技能的从业者。 独立动画人、业余爱好者。 通过《动画制作综合实训》，读者不仅能掌握精湛的动画制作技艺，更能培养严谨的创作思维和解决问题的能力，为投身蓬勃发展的动画产业奠定坚实的基础。

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这本书的理论深度已经超越了我预期的“实训”范畴，它触及了动画艺术哲学的层面。例如，书中对“夸张与真实之间的平衡点”的探讨，细致入微地分析了不同文化背景下观众对角色形变的接受阈值，这在其他任何入门或中级教材中都是罕见的深入。我曾花费大量时间在理解如何让一个简单的行走循环看起来既有“重量感”又有“个性”，而这本书提供了一套基于物理规律和心理暗示相结合的分析框架，让我豁然开朗。它不仅仅教你如何“画得像”，更引导你去思考“为什么这样画才能打动人”。对于那些已经掌握了基础操作，渴望在自己的作品中注入独特“语汇”的高阶学习者来说，这本书无疑是提供了一条通往精进的捷径，它促使读者从机械的模仿者转变为富有洞察力的创造者。

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这本书的封面设计得非常引人注目，色彩鲜明，充满活力，一看就知道是关于视觉艺术和创作的。我原本以为它会是那种枯燥的理论教材，但翻开目录后才发现，它涵盖了从故事板设计到后期剪辑的整个流程，内容详实得让人惊喜。特别是其中关于角色动态捕捉和表情设计的章节，讲解得非常细致，配有大量实用的案例分析和步骤图示，对于初学者来说简直是福音。我个人最欣赏的是它并没有停留在软件操作层面，而是深入探讨了如何运用镜头语言和蒙太奇手法来提升叙事张力，这一点对于想要真正掌握动画艺术而非仅仅会操作软件的人来说，价值极高。阅读过程中，我感觉作者不仅仅是在传授技术，更是在分享一种创作的思维方式，那种对细节的极致追求和对观众情感的精准把握，都通过文字清晰地传递了出来。这本书无疑为我打开了一扇通往专业动画世界的大门，让我对这个领域的复杂性和美感有了更深层次的认识。

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与其他市面上泛滥的速成手册相比，这本书的深度和广度是其最大的亮点。它没有迎合浮躁的心态，而是花了大量篇幅来讨论动画的“灵魂”——世界观构建和情绪板的运用。我发现作者对“气氛营造”的理解非常独到，他强调声音设计在非语言叙事中的核心作用，并给出了一套完整的音频元素整合流程。老实说，在尝试用书中的方法构建一个小型场景时，我才意识到过去自己对声音的忽视是多么致命。此外，书中对版权和项目管理的介绍也十分到位，这部分内容在许多技术书籍中是缺失的，但对于真正想将作品推向市场的创作者来说，这些商业知识同样重要。这本书的覆盖面之全，让人不得不佩服作者在行业内多年的沉淀和积累，它不仅仅是一本技术手册，更像是一份完整的行业生存指南。

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这本书的排版和装帧质量堪称一流，纸张厚实，印刷色彩还原度极高，这对于参考书中大量的艺术设计图稿来说至关重要。我注意到书中对不同风格动画（比如日式精细线条与欧美3D建模）的处理技巧都有所侧重，这种广博的视角让人能够跳出单一的风格限制去思考问题。其中关于动态原理的剖析尤其精彩，它用分解动作的方式，清晰地解释了“如何让角色动起来”背后的物理学和美学原理，而不是简单地罗列“怎么做”的菜单指令。读完相关章节，我立刻尝试用书中的方法去优化我练习中的一个跳跃场景，效果立竿见影，那种流畅感和重量感的表达一下子就出来了。这本书的实践性极强，它更像是一位经验丰富的老前辈在手把手地指导你克服每一个技术难点，那种循序渐进的教学方式，让人感觉每翻过一页，自己的技术水平都在稳步提升。

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阅读体验非常酣畅淋漓，作者的叙事风格幽默风趣，丝毫没有技术书籍的刻板印象。他总能在讲解复杂概念时，穿插一些行业内的趣闻轶事或者失败教训，让原本抽象的理论变得生动可感。我尤其喜欢其中关于“坏动画”的辨析部分，作者没有简单地批判，而是深入分析了导致画面僵硬、人物失真的深层原因，比如关键帧的处理不当、中间帧的计算缺失等，然后立即提供了一套行之有效的修正方案。这种“先指出问题，再提供解药”的结构，让学习过程充满了解决难题的成就感。这本书的结构组织也体现了极高的智慧，它不是按照软件功能模块来划分的，而是完全围绕一个动画项目从概念到成片的全过程来组织内容的，这种以“项目流”为核心的编排方式，极大地提升了读者的代入感和实战能力。

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