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出版者:中国建筑工业出版社

作者:韩宇〓

出品人:

页数:129

译者:

出版时间:2006-1

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787112075843

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 色彩
• 学习
• 大学课本
• 美术基础
• 绘画
• 素描
• 色彩
• 构图
• 透视
• 线条
• 造型
• 艺术入门
• 设计

《色彩的秘密与和谐》 本书是一次深入探索色彩世界的旅程，它将带领读者超越日常的视觉感知，揭示色彩背后蕴含的丰富科学、心理学与艺术原理。我们不在这里讨论绘画技巧或具体的创作手法，而是专注于色彩本身的属性、它们是如何被感知、以及它们之间如何相互作用，从而营造出令人惊叹的视觉体验。 第一章：光的魔法——色彩的源头 在本章中，我们将追溯色彩的本源——光。我们会探讨可见光谱的构成，了解不同波长的光如何被我们的眼睛接收并转化为我们所见的颜色。从牛顿的三棱镜实验到现代光的物理学，我们将以一种易于理解的方式，揭示白光如何分解成七色光，以及颜色是如何在物体表面发生反射、吸收和透射的。这将帮助我们建立对色彩最基础的科学认知，理解为什么我们看到的是红色，而不是蓝色。 第二章：眼睛的语言——色彩感知与心理 色彩并不仅仅是物理现象，更是与我们内在情绪和心理状态紧密相连。本章将深入研究人类视觉系统如何处理色彩信息，以及大脑如何解读这些信号。我们将探讨色彩的普遍心理联想，例如红色可能引发的兴奋或危险感，蓝色带来的平静或忧郁。同时，我们也会讨论文化背景、个人经历如何影响我们对色彩的主观感受，并介绍一些色彩心理学的经典研究，让你更深刻地理解色彩如何触动我们的内心。 第三章：色彩的语言——色调、饱和度与明度 要真正理解色彩，就必须掌握其三个基本要素：色调、饱和度和明度。本章将逐一剖析这三个属性。我们将会详细解释色调（Hue）是如何定义我们所见的颜色的类型，比如红、黄、蓝；饱和度（Saturation）则关系到颜色的鲜艳程度，饱和度越高，颜色越纯净，越低则越趋近于灰色；而明度（Value/Brightness）则决定了颜色的深浅，从最亮的白色到最暗的黑色。通过对这三个属性的清晰阐述，读者将能够更准确地描述和控制色彩的细微差别。 第四章：色彩的对话——对比、和谐与意图 颜色并非孤立存在，它们通过相互作用产生丰富的视觉效果。本章将聚焦于色彩之间的关系，探讨如何运用色彩对比来吸引注意力、突出重点，以及如何创造色彩的和谐感。我们将介绍互补色、类似色、分裂互补色等不同的色彩搭配原则，并分析不同对比方式所能引发的视觉感受。同时，我们也将探讨艺术家和设计师如何巧妙地运用色彩，通过色彩的组合来传达特定的情绪、氛围或信息，从而实现他们的创作意图。 第五章：色彩的界定——非色彩与光影 除了我们通常理解的“颜色”，世界还充满了非色彩——白色、黑色和灰色。本章将深入探讨这些“无色”的意义。白色不仅仅是所有颜色的混合，它也代表着纯净、光明；黑色则承载着神秘、深邃；而灰色则提供了中立、平衡。我们还将讨论光影在色彩感知中的关键作用。光线的强度和方向如何改变物体本身的色彩表现，阴影如何影响色彩的明度和饱和度。理解光影的动态变化，对于准确把握和描绘色彩的真实感至关重要。 第六章：色彩的边界——透视与空间 色彩在营造视觉空间感方面扮演着不可忽视的角色。本章将探索色彩如何影响我们对物体距离和空间深度的感知。我们会介绍色彩透视的基本原理，例如暖色通常感觉靠近，冷色感觉远离；高饱和度的颜色比低饱和度的颜色更显眼，仿佛更近。同时，我们也将分析如何在画面中利用色彩的明暗对比和冷暖对比来制造画面的层次感和空间纵深感，让二维的画面呈现出三维的立体效果。 《色彩的秘密与和谐》旨在提供一个独立于具体艺术技法的色彩理论框架。它不是一本教你如何画画的书，而是一本帮助你“看懂”色彩的书。无论你是对艺术充满好奇的初学者，还是希望深化对色彩理解的爱好者，亦或是任何希望通过色彩来提升生活品质的人，本书都将为你打开一扇全新的大门，让你以更加敏锐和深刻的视角去体验这个五彩斑斓的世界。

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这本书的实用性强到让我有点手足无措。我原本以为它会侧重于理论的宏大叙事，但没想到，它居然附带了一个非常详尽的“材料与工具速查手册”。这个手册简直是为像我这样刚从纯理论转向实践的新手准备的：从不同硬度铅笔的适用范围，到油画颜料的酸碱度差异，再到画布的底料选择，都有非常细致的对比表格。更贴心的是，它还标注了市场上常见品牌的性能参考，这极大地缩短了我前期摸索的时间和试错成本。我记得有一次，我为了一块合适的素描纸跑遍了城里的几家画材店，如果早点看到书里的建议，可能一趟就能搞定。这种将理论与实践环节无缝衔接的设计，体现了作者对艺术学习者实际困境的深刻洞察。它不是高高在上的学院派教科书，而更像是一位经验丰富的导师，手里拿着工具箱，随时准备为你演示如何正确使用每一样东西。

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说实话，我本来对这种入门级的艺术书籍是持保留态度的，总觉得它们往往流于表面，无法触及核心的技法精髓。然而，翻开这本《美术基础》后，我发现自己的担忧是多余的。作者在讲解基础概念时，并没有采用那种枯燥的、堆砌术语的方式，而是巧妙地穿插了大量的历史典故和实际创作中的“避坑指南”。比如，在解析透视原理时，他没有直接抛出复杂的几何公式，而是通过对比文艺复兴时期和巴洛克时期画家处理空间的不同手法，让你在潜移默化中理解了透视背后的哲学意义——即“人眼观看世界的方式的演变”。这种叙事方式极大地提升了阅读的趣味性，让原本可能枯燥的理论知识变得生动有趣，并且更容易被大脑吸收和内化。我特别欣赏作者那种“授人以渔”的态度，他似乎更关注的是如何培养读者的“艺术思维”，而不是简单地提供一套现成的公式让你去模仿。这种深层次的引导，对于真正想在艺术领域有所建树的人来说，价值无可估量。

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我最近迷上研究光影的捕捉，尤其是那种微妙的、介于实体与虚幻之间的光晕效果。在阅读这本书的关于“明暗关系”的那几章时，我简直有种醍醐灌顶的感觉。作者对“边缘控制”的论述，简直是教科书级别的精准。他用极其简洁的语言，区分了硬边、软边和渐变边在不同媒介和不同情绪表达中的作用。比如，在描绘金属质感时，如何通过极窄的硬边来强调反光点；而在表现皮肤的柔和时，又必须依靠极其细腻的软边过渡。我过去总是在这两者之间挣扎，画出来的人物总是显得僵硬或模糊不清。但这本书提供了一套清晰的分析框架，让我可以解构画面中每一处光影的“性格”。这种细致入微的分析，不仅停留在“是什么”的层面，更深入到了“为什么”和“如何做”的层面，极大地拓宽了我对光影表现力的理解边界。

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这本书的装帧设计非常精美，封面采用了哑光纸质，手感温润细腻，即便是初次翻阅也能感受到出版方的用心。内页的纸张选择了略带米黄色的高磅数纸张，这不仅使得文字和插图的色彩过渡非常自然，长时间阅读也不会让眼睛感到疲劳。在排版上，作者显然对细节有着极高的要求，字体的选择既古典又易读，行距和字距的调整都恰到好处，使得每一页的视觉负荷都非常轻盈。尤其让我印象深刻的是，书中收录的一些经典作品的复印件，其清晰度和色彩还原度令人赞叹，仿佛那些原作就陈列在我的书桌旁。当然，除了视觉上的享受，这本书在内容组织上也展现出一种清晰的逻辑脉络，虽然我还没来得及深入研究每一个章节的理论深度，但仅凭目录的梳理，就能预感到其体系的完整性和覆盖面的广博。这种对“物”本身的尊重，使得这本书不仅仅是一本工具书，更像是一件值得珍藏的艺术品，摆在书架上也能为整个空间增添一份沉静而高雅的气息。

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这本书的章节编排逻辑，初看之下似乎有些跳跃，但深入阅读后我发现，这恰恰是一种高明的“螺旋式上升”教学法。它没有像传统教材那样，将素描、色彩、构图严格地切割成互不相干的模块。相反，它在讲解素描基础时，就已经开始引入色彩的“冷暖”概念，并在讨论线条时，顺带提到了音乐中的节奏感对视觉律动的影响。这种跨学科、跨领域的融合，使得学习过程不再是单线条的积累，而是多维度信息的网状关联。例如，当我在学习人体结构比例时，书中穿插了一段关于古希腊雕塑美学思想的讨论，这瞬间提升了我对“黄金分割”应用场景的理解，不再仅仅是把它当成一个数学公式，而是理解了它背后所蕴含的人类对和谐的永恒追求。这种处理方式，非常适合那些渴望在艺术学习中获得更深层次精神滋养的读者，它引导我们去思考“美”的本质，而非仅仅停留在“画得像”的层面。

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画了一学期水彩后阅读很有用。万恶的借阅上限使临摹不得啊

评分☆☆☆☆☆

选的作品蛮有代表性，技法介绍也完整，但是总缺了点什么，不够实用

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画了一学期水彩后阅读很有用。万恶的借阅上限使临摹不得啊

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画了一学期水彩后阅读很有用。万恶的借阅上限使临摹不得啊

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选的作品蛮有代表性，技法介绍也完整，但是总缺了点什么，不够实用