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出版者:上海人民美术出版社

作者:菲尔·梅茨格

出品人:

页数:204

译者:

出版时间:2006-5

价格:48.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787532247639

丛书系列:西方经典美术技法译丛

图书标签:

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《风栖画境：写意山水意笔勾沉》 本书并非详述传统风景画中的色彩调配、透视原理或是西方油画的笔触叠染。它所探究的，是另一番截然不同的视觉语言，一扇通往心灵深处风景的门。 我们将在本书中，邀请您一同深入中国传统写意山水画的独特境界。这里，山水不再是客观存在的物象，而是画家心绪的寄托，情感的流淌。每一笔，每一墨，都承载着创作者对自然的感悟、对人生的思考。 第一章：墨分五色，意蕴万千 在本章，我们将暂时搁置对“写实”的执念，转而探索“墨”的无穷变化。我们会深入剖析中国画中“墨分五色”的奥秘，并非指真正意义上的五种颜色，而是指墨色从浓、淡、干、湿、润的变化所产生的丰富层次和质感。我们将通过实例，讲解如何通过控制笔头的含水量和用墨的浓淡，来表现山石的坚硬、树木的苍翠、云水的缥缈。这并非简单的技法训练，而是引导您体会笔墨在宣纸上“活”起来的过程，让每一滴墨都拥有生命力。 第二章：虚实相生，留白之美 “计白当黑”，是中国画构图的精髓之一。本书将重点阐述“虚实相生”的哲学思想在山水画中的体现。我们不会教您如何填满画面，而是教会您如何“留白”。留白之处，并非是空白，而是蕴含着无限的可能性，它让观者能够充分发挥想象，自行填补，与画面产生互动。我们将探讨留白如何营造空间感、空气感，以及如何通过留白来引导观者的视线，增强画面的意境。这是一种“以少胜多”的智慧，让画面在简约中显现出磅礴的气势。 第三章：皴法的生命力 皴法，是中国山水画特有的表现手法，用以表现山石纹理和质感。本书将带领您领略不同皴法的魅力，例如披麻皴的流畅缠绵，斧劈皴的苍劲有力，雨点皴的细腻绵密，解索皴的曲折蜿蜒。我们并非简单地模仿图式，而是引导您理解每一种皴法背后的造型逻辑和精神内涵。我们将结合自然观察，讲解如何将对山石形态的感悟，转化为笔下的皴法，让山石仿佛有了真实的肌理和生命。 第四章：笔简意赅，气韵生动 “以形写神，以神写形”，是中国画的灵魂所在。我们将在本章探讨如何用最少的笔墨，勾勒出最动人的神韵。这是一种高度概括和提炼的能力，要求画家深入观察，抓住事物的本质特征，并将其融入笔墨之中。我们将学习如何通过简洁的线条和墨块，来表现树木的姿态、水的流向、云的变幻，以及山峦的起伏。这里，每一笔都需恰到好处，力求“不着一笔，而风雨已生”。 第五章：笔墨的情感光谱 山水画，是画家情感的载体。本书将引导您思考，如何将个人的情感、心绪，注入到笔墨之中。是悲怆，是喜悦，是宁静，还是孤寂？不同的情感，会转化为不同的笔墨语言。我们将探讨如何通过墨色的浓淡、线条的粗细、笔触的快慢，来传达画家的内心世界。这是一种“情景交融”的艺术，让观众在欣赏画作时，也能感受到画家强烈的情感共鸣。 第六章：意境的营造与升华 意境，是中国山水画的最高追求。它并非单纯的景象描摹，而是通过画面，营造出一种超越物质层面的精神氛围。本书将探讨意境的构成要素，包括景物的选择、构图的安排、笔墨的处理，以及留白的空间。我们将学习如何让画面中的山水，不仅仅是山水，而成为一种情感的象征，一种哲理的载体。这是一种“一切景语皆情语”的境界，让观者在欣赏画作时，能够获得精神上的启迪和升华。 第七章：古人的智慧与当代的探索 我们将在本章回溯中国山水画的历史长河，从唐宋大家到明清文人，汲取他们的艺术营养。我们将学习古人如何观察自然，如何理解“天人合一”的哲学思想，以及如何将这些智慧融入到创作之中。同时，我们也鼓励您在继承传统的基础上，进行当代的探索，用自己的视角和感受，去描绘属于这个时代的风景。这是一种“古为今用，洋为中用”的开放态度，让中国山水画在传承中焕发新的生机。 《风栖画境：写意山水意笔勾沉》并非一本告诉你“怎么画”的工具书，而是一本引导你“为何而画”和“如何去感受”的书。它将带您走进一个充满东方哲学韵味和人文情怀的艺术世界，让您在挥洒笔墨的同时，也能够净化心灵，感悟自然，提升自我。这是一场关于笔墨、关于情感、关于心灵的视觉之旅。

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这本书的装帧设计实在是太讨人喜欢了！我拿到手的时候，首先被它沉甸甸的质感和封面那幅仿佛能呼吸的山水画吸引住了。内页的纸张选择也非常考究，那种微微的米黄色调，不仅保护了视力，更衬托出印刷色彩的细腻与温润。我本来以为这本关于绘画技巧的书籍会充斥着生硬的理论和密密麻麻的文字，但事实完全出乎我的意料。它更像是一本精心策展的画册，每一页的排版都充满了艺术感，留白恰到好处，让人在阅读时感到无比的放松和愉悦。尤其让我惊喜的是，书中对不同画材的介绍部分，不仅有详尽的文字说明，还配上了特写镜头，清晰地展示了笔触在纸张上留下的肌理。那种触感，仿佛能隔着书页感受到画家握笔时的力量与轻柔。我对它在材质和视觉呈现上的用心程度表示由衷的赞叹，这绝对是市面上少有的，能让人从捧读之初就心生敬意的艺术书籍。

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我特别关注了书中关于色彩理论的应用部分，这是我过去学习中最大的困惑点之一。以往读到的书籍总是在讲色环和三原色，让人感到抽象且遥远。然而，这本书的切入点非常接地气，它着重讲解了“环境色”对主体色彩的影响。比如，在描绘一块被夕阳染红的山石时，书中细致地拆解了天空的橙红是如何反射到山石的阴影面，使其不再是单纯的“暗灰”，而是带有温暖的紫红调。这种对光影与环境色彩关系的深入剖析，极大地拓宽了我的色彩认知。而且，作者还贴心地加入了大量的“错误示范与纠正”的对比图，这种直观的对比效果远胜于冗长的文字解释。它教会我的不是生硬地套用某种颜色公式，而是理解色彩是如何在自然界中相互影响、相互依存的动态过程，这对于提升画面整体的和谐感至关重要。

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这本书的叙事方式简直是一场流畅的视觉漫游，完全颠覆了我对传统教程的刻板印象。它没有采取那种“先理论后实践”的枯燥结构，而是将复杂的构图原理巧妙地融入到对不同自然场景的剖析之中。比如，它在讲解如何捕捉清晨薄雾中的层次感时，不是简单地罗列“近景实、远景虚”的口诀，而是通过对比几幅不同季节、不同时间段的森林场景，引导读者去观察光线如何“切割”空间，如何利用冷暖色调来营造空气的湿润度。我感觉自己像是在一位经验极其丰富的老师的陪伴下，一起走进了那些被定格的瞬间。作者的文字功底非常深厚，描述场景时，充满了诗意和画面感，让人在学习技巧的同时，也被那份对自然的敬畏之心深深打动。这不仅仅是教你如何“画”，更是教你如何“看”世界，如何将瞬间的感动转化为永恒的线条与色彩。

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这本书最让我觉得物超所值的地方，是它在“构图逻辑与情感传达”方面的深度探讨。它不仅仅停留在经典的“三分法”或“黄金分割”等基础法则的讲解上，而是上升到了心理学层面。作者深入探讨了如何通过引导线的走向来控制观众的视线流动，以及如何通过前景、中景、远景的元素比重来营造“空间感”和“沉浸感”。我印象最深的是关于“视角选择对情绪的影响”的章节，它通过展示同一座山峰，从低角度仰拍带来的雄伟与压迫感，到从高处俯瞰带来的辽阔与超脱感，清晰地阐释了视角如何成为画家与观者之间进行情感交流的桥梁。阅读完这一部分，我感觉自己对“如何组织画面元素”有了一种全新的、更具哲理性的认识，不再是单纯地为了好看而摆放物体，而是为了讲述一个有力量的故事而精心布局。

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坦白说，我是一个动手能力较弱的学习者，面对那些要求高超笔触控制的教程时常常感到气馁。但这本书在“笔触表现力”这一章节的处理上，展现出极高的包容性和实用性。它没有强求读者必须模仿出作者那种精细的笔法，而是提供了多种“个性化”的表达方式。例如，在表现水流时，它不仅展示了细腻描绘水波纹的技法，同时也详细介绍了如何使用干笔触或刮擦技法来表现湍急或泡沫感的水流，强调了“适合场景”的重要性。这种允许读者保留个人风格的教学态度，极大地增强了我的学习信心。我尝试用书中介绍的几种不同笔触去处理家乡的小河，发现即使用我最不擅长的硬毛笔，也能达到比以往更生动、更具生命力的效果。它让我明白，技巧是服务于表达的，而非束缚表达的枷锁。

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对，我就照着封面画了幅素描

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上大学的时候20多块钱买的二手书，作为业余爱好者真的能学到很多东西，最近再看这本书二手价格已经卖到200左右，真后悔当初没多囤几本˃̣̣̥᷄⌓˂̣̣̥᷅

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风景画最重要景物之一，树，讲的有点少。

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铅笔风景画经典教材。

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小学很喜欢的一本