具体描述
...an intimate journal, both of the feelings and the senses, such as has never been kept before. --André Breton
Pablo Picasso is arguably the most famous and influential artist of the 20th century. What few in the English speaking world know is that in 1935, at age 54, an emotional crisis caused Picasso to halt all painting and devote himself entirely to poetry. Even after resuming his visual work, Picasso continued to write, in a characteristic torrent, until 1959, leaving a body of prose poems that André Breton praised as, "an intimate journal, both of the feelings and the senses, such as has never been kept before." Similarly struck by the poems' originality, Michel Leiris wrote, "If we must compare him, despite his fierce singularity, in order to try and situate him on the literary map, I see only James Joyce." Near the end of his life, Picasso himself was quoted as having "told a friend that long after his death his writing would gain recognition and encyclopedias would say: 'Picasso, Pablo Ruiz--Spanish poet who dabbled in painting, drawing and sculpture.'"~For the past five years, poets Jerome Rothenberg and Pierre Joris have overseen a project to translate the majority of this writing into English for the first time. Working from Picasso's original Spanish and French (he wrote in both languages), they enlisted the help of over a dozen contemporary poets in order to mark, as they note in their introduction, "Picasso's entry into our own time." This is indeed a new Picasso for most of us, or rather, a renewed Picasso: the poems are as protean, erotic, scatological, and experimental in form as his visual art has always been described. But amid the ubiquitous posters, t-shirts, and tchotchkes, how many of us have truly felt the impact of Picasso's visual work as powerfully as it was perceived in the first half of the 20th century? The poems give us a 21st-century Picasso, free of cliché. Perhaps they will even spark a revival of interest in his "dabblings."
By Pablo Picasso. ~Edited by Jerome Rothenberg and Pierre Joris.~Afterword by Michel Leiris.
Paperback, 6 x 8 in./352 pgs /
作者简介
目录信息
读后感
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用户评价
这本关于毕加索的画册，说实话，我本来是带着一种朝圣的心态去翻阅的，毕竟“毕加索”这个名字本身就自带光环。然而，这本书的装帧设计实在让人眼前一亮，那种粗粝的纸张质感，配上简洁到近乎冷酷的字体排版，立刻就给我一种“这不是一本寻常的艺术导览”的感觉。它没有过多花哨的导语或者矫揉造作的艺术史叙述，开篇就直接抛出了一组早期作品的局部特写，那些蓝色时期特有的忧郁和近乎透明的色彩层叠，仿佛能透过纸面渗出来。我尤其欣赏其中对于“立体主义”诞生的那几页的处理，它没有用大段文字去解释“多视点透视”的理论，而是通过一幅幅草图和不同阶段的油画对比，用视觉语言来构建理解的过程，就像在看一场精心策划的解剖秀。每一页的留白都恰到好处，让人在吸收信息时有一种呼吸的空间，而不是被密密麻麻的文字和图片压得喘不过气。看得出来，编辑在选材上是下了大功夫的，那些常被忽略的雕塑作品和陶瓷设计，居然也占据了相当重要的篇幅，这使得整本书的维度一下子被拓宽了，不再是单向度地聚焦于油画的革新，而是呈现了一个立体艺术家横跨不同媒介的探索历程。读完前三分之一，我就意识到，这本书与其说是介绍毕加索的生平，不如说是邀请读者进入他创作的“方法论”内部进行一次深入的游历。
评分我必须承认，这本书的叙事节奏把握得极其精妙，它不像某些传记那样，用时间线把人牢牢地捆住，而是采取了一种主题性、碎片化的结构，每隔一段时间，它就如同变魔术一般，将你从一个创作阶段猛然拉扯到另一个看似风马牛不相及的时期，但当你细细品味时，又会发现那些看似跳跃的元素之间，其实有着某种隐秘的、情感上的呼应。比如，它将某幅战争时期的素描，紧挨着一个晚年创作的、充满生命力的花卉静物画并置，两者之间的强烈反差，与其说是作者对比，不如说是在暗示一种贯穿毕加生存哲学的“二元对立”与“统一”的辩证关系。书中对不同时期画作的解读，也显得非常克制和留白，它很少用那种绝对化的词汇去定义某幅画的“意义”，而是更倾向于提供一种开放式的提问，让观者自己去填补情感的空缺。这种处理方式，对我这种对艺术史已经有一定了解的读者来说，简直是如沐春风，因为它尊重了读者的主体性，避免了知识的灌输感。书中的附录部分，收录了一些早期书信的片段，那些笔迹潦草、情感充沛的文字，如同开启了一扇秘密的门，让我们得以窥见这位艺术巨匠在创作巅峰期，内心深处真实的挣扎与狂喜。
评分这本书最让我感到惊喜的是它对“材料性”的关注，这一点在市面上绝大多数的艺术画册中是常常被忽略的。作者似乎对画布、颜料本身所能承载的重量和肌理有着一种近乎偏执的迷恋。在描述那些晚期作品时，文字不再局限于色彩和形状的分析，而是开始详细描述颜料的厚度、刮刀留下的痕迹，甚至是用什么介质来稀释油彩。有一段落，专门探讨了毕加索如何利用旧报纸、沙子甚至烟灰来增加画面的粗粝感，这种对媒介的“暴力”使用，被描述得极其到位，让人读完后，仿佛能闻到工作室里混合着松节油和灰尘的气味。这种对物理存在的强调，使得毕加索的画作从二维的平面视觉对象，转化成了一种可以触摸、可以感受其重量的实体存在。我甚至开始重新审视我以前看过的那些复制品，意识到屏幕上的平滑并不能代表原作的真正面貌。书中对毕加索在陶艺创作中的“笨拙”和“解放”的对比分析，更是精彩绝伦，它展示了艺术家如何在不熟悉的领域中，通过放弃既有的技巧，反而获得了更纯粹的表达自由。
评分这本书的排版设计简直是一场视觉的“行为艺术”。它完全打破了我对传统艺术书籍“左文右图”的刻板印象。有些页面，文字被拆解、压缩，如同碎片一样散落在大幅的彩色印刷品周围，阅读时，你必须像在拼图一样，将文字碎片重新组织起来，才能构建出完整的阐释。这种互动性极强的布局，潜移默化地模拟了立体主义的解构与重构过程，让读者在物理上参与了艺术的理解过程。更绝妙的是，它偶尔会在一个不起眼的角落，用极小的字体，印上一句与上下文看似无关，但实则暗含深意的艺术史小注，就像是作者在不断地抛出“线索”，引导你去进行更深层次的联想。这种阅读上的“不确定性”和“探索感”，让阅读过程充满了乐趣和挑战。它不是在喂养知识，而是在激发读者的求知欲和观察力。最后，书脊的处理方式也十分独特，它采用了一种不对称的装订，当你把它放在书架上时，它与其他规整的书本形成一种有趣的张力，这本身就是对毕加索打破常规精神的一种致敬。整本书，从纸张的气味到文字的间距，都充满了设计者的匠心，它本身就是一件值得收藏的艺术品。
评分坦白说，我之前对毕加索的了解，很大程度上是停留在那些被过度复制的、教科书式的作品印象上，总觉得他的艺术太过“理性”和“概念化”，缺乏某种直接的情感穿透力。然而，这本书用一种近乎散文诗般的笔触，成功地解构了这种刻板印象。它巧妙地穿插了一些关于毕加索私人生活的侧写，但这些侧写并非八卦，而是被精准地嵌入到特定艺术作品的创作背景中，用于解释那些突然爆发的风格转变。例如，书中对某个时期女性肖像的描绘，细腻地捕捉到了他笔下女性形象从甜美到破碎的心理投射，语言的张力极强，读起来让人感到一种强烈的共情。特别是对晚期自画像的解读，那种近乎自我审判的坦诚，被文字捕捉得淋漓尽致。我感觉作者是带着一种非常深沉的敬意，去审视这位艺术家灵魂的褶皱，而不是仅仅停留在对其天才的赞美上。这种深入挖掘艺术家内在世界的尝试，使得整本书的阅读体验，从智力上的欣赏，上升到了情感上的共鸣，让人在合上书本时，心中久久不能平静。
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