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出版者:上海画报出版社

作者:了庐

出品人:

页数:149

译者:

出版时间:2006-3

价格:28.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787806855423

丛书系列:

图书标签:

• 国画
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• 绘画史
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• 文化艺术
• 绘画技法

《画史漫谈：笔墨的千年流转》 在中国浩渺的历史长河中，绘画不仅是图像的记录，更是思想的载体，是文人精神的寄托，是时代风貌的折射。本书并非对某一画论进行 exhaustive 的解读，也不是某一画派的学术考证，而是一系列围绕中国画发展历程中的关键节点、重要人物、独特技法与美学思潮的漫谈。它试图以一种更具叙事性和人文关怀的方式，邀请读者一同漫步在中国画的千年画卷之中。 本书以时间为脉络，从先秦的质朴线条，到汉唐的雄浑气象，宋元的雅致意趣，明清的世俗情怀，直至近现代的革故鼎新，勾勒出中国画发展的宏观轮廓。我们不逐一梳理历代画论的繁复条目，而是选取其中最能代表时代精神、影响深远的几个侧面进行深入浅出的探讨。例如，我们会谈到魏晋时期“以形写神”的绘画理念如何孕育了中国画“写意”的雏形，为何陆机的《论文》虽非画论，却对绘画的“得意忘形”产生了深远影响。我们将探究顾恺之“迁想妙得”的背后，是如何将主观情感的注入融入物象的描摹之中，而非简单的形似。 在隋唐盛世，我们不拘泥于史料对具体画派的记载，而是着眼于那个时代开放包容的文化氛围如何催生出吴道子“笔不容疵，画绝古今”的磅礴气势，以及张萱、周昉笔下仕女的丰腴与典雅，它们所体现的不仅仅是技艺的高超，更是那个时代对美的独特理解和生活的热情。 进入宋代，我们聚焦于“理”与“意”的融合。这并非简单地罗列赵宋画院的繁荣，而是尝试理解为何“山水画”会在此时登上中国画的巅峰。我们探讨宋人对自然造化的敬畏，对“格物致知”精神在绘画中的体现，如范宽《溪山行旅图》中对山川巨灵的敬畏，以及郭熙《林泉高致》中所倡导的“可行、可望、可游、可居”的山水观，这些都反映了文人将个人情怀与宇宙精神融为一体的追求。我们也会提及“院体画”与“文人画”的初露端倪，以及它们之间微妙的张力。 元代的笔墨革新是本书不容错过的篇章。我们不迷恋于“元四家”的名号，而是深入探究赵孟頫“以书入画”的理论与实践，为何他的“古意”能够引领一时风潮，以及黄公望《富春山居图》中那种“淡墨如烟，枯笔似 the bone”的写意精神，是如何超越形迹，直抵物象的本质。我们也会讨论倪瓒的“逸格”，以及其背后所蕴含的文人孤高与傲世情怀。 明清两代，是中国画走向成熟与多样化的时期。本书将着重于“文人画”的进一步发展及其社会影响。我们不枯燥地讲解不同流派的章法、用笔，而是试图理解董其昌“以形写神”的“墨戏”概念，为何它能成为一代宗师，以及他对“南北宗论”的梳理，如何影响了后世对中国画的评判标准。我们也会探讨徐渭、八大山人等“狂逸”画家的独特风格，他们如何在颠沛流离的生活中，以笔墨宣泄内心的不羁与愤懑，形成一种别开生面的艺术境界。清代的“扬州八怪”，其市民趣味与雅逸之间的碰撞，也是我们笔下值得玩味之处。 最后，本书将简要触及近现代中国画的转型。我们不会深入研究具体的西画东渐过程，而是关注在时代变迁下，中国画如何汲取外来养分，并在保持民族精神的同时，寻求新的生命力。我们会提及一些代表性画家如何在传统的基础上，探索新的表现手法和题材，以及“写意”精神在现代语境下的延续与发展。 本书的写作风格力求平易近人，避免学术术语的堆砌，而是运用生动的语言，结合具体的画作（虽然书中不会附图，但会通过文字的描绘让读者在脑海中形成画面），以及历史故事，让读者感受到中国画的魅力。我们相信，中国画的“言外之意”，不仅仅在于画家的笔墨技巧，更在于其背后的文化底蕴、哲学思考和人文关怀。希望通过这些漫谈，能够激发读者对中国传统艺术的兴趣，并从中获得一份美的启迪。这本书，是为所有热爱中国画，渴望了解其背后故事与精神的读者而作。

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这本书的语言风格非常独特，兼具了古典的典雅和现代的锐利。在引用古籍时，它保持了原文的庄重和气势，让人感受到历史的厚重感；而在进行阐释和评论时，作者的笔触又变得非常犀利和富有洞察力。尤其是一些对后世画论的批判性分析，观点独到，往往能击中要害，让人拍案叫绝。我读到某一段关于“胸中有丘壑”的论述时，作者并没有简单地重复这句话的美好，而是深入探讨了这种“内化”过程在不同时代画家的实践差异，这种深刻的反思能力，极大地提升了这本书的学术价值。它不是简单地复述前人思想，而是进行了有建设性的对话和延伸，这才是真正有价值的“通解”所在。

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不得不提的是，这本书的逻辑架构设计得非常精妙，完全遵循了中国绘画理论发展的历史脉络，由浅入深，层层递进，给人一种水到渠成的领悟感。它不像有些学术著作那样生硬地划分朝代，而是巧妙地将不同历史阶段的画论思想进行串联和对比。比如，宋代对写实的极致追求，如何影响了后世文人画对“意境”的强调，这种承接与转折，在书中体现得淋漓尽致。每当读完一个阶段的论述，我都会有一种豁然开朗的感觉，仿佛自己对中国艺术史的理解又加深了一层。这种编排的功力，绝非一般人能及，它真正做到了“通解”，将那些原本散落在不同卷宗中的碎片知识，整合成为了一部完整的知识体系，让人读来脉络清晰，受益匪浅。

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从实用性的角度来看，这本书的注释体系堪称典范。许多古代画论中使用的术语，比如“皴法”、“点苔”、“没骨”等，在书中都有详尽且形象化的解释，很多地方还配有现代画家可能会用到的手法类比，这对于我这种需要实践操作的爱好者来说，简直是及时雨。我过去总觉得有些理论停留在“可知而不可言”的层面，但这本书通过大量的图例和对比分析，成功地将这些“不可言”的部分转化为了可以理解和模仿的路径。阅读过程中，我随时可以停下来，对照书中的图解进行思考，极大地增强了学习的效率和趣味性，让晦涩的理论真正走入了笔端和心间。

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阅读这本书的过程，简直就像是经历了一场关于中国美学精神的深度徒步旅行。它没有那种干巴巴的理论堆砌，反而是将那些深奥的“气韵生动”、“笔墨精神”等概念，用一种非常生活化、充满画面感的方式阐述了出来。比如，书中对谢赫“六法”的解读，不再是冷冰冰的条文，而是结合了具体的画作案例进行剖析，让人瞬间就能明白“骨法用笔”的力度和“应物写形”的精微之处。我特别欣赏作者在阐述过程中穿插的一些小故事，那些关于画家与友人论画、师徒相授的轶闻趣事，一下子拉近了我们与古人的距离，让抽象的理论变得有血有肉，变得鲜活起来。这种讲述方式极大地降低了阅读门槛，即便是对中国画论初涉者，也能很快抓住核心脉络，感受到个中三昧。

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这本书的装帧设计真是一绝，光是拿到手里摩挲着封面那些细腻的纹理，就觉得值回票价了。那种沉甸甸的质感，带着一股子古朴的书卷气，让人忍不住想立刻翻开。内页的纸张选择也十分考究，色调柔和，既不反光影响阅读，又能很好地承载那些历代画论中的精妙图文。特别是它对于那些古代典籍的引文排版，简直是艺术品，繁体字与现代注释的穿插布局，清晰却又不失古韵，让人在阅读时能够沉浸其中，仿佛穿越回了那个大师辈出的年代。装帧上可以看出出版方是下了大功夫的，每一个细节都透露着对传统艺术的尊重与敬意，对于我这种既爱书又爱历史文化的人来说，光是欣赏这个外壳，就已经是一种享受了。我甚至觉得，这本书本身就是一件值得收藏的艺术品，摆在书架上，都透着一股子高雅的气息，让人心情愉悦。

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伤痛……为国画：那样美的东西还是不可避免的要离我们远去了

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边熟悉作品边入门，总觉还未找到赏鉴之道，看不出什么名堂，从心里喜欢的是徐渭和齐白石，八大山人的也颇独特：）

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你知道这本书有多“偷鸡”吗？约占全书三分之二还多的篇幅就是所谓画论的词义解释。如传神论，就用一两句话解释什么叫传神，再配以图片。剩下的部分就是几篇作者发表在报刊杂志上的文章结集。而这些文章又无不是在老调重弹作者提出的“化阳刚为阴柔”，“沉着遒劲、圆转自如，不燥不淫、腴润如玉，起伏有序、纵横如一”的所谓审美理论。

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