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☆☆☆☆☆

出版者:鹭江出版社

作者:林庚

出品人:

页数:399页

译者:

出版时间:2005-11

价格:23.4

装帧:平装

isbn号码:9787806711538

丛书系列:名师讲义丛书

图书标签:

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《世界艺术史纲要：从史前到后现代的视觉之旅》 导言：理解人类精神的视觉表达 艺术，是人类文明最古老、最持久的表达形式之一。它不仅仅是装饰或技艺的展示，更是特定时代、特定社会精神风貌、信仰体系、技术发展与审美取向的综合体现。一部真正的世界艺术史，必然是一部人类认知世界、改造世界、并最终超越物质世界的精神探索史。《世界艺术史纲要：从史前到后现代的视觉之旅》旨在为读者构建一个宏大而精密的视觉坐标系，清晰勾勒出艺术演进的脉络，聚焦于关键转折点，揭示不同文化区域间的对话与张力。本书不拘泥于传统西方艺术史的单一叙事，而是力图呈现一个全球视野下的艺术图景，探讨从洞穴壁画的原始力量到数字媒体的无限可能，艺术如何作为人类集体记忆的载体与先锋思想的试验场。 第一部分：起源与奠基——史前艺术到古典文明的曙光（约公元前 40000 年 – 公元 400 年） 本部分将深入考察艺术的萌芽阶段，分析原始人类对生存、死亡、生殖的神秘关注如何物化为图像与雕塑。重点解析拉斯科洞穴壁画的象征意义，以及新石器时代（如哥贝克力石阵）巨石建筑所蕴含的早期宇宙观。 随后，我们将步入早期大河流域文明的艺术世界。美索不达米亚的楔形文字浮雕、苏美尔的神庙结构（如吉库拉塔），展示了早期国家权力与宗教神权的结合。古埃及的艺术，以其永恒性、严格的法典化（如人物造型的正面律）和对来世的执着追求为核心，探讨了金字塔、神庙壁画及图坦卡蒙墓葬艺术的内在逻辑。 古希腊艺术被视为西方美学传统的源头。本书将细致区分古风、古典盛期与希腊化时期的风格演变，重点剖析“理想美”的构建（如帕特农神庙的比例与雕塑的和谐），以及对人体解剖学和“人是万物的尺度”这一哲思的视觉转化。 古罗马艺术则在继承希腊形式的基础上，发展出服务于帝国叙事和工程技术的实用美学。我们探究万神殿的穹顶技术，提图斯凯旋门上的历史叙事浮雕，以及罗马肖像雕塑中高度写实的特征，如何服务于政治宣传和个人功绩的记录。 第二部分：信仰的转型与媒介的扩展——中世纪到文艺复兴的精神重塑（约 400 年 – 1500 年） 黑暗时代的艺术不再关注尘世的完美，而是转向对天国景象的描绘。拜占庭艺术的马赛克（如圣索菲亚大教堂）以其平面化、程式化的神圣人物，强调了超越性的光辉。 中世纪的欧洲，艺术完全依附于基督教教义。本书详述罗马式艺术的厚重、防御性结构及其叙事性壁画，随后深入解析哥特式艺术——飞扶壁、肋拱和玫瑰窗如何共同创造出向上拔升、充满光线的“天城”景象，以及手抄本插图的精致工艺。 同时，我们也不能忽略同期伊斯兰艺术的辉煌。从西班牙阿尔罕布拉宫的几何图案、阿拉伯文书法艺术，到宏伟的清真寺建筑，探讨其对“无形象”原则的视觉实践和复杂装饰体系的哲学基础。 文艺复兴的觉醒，标志着艺术史上的关键转折。意大利文艺复兴（从乔托到盛期的达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔）重新发现了古典的人文主义精神，并结合对透视法（线性透视、空气透视）、解剖学和光影（明暗对比法）的科学研究，实现了艺术的“复兴”。 第三部分：张力与理性的角逐——巴洛克、洛可可与启蒙运动（约 1500 年 – 1800 年） 16世纪晚期至18世纪，艺术成为意识形态的强大工具。巴洛克艺术（卡拉瓦乔、贝尼尼）以其强烈的戏剧性、动感的构图和对情感的直接冲击力，服务于反宗教改革的需要，营造出令人敬畏的感官体验。 17世纪的荷兰黄金时代，催生了独特的市民艺术，伦勃朗的光影叙事和维米尔对日常光线的捕捉，反映了新兴资产阶级的审美趣味。 18世纪的洛可可艺术则在法国宫廷中盛行，以其精致、轻盈、享乐主义的主题和柔和的色彩，成为旧制度的视觉注脚。 与此相对，启蒙运动催生了新古典主义，它呼唤理性、秩序和古罗马共和美德（如大卫的作品），为即将到来的革命时代奠定了视觉基调。 第四部分：现代性的爆炸——工业革命到第一次世界大战的革新（约 1800 年 – 1914 年） 工业革命带来的社会剧变、摄影技术的出现以及对启蒙理性主义的反思，共同推动了艺术向“现代性”的深刻转型。 浪漫主义（戈雅、德拉克洛瓦）强调情感、想象力、异域风情和对自然的崇高敬畏，是对新古典僵硬的理性秩序的反叛。 现实主义（库尔贝）则将目光投向了被忽视的劳动者和日常生活的粗粝真相。 印象派（莫奈、雷诺阿）通过对光线、色彩和瞬间视觉感受的捕捉，彻底瓦解了学院派对“完成度”的执念，使画布成为记录“观看行为”的场所。 随后的后印象派（塞尚、梵高、高更）则开始探索更深层的结构、情感表达和象征意义，为20世纪的抽象艺术埋下了种子。野兽派、立体主义的出现，标志着艺术家开始主动解构既有的视觉规律，探索多重视角和二维平面的潜力。 第五部分：全球冲突与观念的转向——20世纪至今的艺术边界（约 1914 年至今） 20世纪是艺术思潮最为复杂和迅速更迭的时代。达达主义对艺术的“意义”进行颠覆性的嘲弄；超现实主义（达利、马格里特）则打开了潜意识的黑匣子。 抽象表现主义（波洛克、罗斯科）将艺术的战场从外部世界拉回到了艺术家自身的行动和内在体验，标志着艺术中心（在二战后）的转移。 随后，波普艺术（安迪·沃霍尔）对消费文化和大众媒介进行了挪用与反思。 20世纪下半叶，艺术开始质疑其自身的物质性和定义。《世界艺术史纲要》将重点分析观念艺术如何使“想法”本身取代了传统工艺的重要性；大地艺术如何将画廊空间延伸至自然；以及后现代主义对宏大叙事的批判与对多元身份的关注。 最后，本书将探讨当代艺术在数字技术、全球化背景下面临的挑战：身份政治、新材料的使用，以及艺术与科技、社会批判之间的持续互动。 结语：艺术的未来——无界限的探索 本书最终指向一个结论：艺术史不是一条线性的进步之路，而是一系列不断出现、相互交织、充满矛盾的视觉革命。它持续反映着人类对存在的追问，并始终走在社会变革的最前沿。通过对跨文化艺术实践的梳理，读者将获得一套批判性的工具，学会如何“阅读”图像背后的权力结构、哲学语境和时代心跳。

评分☆☆☆☆☆

静希师写过一首《新秋之歌》，很喜欢。 书还没有读完，有一个小小的计划，把书抄写下来，我实在是太景仰林先生了，没办法。 同样钦佩的还有孟二冬教授。袁行霈是孟二冬的老师，林庚又是袁行霈的老师，他们都是北大中文系的杰出人物。 新秋之歌 我多么爱那澄蓝的天， 那是浸...  

评分☆☆☆☆☆

自序 伟大的文艺时代，常产生在我们失去保证的时候；东周失去了西周从容的凭藉，于是有了大量国风的歌唱和楚辞；建安以来失去了汉代平静的生活，于是有了从五七言诗到宋词这一段时期。 导言 “士大夫”常作为一个词一起出现，但“士”与“大夫”很不相同。一个流于朝野，一个现...

评分☆☆☆☆☆

自序 伟大的文艺时代，常产生在我们失去保证的时候；东周失去了西周从容的凭藉，于是有了大量国风的歌唱和楚辞；建安以来失去了汉代平静的生活，于是有了从五七言诗到宋词这一段时期。 导言 “士大夫”常作为一个词一起出现，但“士”与“大夫”很不相同。一个流于朝野，一个现...

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自序 伟大的文艺时代，常产生在我们失去保证的时候；东周失去了西周从容的凭藉，于是有了大量国风的歌唱和楚辞；建安以来失去了汉代平静的生活，于是有了从五七言诗到宋词这一段时期。 导言 “士大夫”常作为一个词一起出现，但“士”与“大夫”很不相同。一个流于朝野，一个现...

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自序 伟大的文艺时代，常产生在我们失去保证的时候；东周失去了西周从容的凭藉，于是有了大量国风的歌唱和楚辞；建安以来失去了汉代平静的生活，于是有了从五七言诗到宋词这一段时期。 导言 “士大夫”常作为一个词一起出现，但“士”与“大夫”很不相同。一个流于朝野，一个现...

评分☆☆☆☆☆

坦白说，初拿到这套书时，我有点担心它会像许多学术专著一样，晦涩难懂，充满生僻的术语。但出乎意料的是，行文流畅自然，即便是对于像我这样并非专业出身的读者来说，也保持了极高的可读性。它更像是一位博学的老者，耐心地在你耳边讲述那些波澜壮阔的文学故事。特别是关于四大名著的分析部分，观点新颖独到，不再是陈旧的道德说教，而是从叙事学和民间文化传承的角度进行了剖析。比如，对《红楼梦》中丫鬟群像的刻画，作者捕捉到了那个阶层女性命运的悲剧性与复杂性，远远超越了传统解读中的“贤惠”或“刁蛮”的二元对立。每读完一个章节，都会产生一种强烈的冲动，想要立刻去找原著重温一遍，体会那种“书中自有黄金屋”的真切感受。

评分☆☆☆☆☆

对于中国古代的叙事文学，我一直感到有些隔阂，觉得那些故事离现代生活太遥远。然而，这本书成功地架起了一座桥梁。作者的笔触非常生动，他不仅仅在“讲历史”，更是在“讲人”。他关注那些被历史洪流冲刷掉的边缘作家和作品，发掘了许多被人遗忘的民间文学的价值。读到关于宋代话本和民间说书艺人的章节时，我仿佛能听到市井间的喧闹声和说书人的抑扬顿挫。这种对“活的文学”的关注，让整个中国文学史变得鲜活而有生命力，不再是故纸堆里的尘封之物。它让我意识到，文学的魅力在于其永恒的人性探讨，无论时代如何变迁，我们关心的主题——爱、失落、权力与反抗——从未改变。

评分☆☆☆☆☆

这套书简直是文学爱好者的福音，我花了好几个周末才啃完，感觉自己仿佛经历了一场穿越时空的文化之旅。作者的叙述功力非凡，不仅仅是罗列那些拗口的朝代更迭和作家生平，而是将那些经典作品的诞生背景、思想内核，以及它们如何与当时的社会现实紧密交织，描绘得淋漓尽致。我特别欣赏他对魏晋风度的解读，那种在乱世中追求个体精神自由的挣扎与升华，通过细腻的文字被重新唤醒，读起来让人心潮澎湃。尤其是在论及唐诗宋词的巅峰时期，作者没有流于一般的赞美，而是深入到格律的精妙之处，分析了不同时期词牌韵脚的变化如何反映了士大夫阶层的情感光谱。读完之后，再去看那些耳熟能详的诗句，感觉多了一层理解的深度，不再是孤立的文学符号，而是那个时代鲜活的脉搏。

评分☆☆☆☆☆

这套书的宏大叙事之下，隐藏着作者对中国文人精神世界深沉的关怀。我最受触动的是关于明清之际思想解放的论述，作者将当时的文学视为一种潜在的社会批判力量，它在主流意识形态的夹缝中，悄悄地播撒着反思的种子。特别是对晚期小说中讽刺手法的分析，那种看似顺从实则尖锐的批判，读来令人拍案叫绝。这种深层次的解读，远超出了教科书式的介绍，它提供了一套理解中国文化心理结构的钥匙。它教会我如何去阅读文本背后的“潜台词”，如何去分辨文字中的坚韧与无奈。看完之后，我感觉自己对中国传统文化的理解，从“知道”提升到了“理解”的层面，这是一次收获巨大的精神洗礼。

评分☆☆☆☆☆

从装帧和排版上来说，这套书的设计也体现了出版方对内容的尊重。纸张质感上乘，不易反光，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳。更重要的是，它在关键的引文和注释上处理得非常得当，使得阅读节奏得以保持。我尤其欣赏的是，作者在论述不同文学流派的演变时，使用了大量的对比手法，清晰地勾勒出一条清晰的发展脉络。比如，他对元曲从市井娱乐到登上大雅之堂的变迁过程的梳理，非常具有逻辑性，让人明白了艺术形式是如何随着观众群体的变化而自我调适和提升的。这种宏观把握与微观细节的完美结合，使得全书的论述具有很强的说服力和系统性，不是零散的知识点堆砌，而是完整、有机的知识体系构建。

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