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出版者:福建人民出版社

作者:傅璇琮

出品人:

页数:617

译者:

出版时间:2006-1

价格:42.00元

装帧:

isbn号码:9787211051137

丛书系列:二十世纪中国人文学科学术研究史丛书

图书标签:

• 论文
• 昆曲
• 工具书
• 2009
• 中国戏剧
• 戏剧研究
• 戏曲史
• 舞台艺术
• 文学研究
• 文化研究
• 中国文化
• 艺术史
• 表演艺术
• 戏曲理论

《中国戏剧史纲》 本书是中国古代戏剧发展脉络的系统梳理与深入探讨。全书以时间为经，以重要剧种、剧目、演员、理论思潮为纬，勾勒出中国戏剧自萌芽、形成、繁荣至衰落的宏大图景。 在早期部分，作者从先秦的歌舞百戏、汉代的相和歌、唐代的参军戏、滑稽戏等原始戏剧形态入手，追溯了中国戏剧的源头活水，强调了其与民间仪式、宗教活动、宫廷宴乐的紧密联系。这一时期，戏剧尚未完全独立，更多的是作为一种综合性表演艺术的组成部分，但其叙事性、情节性、人物塑造的雏形已然显现。 本书重点关注宋金元时期，这是中国戏剧真正走向成熟与繁荣的时代。作者详细介绍了宋代的“瓦舍勾栏”，指出其作为市民娱乐场所，极大地促进了戏剧的普及和发展，并在此基础上分析了宋杂剧的特点。接着，笔锋转向元代，对元杂剧的辉煌成就进行了深入的剖析。从关汉卿的《窦娥冤》、马致远的《汉宫秋》到王实甫的《西厢记》，本书不仅细致解读了这些经典剧作的艺术价值、思想内涵，更着重探讨了元杂剧在结构、唱腔、表演、人物塑造等方面的独特性和创造性，如“四折一楔”的剧本结构、宾白与科介的有机结合、鲜明的人物类型等。同时，作者也考察了元代不同地域的戏剧发展，如南戏的兴起及其与元杂剧的互动关系，为理解当时复杂而多元的戏剧格局提供了清晰的脉络。 明清时期，本书对昆曲、弋阳腔、梆子腔等声腔剧种的演变与发展进行了详尽的阐述。明代南曲的成熟，特别是昆曲的精致典雅，被视为中国戏剧艺术的巅峰之一，作者分析了汤显祖等重要剧作家及其代表作品，如《牡丹亭》的浪漫主义精神和深刻的社会批判意义。进入清代，弋阳腔、梆子腔等更为粗犷、热烈的声腔剧种在民间兴起，并逐渐发展壮大，形成了皮黄腔等更为大众化的艺术形式，为京剧等近现代戏曲的诞生奠定了基础。本书还特别关注了地方戏曲的繁荣，如越剧、黄梅戏等，梳理了它们各自的起源、发展和艺术特色。 在戏剧理论方面，本书梳理了历代重要的戏剧评论与批评文献，如《录鬼簿》、《元曲选序》、《词林一枝》、《缀白堂词选》等，探讨了古人对戏剧本体、剧本创作、演员表演、观众审美等方面的理解与认识。作者分析了不同时代的美学追求和批评标准，揭示了戏剧理论与戏剧实践之间的相互影响。 此外，本书还对中国戏剧的表演艺术、音乐唱腔、舞台美术、服饰、脸谱等各个方面进行了细致的考察。从历代著名演员的表演风格，到不同剧种独特的唱腔特色，再到舞台装置的演变，都力求呈现一个立体而丰富的戏剧世界。作者特别强调了中国戏曲“程式化”表演的独特魅力，以及其背后蕴含的东方哲学思想。 本书不仅关注文学层面，更深入到社会历史背景中，探讨戏剧的社会功能、政治影响以及不同社会阶层对戏剧的接受与互动。从宫廷的雅乐到市井的俚曲，从文人的案头剧到百姓的舞台娱乐，本书展现了戏剧在中国社会生活中的多重角色。 最后，本书对中国戏曲的海外传播及其在世界戏剧史上的地位进行了简要的探讨，并对近代以来中国戏剧的转型与现代戏的兴起做了概述，为读者提供了一个认识中国戏剧全貌的广阔视角。全书旁征博引，史料翔实，论述严谨，力求以客观的视角，呈现中国戏剧丰富多彩、博大精深的艺术魅力。

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这本《中国戏剧研究》简直是为我这种半路出家的戏剧爱好者量身定做的！我之前对中国戏曲的了解，大概就停留在“咿咿呀呀”的刻板印象上，总觉得那玩意儿太高深莫测，离我的日常生活很远。然而，这本书的导论部分，用一种极其亲切和引人入胜的方式，就把我拉进了那个光怪陆离的舞台世界。它没有上来就抛出一堆晦涩的术语，而是从最基本的“戏”是什么，讲到“剧”是如何构成的，中间穿插了大量生动的历史小故事，比如某个著名剧种的起源传说，或者某位大家是如何被一个不经意的瞬间启发而创作出传世之作。阅读的时候，我感觉就像是跟一位知识渊博又风趣健谈的老师在喝茶聊天，他知道如何把那些复杂的理论和漫长的历史脉络，拆解成一个个可以被轻松消化的知识点。尤其让我惊喜的是，它对于不同地域、不同流派的戏曲之间的内在联系和差异，做了非常细致的对比分析，让我意识到，原来我们常说的“国粹”，背后竟然蕴含着如此多元且充满生命力的文化地理图景。这本书的叙事节奏把握得非常好，读起来毫不费力，却又字字珠玑，让人读完第一部分就迫不及待想知道后面那些“行当”、“脸谱”到底藏着怎样的秘密。

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作为一个对民间艺术抱有浓厚兴趣的人，这本书中对“地方戏”和“融合创新”部分的论述，简直是击中我的靶心。它没有将全部笔墨集中在京剧这种主流形式上，而是非常慷慨地将视角投向了昆曲的婉约、秦腔的粗犷、川剧的变脸绝活，甚至是一些几近失传的“山野之声”。作者在描述这些剧种时，语言充满了激情与敬意，他不仅仅是在描述它们的声腔特点，更是在描绘它们赖以生存的社会土壤和地域文化基因。通过阅读，我仿佛置身于不同省份的茶馆或露天戏台下，感受着锣鼓声与乡音的交织。书中对剧目改编和现代转化的案例分析也极具启发性，作者探讨了传统戏曲如何在当代语境下保持其艺术生命力，同时又如何吸纳现代舞台技术，这种前瞻性的思考，让整本书摆脱了“怀旧”的窠臼，显得充满活力和思辨性。它让我意识到，中国戏剧不是博物馆里的陈列品，而是一种不断呼吸、适应和重生的活态文化。

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这本书的装帧设计和排版布局也值得称赞，这对于一本研究性著作来说，常常是被忽略却又至关重要的细节。纸张的质感非常舒服，墨色浓郁而不刺眼，长时间阅读下来眼睛也不会感到疲劳。更重要的是，它在关键的剧目引用和人物介绍部分，大量采用了清晰的插图和表格，极大地增强了阅读的直观性。我尤其喜欢其中关于“科班训练”的那一章，作者详细描述了武生、花旦等不同行当在童子功阶段的严苛训练内容，配上了一些老照片的说明文字，那种身临其境的感觉非常震撼。这种对细节的考究，体现了编者对读者体验的尊重。我曾经读过一些同类书籍，排版密密麻麻，图片模糊不清，让人望而生畏，但《中国戏剧研究》明显在这方面下了大功夫，它做到了学术的严谨与阅读的友好性完美结合，使得即便是像我这样偶尔会走神的人，也能轻松地在知识点之间穿梭自如。

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我对文学研究类的书籍一向抱有一种敬而远之的态度，总觉得它们充满了学院派的冷峻和故纸堆的气息，但《中国戏剧研究》这本书完全颠覆了我的认知。它的学术功底毋庸置疑，每一个论断的提出都基于扎实的文献考证，引用的史料和剧本分析都显得极具说服力。然而，作者高明之处在于，他能够将这些严肃的学术分析，融入到一种近乎散文诗般的优美笔触之中。我特别欣赏书中对“虚拟性”和“程式化”这两个核心概念的阐释，作者没有将它们仅仅视为一种表演技巧的限制，而是深刻挖掘了它们在中国哲学思想和审美情趣中的根源。比如，书中对“空箱出马”和“一桌二椅”的解读，简直是画龙点睛，一下子打通了我的任督二脉，让我从一个纯粹的观众视角，提升到了一个能理解符号系统和文化编码的层面。读这本书，就像是拿到了一把精巧的钥匙，能够开启理解中国传统艺术的深层密码。虽然某些段落的论证需要我反复咀嚼，但那种豁然开朗的智性愉悦感，是其他任何书籍都无法比拟的。

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这本书的结构安排非常巧妙，它不是简单地按照时间顺序进行编年史的叙述，而是采取了一种“专题突破”与“历史串联”相结合的模式。每一章节仿佛都是一个独立而深入的专题研究，比如专门探讨“丑角”的复杂性与社会功能，或者聚焦于某一时期文人与戏班的互动关系。这种非线性的叙述方式，反而让我更容易根据自己的兴趣点进行深入阅读。我最喜欢的是它在分析剧本文本时，总能跳出纯粹的文本分析框架，将之置于当时的政治气候、市民文化乃至士大夫阶层的审美趣味中去考察。比如，在讨论某部明代杂剧的讽刺手法时，作者会旁征博引，将当时的社会弊病和文人圈子的议论也一并呈现出来，使得文本的解读瞬间丰满立体起来。读完合上书本，我感到自己对中国传统美学中的“含蓄”、“留白”等概念有了更深层次的体悟，这不仅仅是一部戏剧史，更是一部理解中国传统社会心灵史的绝佳读本。

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你知道写个选修课论文要读多少废柴书吗。。。

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进入一个新领域，过一遍上个世纪的研究成果还是很有必要的，至少了解了这个领域的研究方向。最吸引我的还是戏曲实践类的书籍????，满心欢喜，若能学习，才是真正的开心????。

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