中央美院刘扬的速写本 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:福建美术出版社

作者:福建美术出版社编

出品人:

页数:35

译者:

出版时间:2006-1

价格:12.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787539312842

丛书系列:

图书标签:

• 速写
• 速写
• 绘画
• 艺术
• 美术
• 素描
• 教学
• 刘扬
• 中央美术学院
• 技法
• 临摹

《古都遗韵：老城街巷的百年光影》 本书旨在追溯并记录一座历史悠久的大都市——京城，在其现代化进程中逐渐被时间掩埋的传统街区与市井生活。我们不聚焦于宏大的历史叙事或建筑学的专业解析，而是选择了一种更贴近生活的观察视角，深入那些隐藏在现代钢筋水泥丛林深处的“城市毛细血管”——老胡同、小院落、沿街的作坊与久居于此的居民。 第一部分：苔痕上的记忆——胡同的肌理与呼吸 京城的胡同，不仅仅是道路的称谓，它们是这座城市的时间切片，是特定历史时期社会结构、居住形态与人际关系的物化体现。本书的第一部分，将通过大量的田野调查和细致入微的文字描摹，重现那些即将消失或已然变貌的胡同风貌。 我们首先考察“里巷”的格局。不同于规划整齐的现代街道，胡同的走向往往是随地势、水系甚至家族聚居的意愿自然形成的。这里记载着关于“官道”、“民巷”、“死胡同”的微妙差异。每一条胡同的命名，背后都藏着一段民间传说或历史旧事：是因某户显赫人家而得名，还是因某种特殊的营生而流传？我们细致梳理了这些“活着的历史名称”，力求还原其最初的语境。 在建筑细节上，本书着重描写“门墩”、“影壁”、“门簪”等传统元素。这些看似微不足道的装饰，实则是宗法礼制与工匠精神的集中体现。例如，一座寻常院落的“倒座房”与“耳房”的比例，反映了主家对“中正平和”的追求；而那些斑驳的青砖上残留的“猫眼”、“蛛网”般的裂纹，无声地诉说着数十年风雨的侵蚀与居民日常的柴米油盐。我们试图捕捉那种特有的，阳光斜射进狭窄胡同时，光影在灰墙上投射出的立体感与深邃感。 这一部分还深入探讨了胡同内的“公共空间”概念。胡同不是私密的走廊，而是半公共的生活剧场。邻里之间共享的水井、公共的剃头摊、街角的茶摊，是信息交流、情感维系的枢纽。我们记录了老人们在夏日午后，搬出小板凳在槐树下摇着蒲扇聊天的场景，捕捉那种慢节奏、重情义的市井生活气息，那是高楼大厦中难以复刻的“烟火气”。 第二部分：手艺的温度——作坊与市井的变迁 现代工业生产的崛起，极大地压缩了传统手工业的生存空间。本书的第二部分，将焦点投向那些坚守在胡同深处、仍以传统技艺为生的匠人。 我们探访了硕果仅存的几家老字号：如坚持手工打制铜锅的铁匠铺、用老式织布机制作布匹的织户，以及仍在坚持手写春联和寿幛的书写者。我们详细记录了他们工作的环境——通常是光线昏暗、工具陈旧但井然有序的作坊。这种环境本身，就是对手艺传承的一种无声宣言。 文字细致描摹了制作过程中的每一个关键步骤，力求展现“慢工出细活”的哲学。例如，描述一位老木匠如何用刨子将一块粗糙的木料打磨至光滑如镜，空气中弥漫着木屑的清香，以及他如何在不借助任何电子设备的情况下，仅凭经验控制锯切的角度和力度。这些细节，是对“工匠精神”最朴素的诠释。 此外，我们还考察了“街面经济”的演变。从早年挑着担子沿街叫卖的“叫卖人”（如磨剪子的、收旧货的），到如今固定的街边小店，市井的买卖方式也在悄然更新。我们记录了那些曾经在胡同里扮演重要角色的“行当”——修鞋匠、补锅匠，他们不仅提供服务，更是胡同生活的重要组成部分，他们的消失，标志着某种传统生活秩序的瓦解。 第三部分：生活的美学——寻常物件中的哲思 本书的第三部分，从微观角度切入，探讨居住在这些古老空间中的人们，如何将日子过出一种独特的、不自觉的美学。这不是学院派的艺术鉴赏，而是源于生活本身的智慧与趣味。 我们关注那些被反复使用、打磨得温润发亮的器物：用了几十年的搪瓷脸盆、有着特殊裂纹的粗瓷碗、被阳光晒得微微褪色的窗帘。这些物件，见证了家庭的兴衰与变迁，它们表面的磨损，比任何装饰品都更具有故事性。我们探讨了“惜物”的观念——一件东西被反复修补和使用，体现了对资源和历史的尊重。 在对居住空间的研究中，我们重点描述了“院落的四季”：春日里新发的藤蔓攀爬在灰墙上投下的斑驳光影，夏夜里人们在院中乘凉的场景，秋日里晾晒的瓜果蔬菜构成的色彩层次，以及冬日里炉火映照下的温馨画面。这些场景，构成了对“家园”最本真的定义。 最后，本书还收录了一系列对老住户的口述历史访谈。这些朴实的对话，跨越了数个时代，从讲述童年时在胡同里捉迷藏的趣事，到经历社会变革时的点滴感悟。这些声音，是留存这座古都生命力的最直接证据。 《古都遗韵》试图在快速发展的时代洪流中，为读者留下一份关于传统生活方式、手工技艺与社区精神的珍贵档案，邀请读者慢下脚步，用心地去体会那些隐藏在日常细节中的历史厚度和人文温度。

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这本画册简直是艺术学习者的福音，那种扑面而来的生命力和对形体的精准把握，让人立刻沉浸其中。刘扬老师的速写功底真的没得说，无论是人物动态的捕捉，还是静物的结构分析，都透着一股老辣而又灵动的劲儿。我特别喜欢看他处理线条的方式，时而如行云流水般一气呵成，时而又像是经过深思熟虑的刻意为之，但最终呈现出来的效果却无比自然，丝毫没有雕琢的痕迹。特别是他对光影和体积感的塑造，简直是教科书级别的示范。我个人在尝试画人体的过程中，常常感到结构松散、比例失调的问题，但翻阅这本速写集，仿佛有位大师在耳边细细指点，那种对透视和解剖的理解被巧妙地融入到看似随意的线条之中，让人豁然开朗。它不是那种让你照着描摹的死板教程，而更像是一本充满灵感的速记本，记录着艺术家观察世界最直接、最本真的瞬间思考。对于任何想在造型能力上寻求突破的朋友来说，这本册子提供的不仅仅是视觉参考，更是一种内在的思维模式的熏陶和引导，让人在拿起画笔时多了一份自信和清晰的方向感。

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这本书的装帧和排版也值得称赞，它营造了一种非常私密的、仿佛偷窥艺术家工作现场的氛围。与其他那种色彩斑斓、过度修饰的画集不同，它保持了速写本最原始的魅力——黑白灰的纯粹对抗。这种朴素反而让观者的注意力完全集中到了刘扬老师对造型本质的思考上。我注意到，有些页面的速写稿旁边，似乎留有非常轻微的笔记或者草稿的痕迹，虽然内容模糊，但这种不完美性反而增加了作品的真实感和亲切感。这让我感到，即便是中央美术学院的教授，在创作过程中也充满了探索和试错，这对于正在挣扎于自我怀疑的初学者来说，是一种巨大的鼓舞。它打破了“大师作品”高不可攀的壁垒，展示了一条真实、充满汗水的成长路径。可以说，这本书不仅仅是技巧的展示，更是一种创作精神的传承，它鼓励我们去观察、去记录、去大胆尝试，而不是被完美主义所束缚。

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这本速写本给我的触动，更深层次地在于它对于“观察方法”的启发。很多时候我们看事物，只是“看”到了，却没有真正“入眼”。刘扬老师的速写，无疑是一种深度的视觉解码过程。比如他画的几组人像，即便是侧面或背影，你也能从轮廓线中读出人物的性格倾向或当时的情绪状态，这已经超越了单纯的几何形体堆砌，进入到了造型的哲学层面。他似乎总能找到那个“结构最清晰”、“动态最有力”的角度去落笔。我尝试着模仿他处理一个复杂交叉场景的方式，立刻发现自己过去总是被多余的细节分散了注意力，而这本书强迫你直面核心——结构线、体积块和动态的逻辑链条。它就像一个高倍显微镜，帮助我们放大了那些常被忽略的关键点，同时又像一个高效的过滤器，帮我们滤掉了不必要的视觉噪音。对于想真正提升自己“看”画的本领的人来说，这本书的价值是无可估量的。

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我花了整整一个下午的时间沉浸在这本速写本里，最大的感受就是“松弛有度”。很多速写集为了炫技，会过度强调线条的复杂性和细节的堆砌，反而失去了速写本应有的那种“速度感”和“现场感”。然而，这本册子的作品却完美地平衡了这一点。你看那些场景速写，寥寥数笔，却能精准地勾勒出环境的氛围和人物之间的关系，场景的复杂性被提炼成了最核心的几个视觉焦点，毫不拖泥带水。我尤其留意了其中几页对不同材质的描绘，比如粗粝的砖墙、光滑的金属物件，刘扬老师处理它们的手法截然不同，但都通过线条的粗细、虚实变化，有效地传达了材质的触感，这对于我们日常学习中常常遇到的“画什么都一个样”的困境，提供了极具价值的解决思路。这本书与其说是“速写本”，不如说是“观察方法论”的集大成者。它教会了我如何快速有效地从纷繁的现实信息中筛选出有价值的造型元素，并将它们高效地转化为画面语言。这种效率和深度兼备的学习体验，是我在其他同类书籍中鲜少获得的。

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作为一名非科班出身的绘画爱好者，我一直为基础薄弱而感到焦虑，总觉得自己的作品“缺乏学院派的底气”。读完这本册子后，这种感觉奇妙地得到了缓解。它的直观性太强了，没有晦涩的理论术语，全是实打实的画面语言。我特别欣赏它在处理动态人物时的那种“动态感”的捕捉，那种力量的蓄积和爆发，像是被按下了慢动作回放，然后艺术家用最快的速度记录下了那个“决定性瞬间”。这让我意识到，真正的造型能力不是靠死记硬背结构图谱得来的，而是建立在对运动规律、对形体间相互作用力的深刻理解之上。反复翻阅其中几张头部和手部的特写，线条的力度变化简直像在进行一场无声的对话。你能清晰地感觉到，哪些线条是支撑结构的主要力量线，哪些线条是用来表现体积和皮肤纹理的辅助线条。这种对线条层级的细致区分和运用，是这本书最宝贵的财富之一，它让我对“下笔”这件事有了更敬畏和审慎的态度。

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