A lively account of the interaction between European and indigenous artist that took place during more than 300 years of Spanish and Portuguese colonial influence in Latin America (c. 1492-1820). The book offers a fascinating insight into viceregal, missionary and civic architecture, as well as painting, sculpture and such 'minor arts' as furniture, textiles and ceramics. This is a long-awaited book on an increasingly popular subject and includes many previously unillustrated works. For over three hundred years, from the era of Christopher Columbus to the struggles for independence around 1820, Latin America witnessed an artistic flowering of enormous creativity and originality. In a unique way, the art and architecture of Aztec, Inca and Guarani civilizations blended with those of Europe, North Africa and the Far East. In particular, the Spanish and Portuguese empires in Central and South America created the climate for a flourishing, diverse and distinct version of Renaissance and Baroque culture, produced under utterly different social and geographic conditions from those found in Europe. The products of this unique culture include some of the most lavish and visually arresting works of art and architecture in the world. In this lively overview of the tremendously rich and varied artistic output of the area from southern Chile to northern California, Gauvin Alexander Bailey discusses viceregal and missionary as well as civic and rural architecture, alongside religious and secular painting, sculpture, metalwork, textiles and ceramics. But he also looks back to pre-colonial influences and concludes with an examination of how twentieth-century artists such as Diego Rivera and Frida Kahlo interpreted their artistic heritage. Even today, the art of the colonial period remains at the centre of Latin American society, culture and identity. The result is a book that provides a new and comprehensive understanding of all the influences that led to one of the most cosmopolitan artistic outpourings in the whole history of art.
[加] 高文• 亚历山大• 贝利(Gauvin Alexander Bailey)
美裔加拿大著名作家、艺术史专家,毕业于多伦多大学,1996 年获得哈佛大学博士学位,现为皇后大学教授,加拿大皇家学会研究员。
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从一个更侧重于材料科学和工艺技术的角度来看,这本书展现了令人惊叹的广度和深度。它对于黄金、白银的提炼与使用,以及新世界特有颜料——比如源自墨西哥胭脂虫的洋红——在欧洲人严格的调色板中如何被接纳和改造的论述,极具启发性。书中对秘鲁安第斯地区泥塑和纺织品的研究,也揭示了殖民地工匠在面对技术限制时所展现出的惊人创造力。例如,如何用当地的植物纤维来模仿欧洲昂贵的丝绸织物,或者如何利用火山灰和特殊的黏土来制作出具有强烈表现力的宗教雕塑。这不仅仅是技术层面的介绍,更是关于资源、需求与文化适应性之间复杂关系的深刻洞察。对于任何对工艺美术史或材料文化感兴趣的人来说,这些细节提供了宝贵的参照点,远超出了对建筑风格的表面欣赏。
评分这本书的叙事节奏把握得相当精妙,它没有陷入那种纯粹的学院派断代史的枯燥泥潭,而是以一种近乎散文诗的笔触,带领读者在历史的迷雾中穿行。我被它对十七世纪新西班牙(即墨西哥)城市生活与视觉文化的描绘深深吸引。作者似乎能够捕捉到空气中弥漫的香料味和阳光下石材的温度。书中花了大量篇幅讨论日常用品、服饰纹样,以及城市庆典中的临时性装置艺术,这极大地拓宽了我对“艺术”定义的理解。那些描绘社会阶层和种族混血的面部描绘系列(casta paintings),被赋予了极其深刻的社会学解读,不再是简单的分类学展示,而是对一个正在重塑身份的社会群像的冷静剖析。阅读这些章节时,我仿佛置身于喧嚣的墨西哥城广场,耳边充斥着西班牙语、纳瓦特尔语的交谈声。这种沉浸式的体验,是很多学术著作难以提供的,它将冰冷的艺术史变成了一场活生生的文化考古。
评分这本书的书名是《殖民地拉丁美洲的艺术》,我刚刚读完,感觉收获颇丰。首先,它在对巴洛克风格在美洲大陆的演变与本土元素的融合方面,提供了极为细致入微的考察。作者不仅仅罗列了宏伟的主教堂建筑和祭坛雕塑,更深入到那些地方工匠如何巧妙地将安第斯山脉的象征符号、墨西哥原住民的植物图案,乃至非洲奴隶文化的色彩运用,融入到传统的欧洲宗教图像学之中。比如,书中对库斯科画派中圣母形象的描绘尤为引人注目,那些厚重的金色装饰和极其写实的、带有浓郁地方特色的面孔,完全颠覆了我对传统欧洲圣母像的固有认知。这种跨文化交流的张力,远比教科书上描述的“移植”要复杂和生动得多。我尤其喜欢其中关于艺术赞助人角色的探讨,阐明了教会、王室、地方精英乃至新兴的商人群体是如何通过委托艺术品来构建和巩固他们在社会中的权力与身份的。全书的文献梳理扎实,图片选择精良,能让人清晰地看到不同地区、不同阶层之间的艺术话语权是如何博弈和交织的。
评分这本书的视角非常新颖,它没有将殖民地艺术简单地视为欧洲“输出”的附庸品,而是着力于发掘那些在殖民权力结构下被边缘化的“亚文化”的艺术表达。特别是关于美洲原住民在皈依天主教后,如何通过“地下”或半公开的方式,将他们原有的宇宙观和神话体系,通过基督教的母题进行“编码”和保护的讨论,非常引人深思。这要求读者必须具备一种批判性的眼光,去阅读那些看似完全符合欧洲规范的作品背后的“双重在场”。它挑战了“正统”艺术史的叙事,暗示了真正的艺术活力往往存在于权力结构的不稳定地带。这种“解码”的过程充满了智力上的挑战和乐趣,它让你意识到,殖民地艺术史是一个充满密码和隐藏信息的多层文本。
评分我必须承认,这本书在组织结构上有着明显的地域划分特征,但令人称道的是,作者成功地在这些地域板块之间建立起了超越国界的艺术对话。从布宜诺斯艾利斯新发现的早期圣徒画像,到加勒比海岛屿上受法国和西班牙双重影响的装饰艺术,作者总能找到一条逻辑清晰的线索,将这些看似分散的艺术现象串联起来,形成一个统一的“殖民地经验”的视觉图景。书中关于“美洲化”这一概念的阐释尤其到位,它不是一个线性的演变过程,而是一个充满拉锯、回溯和激进创新的动态过程。这本书的价值在于,它迫使读者走出欧洲中心主义的视角,真正去欣赏美洲大陆在特定历史时期所孕育出的那种独一无二的、充满张力的视觉遗产。读完后,我对拉丁美洲艺术的理解无疑上升到了一个新的、更为复杂的层次。
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