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出版者:文物出版社

作者:《中国画经典丛书》编辑组

出品人:

页数:73

译者:温晋根

出版时间:2006-1

价格:39.80元

装帧:

isbn号码:9787501017706

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《中国人物画经典》 一、 历史溯源：线条勾勒的千年史诗 中国人物画，作为中华民族艺术瑰宝的璀璨明珠，其发展脉络如同奔腾不息的长江黄河，源远流长，波澜壮阔。它不仅仅是技法的传承，更是中华民族精神、哲学思想、社会风貌和审美情趣的生动载体。 早在中国新石器时代，陶器和岩画上就已出现简单的人物形象，虽略显稚拙，却已孕育出最初的艺术萌芽。进入夏商周时期，青铜器上的纹饰虽然以动物和几何纹为主，但偶尔出现的“人物”形象，如祭祀、征战的场景，已展现出初步的叙事性。春秋战国时期，随着社会变革和思想的活跃，人物画开始走向独立。漆器、画像石、画像砖上的人物形象越发丰富，线条愈加流畅，开始关注人物的姿态、神情和服饰，如《人物御龙图》便是这一时期的杰出代表，其神秘而生动的笔触，展现了古人对宇宙和生命的想象。 秦汉时期，是中国人物画发展的第一个高峰。随着统一帝国的建立和文化的整合，人物画在记录历史、宣扬功德、表达情感方面发挥了重要作用。墓室壁画、帛画、画像石的大量涌现，呈现出宏大的历史场景、生动的人物群像以及细腻的个人肖像。东晋顾恺之的出现，更是将人物画推向了新的高度。他提出的“传神写照，在阿堵中”的理论，强调了捕捉人物内在精神的重要性，其作品《洛神赋图》、《女史箴图》以其精妙的线条、准确的造型和深刻的人物刻画，成为中国人物画的典范，至今仍被奉为圭臬。 魏晋南北朝时期，佛教艺术的传入为人物画注入了新的活力。石窟寺中的壁画，如敦煌莫高窟、云冈石窟、龙门石窟，展现了佛教故事、佛陀形象和供养人画像，其人物造型吸收了外来艺术的营养，并与中国传统审美相结合，形成了独特的艺术风格。同时，士人阶层的兴起也促进了文人画的发展，人物画开始融入更多的写意精神和个人情怀。 隋唐时期，是中国人物画的鼎盛时期。国家统一，经济繁荣，文化昌盛，为人物画的创作提供了沃土。这一时期的画家们技艺精湛，风格多样。阎立本的《步辇图》以其严谨的构图、生动的人物刻画和对历史事件的真实再现，成为唐代人物画的代表作。吴道子的“吴带当风”线条，则以其雄浑奔放、飘逸灵动的风格，对后世人物画产生了深远影响。此外，张萱的《虢国夫人游春图》和周昉的《簪花仕女图》则以细腻的笔触、华丽的色彩，展现了唐代宫廷贵族的生活场景和女性的优雅风姿，成为描绘盛唐气象的经典。 宋代，是中国人物画的又一个重要发展时期。在继承唐代的基础上，宋代人物画更加注重写实性和生活气息。张择端的《清明上河图》便是宋代风俗画的巅峰之作，它以宏大的视角、精湛的笔法，真实地再现了北宋都城汴京的繁华景象和市井生活，成为研究宋代社会历史的珍贵图像文献。同时，文人画在宋代也得到了长足发展，画家们将个人情怀和审美意趣融入人物画创作，形成了更为自由洒脱的风格。 元代，民族融合和文化交流频繁，人物画呈现出多元化的发展趋势。赵孟頫在继承前代技法的基础上，强调“古意”，将书法、诗文与绘画相结合，开创了新的风貌。而像王绎、任仁发等画家则在鞍马人物画方面取得了卓越成就。 明清时期，是中国人物画发展的新阶段。宫廷画院和民间画坊的共同繁荣，使得人物画题材更加广泛，风格更加多样。明代的仇英、唐寅、陈洪绶等画家，在继承传统的同时，也各具特色。仇英擅长工笔人物，唐寅笔法恣肆，陈洪绶的人物造型奇特，极富装饰性。清代的“扬州八怪”如郑燮、李方复等，则以其不拘一格的创作手法，将文人画的精神发挥到极致，人物画中充满了反叛和个性。同时，西方绘画技法也开始传入中国，部分画家尝试将中西技法相结合，为人物画的进一步发展奠定了基础。 进入近现代，随着西方绘画的全面传入和中国社会的剧烈变革，中国人物画迎来了新的挑战与机遇。一批杰出的艺术家，如徐悲鸿、蒋兆和、叶浅予等，将西方写实主义的造型方法和透视原理与中国传统绘画的写意精神相结合，创造出既有民族特色又具时代精神的新人物画。他们关注现实生活，描绘普通劳动者，展现民族精神，为中国人物画注入了新的生命力。 二、 技法精髓：笔墨间的生命跃动 中国人物画的技法，博大精深，讲究“以形写神”，追求“气韵生动”。 1. 线条： 线条是中国人物画的灵魂。它不仅仅是轮廓的勾勒，更是情感的表达，是生命的律动。在中国人物画中，线条的粗细、刚柔、虚实、顿挫，都承载着丰富的意义。 游丝描： 如游丝般纤细绵长，圆润流畅，常用于表现女性的柔美和衣物的飘逸。 铁线描： 刚劲有力，如同用铁丝勾勒，常用于表现男性阳刚、器物的坚硬。 钉头鼠尾描： 起笔如钉头，收笔如鼠尾，顿挫有力，常用于表现人物的骨骼和衣纹的褶皱。 曹衣出水，吴带当风： 这两句画论形象地概括了不同时期人物画线条的特点。“曹衣出水”指曹仲达的画作，衣纹紧贴身体，仿佛从水中捞出；“吴带当风”则指吴道子的画作，衣纹飘逸灵动，如随风而动。 2. 墨法： 墨是中国画的骨干，人物画中的墨法变化无穷，能表现物体的质感、体积和光影。 积墨法： 层层叠加，墨色浓重，常用于表现老者的皱纹、山石的厚重。 破墨法： 在未干的墨色上再添墨，形成浓淡相宜、润泽自然的效果，常用于表现毛发、衣物的质感。 宿墨法： 用放置过久的墨，墨色晦暗，但极具表现力，常用于表现苍劲、古朴的意趣。 3. 色彩： 中国人物画的色彩，讲究“随类赋彩”，即根据物体的本来颜色来着色，但也允许根据情感和意境进行夸张和变化。 青绿设色： 以石青、石绿为主，色彩鲜艳明亮，常用于表现宫殿、山水场景，营造富丽堂皇的氛围。 淡彩： 用墨笔勾勒，然后用极淡的色彩渲染，色彩清雅，风格温润。 重彩： 色彩饱和度高，对比强烈，营造浓郁热烈的视觉效果。 没骨法： 不用墨线勾勒，直接用色彩来表现形象，显得格外生动自然。 4. 造型与结构： 中国人物画的造型，讲究“意在笔先”，注重捕捉人物的神态和精神。在造型时，画家会深入观察，理解人体的结构和比例，但又不会拘泥于死板的解剖，而是通过简练的笔触，表现出人物的内在气质。 5. 构图： 构图是中国人物画的关键，它决定了画面的整体气势和叙事效果。构图方式多种多样，如“ S”形构图、三角形构图、散点透视构图等，旨在突出主体，营造意境，引导观者视线。 三、 题材广泛：映照古今的人物世界 中国人物画的题材极其丰富，几乎涵盖了社会生活的方方面面，展现了不同时代、不同阶层人们的精神风貌。 历史人物画： 描绘历史上的帝王将相、文人贤士、英雄豪杰，歌颂其功绩，传承其精神。如《步辇图》描绘唐太宗与吐蕃使者的会面，《洛神赋图》则演绎了曹植与洛神的凄美爱情。 宗教人物画： 描绘佛陀、菩萨、罗汉以及佛教故事中的人物，是佛教传播的重要载体。敦煌壁画中大量的佛像、飞天、供养人，展现了佛教艺术的辉煌。 仕女画： 专以描绘古代妇女为题材，表现她们的容貌、服饰、生活情态，展现了女性的婉约、秀美和内心世界。如《簪花仕女图》展现了唐代贵族妇女的闲适生活。 肖像画（画像）： 侧重于刻画人物的个性特征和精神面貌，力求“传神写照”。从古代的祖先画像到近现代的写实肖像，都体现了对个体生命价值的关注。 风俗画： 描绘社会生活场景、民间习俗、劳动人民的生活状态，具有强烈的现实意义和史料价值。《清明上河图》便是风俗画的典范，它生动地再现了北宋都城的市井百态。 神话传说画： 表现民间神话故事、传说人物，充满了浪漫主义色彩和想象力。 动物人物画： 以动物为主要描绘对象，赋予其人的情感和故事，常带有寓意和讽刺意味。 四、 传承与发展：永恒的艺术生命力 《中国人物画经典》不仅仅是历史的凝结，更是活态的传承。历代艺术家们在继承前人宝贵经验的基础上，不断探索和创新，使得中国人物画始终保持着旺盛的生命力。从古代的工笔重彩到近现代的水墨写实，从传统的题材到现代的视角，中国人物画在不断的时代变革中，汲取养分，吐故纳新。 今天的中国人物画，在继承传统精髓的同时，更加注重表现当代人的精神面貌和时代特征。画家们运用更加多元的技法和语言，将中国传统水墨与当代艺术思潮相结合，创作出既有深厚文化底蕴，又具现代气息的作品。 《中国人物画经典》所蕴含的，是中国人民对美的追求，对历史的尊重，对生命的感悟，以及对民族文化的深沉热爱。它是一部流动的史诗，是一卷写意的人生，更是中华民族智慧和创造力的永恒见证。通过对这些经典作品的深入品读，我们不仅能领略中国传统绘画的独特魅力，更能深刻理解中华民族独特的审美情趣和精神追求。

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我得承认，我过去对“经典”这两个字有些畏惧，总觉得那代表着不可逾越的高峰。但这本册子，却用一种非常温和、润物细无声的方式，把我慢慢带入了那个领域。它不像那种堆砌名家传记的八卦书，也不像那种只谈玄虚的理论专著，它找到了一个极佳的平衡点。它在讲解笔墨技巧时，总是能巧妙地引出画家个人的哲学思考。比如，它对不同时期对“气韵生动”的理解差异的梳理，就非常精彩。唐代追求的是外放的生命力，而宋代则更内敛于心性。作者通过对比分析，让我清晰地理解到，技术永远是为精神服务的。这本书的装帧细节也透露着对读者的尊重，字体选择大气而不失灵动，图片的色彩还原度极高，很多墨韵的微妙变化都清晰可见。对于想系统提升自己对中国人物画鉴赏水平的人来说，它绝对是一本值得反复阅读、常备案头的案头书，翻开它，就是一次与古人精神的深度对话。

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这本书，说实话，刚拿到手的时候，我还有点犹豫。封面设计得挺典雅的，透着一股老派的味道，但内页的装帧和纸张质感，却又让人感觉是精心打磨过的。我本来以为它会是一本枯燥的学院派教材，专门研究那些笔墨技法和历史沿革，毕竟“经典”两个字听起来就挺严肃的。没想到，翻开第一页，就被那些精选的画作深深吸引住了。它不像有些画册只是简单地堆砌图片，而是很有章法地将不同时代、不同流派的作品并置对比。比如，它把宋代的工笔重彩和明清的文人写意放在一起讲解，那种气韵上的差异，通过图文的对照，一下子就变得非常直观可感。作者的文字功底也很扎实，不是那种空泛的赞美，而是能切入到具体的人物神态和衣纹处理上去分析，让你能体会到画家在创作时是如何调动情感和技巧的。尤其是对于那些早期卷轴画中人物眼神的处理，分析得入木三分，简直像是在跟画中人对话一样。读完第一部分，我简直迫不及待想去博物馆看看原作了，那种被唤醒的审美冲动，很久没有过了。

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我的天哪，这本书简直是为我这种半路出家的国画爱好者量身定做的“避坑指南”！我之前自己摸索着画人物，总觉得哪里不对劲，画出来的人像总带着一股子“假”，没有精气神。我试过各种速成班的资料，但那些都只教你皮毛，让你临摹个大概轮廓。这本书的厉害之处在于，它不是教你怎么“画像”，而是教你怎么“懂人”。它花了大量的篇幅去解析古代画家是如何捕捉人物的“内在气质”的。举个例子，讲到对士大夫形象的刻画时，它没有停留在衣冠服饰上，而是深入挖掘了“魏晋风度”在笔墨上的体现——那种疏朗、超脱，甚至带着几分狂狷的气质，是如何通过线条的粗细、墨色的浓淡以及人物的动态来传达的。我跟着书里的提示，重新审视了我临摹的几张作品，猛然发现自己之前只看到了形似，完全忽略了神韵。作者的论述逻辑极其清晰，层层递进，让你能构建起一个完整的审美体系，而不是零散的知识点堆砌。看完之后，我感觉自己看世界的方式都发生了一点微妙的变化。

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说真的，我买过不少关于传统艺术的书，很多都是印刷精美但内容空洞的“花架子”，买了就放在那里积灰。这本《中国人物画经典》，却实实在在地被我翻烂了。它的价值不仅仅在于收录了哪些名家大作，更在于它提供了一种深入解读艺术作品的视角。我尤其欣赏它对“时代背景”和“人物精神”关联性的探讨。比如，在讲到唐代的丰腴健美之风时，作者并没有简单地归结为当时的审美偏好，而是结合了唐朝开放包容的社会风气和佛教艺术的影响，把人物形象的演变放入一个宏大的历史叙事中去考察。这种深度的挖掘，让那些原本静止在纸面上的形象变得鲜活起来，充满了历史的张力。而且，这本书的排版设计也很有考究，留白恰到好处，保证了阅读的舒适度，不会因为信息量太大而产生压迫感。即便是对初学者来说，那些关键的技法点也有简明的注释，不会让人感到云里雾里。我周末泡杯茶，就能沉浸其中大半天，非常享受。

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这本书给我的感觉，就像是请了一位非常博学但又极其谦逊的老师，陪你在一个巨大的艺术宝库里慢慢游览。最让我感到惊喜的是，它居然没有回避一些有争议的作品或流派。作者在处理“争议”时，采取了一种非常成熟和平衡的态度，既肯定了其历史地位，也指出了其局限性。这体现了作者的学术良知和广阔的胸襟。例如，对于某些过度程式化的晚期作品，作者并未一味批判，而是从“传承”的角度去分析这种程式化是如何在特定历史阶段起到了保存基本规范的作用，只是在创造力上有所折损。这种辩证的眼光，极大地拓宽了我的视野，让我不再用简单的“好”与“坏”来评判艺术。我以前总觉得传统艺术离我太远，但这本书通过对细节的细致描摹和对情感共鸣的引导，成功地搭建了一座现代读者与古人精神世界的桥梁。每次读完，都有一种意犹未尽，想要立刻拿起笔试试身手的冲动。

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