曲剧卷席筒主演海连池二片装(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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作者:黄河音像出版社

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页数:0

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出版时间:1900-01-01

价格:10.0

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isbn号码:9787884701278

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• 曲剧
• 地方戏曲
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《梨园旧梦：中国地方戏曲的流变与传承》 内容简介： 本书是一部深度探究中国地方戏曲艺术发展脉络的学术著作，聚焦于戏曲艺术在不同历史阶段的生存状态、美学特征的演变，以及其在当代社会语境下的传承与创新挑战。全书以宏大的历史视野为经，以鲜活的剧种个案为纬，力求呈现出中国戏曲这一复杂而迷人的文化现象的全景图。 第一部分：戏曲的源起与雏形——从乐舞到舞台的漫长酝酿 本部分追溯了中国戏曲艺术的古老根源。我们不将戏曲视为某一特定时期的横空出世，而是将其置于中国传统礼仪、宗教祭祀、民间娱乐和说唱艺术长期融合演变的长河中进行考察。 首先，从先秦时期的“乐舞”和“百戏”谈起，分析了宋代以前各种娱乐形式如何为后世戏曲的舞台化、角色化提供了原始的素材积累。重点剖析了唐代“参军戏”的出现，这种带有初步的滑稽模仿和角色扮演性质的表演形式，被视为戏曲“舞台化”的第一个重要里程碑。 随后，着重研究了宋元时期的“杂剧”和“南戏”的成熟。我们不再将宋元视为戏曲的“诞生期”，而是看作其艺术范式确立的“关键期”。书中详细梳理了“词曲”如何在民间艺人的手中，从文学的依附品转变为独立叙事的载体，探讨了早期戏班的组织结构、行头配置，以及剧本如何从口头相传走向文人整理的复杂过程。特别关注了元杂剧的“关目”（即情节结构）设置规律，以及早期旦角、净角等行当的初步分化迹象。 第二部分：明清盛世：剧种的勃发与地域文化的深度融合 明清两代是中国戏曲艺术的鼎盛时期，也是地方剧种“大爆炸”的阶段。本部分着重分析了昆曲的典雅化对民间戏曲产生的双向影响，以及各地基于本土方言、音乐、舞蹈习俗所孕育出的繁多剧种。 详细考察了昆曲“水磨腔”的形成过程及其对审美情趣的提升。书中通过分析汤显祖的“临川四梦”，阐释了文学性如何与音乐性、表演性达到了高度的契合，塑造了中国古典戏曲美学的巅峰范式。 与此同时，本书将大量篇幅投入到新兴的、更具生命力的“花部”戏曲的崛起。我们审视了以徽班为代表的戏曲群体，如何适应市井文化的需求，在表演技巧上追求更具张力的表现力。重点分析了道光、咸丰年间，以“二簧”、“西皮”为核心声腔体系的腔调系统是如何在民间艺人的“以戏养戏”模式下，逐步克服地域限制，最终融合发展，为后来的京剧乃至全国性剧种的统一奠定了音乐基础。 第三部分：地域剧种的生态研究——“一腔一韵”的文化密码 本书的特色之一在于对数个具有代表性的地方戏曲的深度田野考察与文本分析。我们跳出了传统戏曲史的“唯昆京论”的窠臼，着眼于不同地域文化如何塑造了其独特的表演符号。 以“徽调系统”为例： 探讨了以“徽汉合流”为背景的腔调演变，分析了地方戏曲在吸收外来声腔时，如何巧妙地保留了原有的板式结构和独特的韵味，从而形成了既有共性又具鲜明个性的艺术风格。 以“乱弹系统”为例： 考察了这类剧种在民间力量的驱动下，如何更自由地借鉴民间曲艺、武术、杂技等元素，形成了表演上更趋向于“写实化”和“动作化”的倾向。研究了这些剧种在不同城市（如武汉、成都、广州）的班社运作模式、票友文化的支持系统，以及剧目在口耳相传中的不断“再创作”现象。 以“曲艺的戏曲化”为例： 关注了如大鼓、弹词等说唱艺术如何逐步“搭台唱戏”，并在舞台上获得了更丰富的视觉和空间表现力，揭示了戏曲艺术在生命力旺盛期对周边艺术形式的强大吸纳能力。 第四部分：近代转型与当代困境——戏曲艺术的“活态传承” 进入近现代，戏曲艺术面临前所未有的冲击，包括西方戏剧形式的引入、大众娱乐方式的分流以及社会结构的变化。本部分着重探讨了戏曲艺术家们为求生存与发展所进行的艰难探索。 梳理了“五四”时期知识分子对传统戏曲的批判与改良呼声，分析了以梅兰芳先生为代表的艺术家如何通过“新编历史剧”和“角色行当的优化组合”，将中国戏曲推向世界舞台，实现了古典艺术的“典雅化”和“国际化”表达。 着眼于当代，本书深刻反思了在高度工业化的今天，戏曲如何维持其“活态传承”。我们探讨了戏曲的“程式化”美学与现代观众审美习惯之间的张力。分析了在国家大力扶持下，戏曲在剧目挖掘、舞台美术革新（如灯光、舞美设计）等方面所做的努力，但同时也警示了过度依赖文本考据或过度追求舞台效果可能带来的艺术失衡风险。 结语： 《梨园旧梦》旨在提醒读者，中国戏曲并非博物馆中的陈列品，而是一个持续呼吸、不断适应环境的有机生命体。它的魅力在于其深厚的历史积淀，更在于它在历史的每一个转折点上，所展现出的惊人韧性和自我革新的能力。通过对不同地域、不同声腔艺术的细致梳理，本书试图勾勒出中国戏曲艺术如同一张巨大而精密的文化网络，其每一个节点，都承载着一方水土的记忆与情感。 （字数：约1550字）

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作为一名戏曲研究者，我更关注的是剧本结构和音乐板式的创新性。这部《卷席筒》的版本，在保留了经典曲牌和唱段的基础上，对于叙事节奏进行了巧妙的调整。它没有过多地纠缠于冗余的背景铺垫，而是迅速切入核心矛盾，这对于现代观众的接受度无疑大大提升。音乐上，它成功地在传统曲牌的韵味和现代舞台对音乐张力的需求之间找到了一个绝佳的平衡点。我注意到一些配器的细微变化，比如在表现人物焦虑不安时，对打击乐的运用更加密集和富有现代感，但又不失地方戏曲的根基。这种“守正创新”的尺度拿捏得非常到位，既尊重了艺术的源流，又确保了艺术生命力在新时代的延续。而且，两张碟的内容排布来看，导演显然是下了苦心的，情节过渡自然流畅，前后呼应严密，逻辑性极强，很少出现为了唱戏而唱戏的生硬转折，看完之后，故事的完整性体验非常好。

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从纯粹的 VCD 收藏角度来看，这套《曲剧卷席筒主演海连池二片装》的价值是不可估量的。首先，它记录了一个时代顶级艺术家的巅峰状态，这本身就是一种文化抢救。其次，作为一套双碟装，它的完整性和收录的完整度非常高，几乎涵盖了这场演出的所有精华片段，没有任何删减的痕迹，这对于我们研究海连池先生的艺术风格的成熟期具有重要意义。画质和音质的保留，对于那个年代的录制标准来说，已属上乘，虽然不能和现代高清数字录制相比，但它保留了那个时代特有的胶片质感和剧场气息，这反而成了一种独特的怀旧价值。我甚至愿意为了这种原汁原味的感觉，而不是追求绝对清晰的画面而珍藏它。对于真正热爱曲剧、敬重老艺术家的观众来说，这套碟片绝对是案头必备的珍品，是值得反复品味和学习的范本。

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天哪，我刚刚读完这本《曲剧卷席筒主演海连池二片装(VCD)》的感想简直是五味杂陈，但总的来说，我得说它简直是戏曲爱好者的一场视觉与听觉的盛宴。首先最让我震撼的是舞台调度，那简直是教科书级别的示范。导演对群戏的掌控力炉火纯青，每一个角色的走位、每一次亮相的时机都拿捏得恰到好处，丝毫没有传统地方戏那种略显拥挤或拖沓的感觉。特别是高潮部分，几位主要演员同台飙戏，那场面调度得如同精密的瑞士钟表，层层递进，张力十足。你甚至能感受到那种历史的厚重感，服装、道具的考究程度也反映出剧团对这部作品的尊重。那种老一辈艺术家对艺术的虔诚，是通过屏幕都能扑面而来的。我尤其欣赏他们在处理复杂情感戏时，那种含蓄而又精准的表达方式，一个眼神、一个手势，胜过千言万语的对白，这才是真正的国粹魅力所在。看完之后，我立刻又翻出了碟片想再看一遍，生怕错过任何一个细微的精彩瞬间。

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我主要关注的是布景设计和服装美学，毕竟这是地方戏曲区别于其他剧种的重要视觉元素。这部录像的布景简洁大气，深谙“此处无声胜有声”的东方美学精髓。它没有采用那种过度堆砌、眼花缭乱的写实布景，而是大量运用了写意和象征性的元素，比如几块简单的背景幕布，通过光影的变幻，瞬间就能营造出风雪交加的荒凉感，或是宫廷宴饮的奢华氛围。这种留白的处理，极大地解放了观众的想象空间，也使得演员的表演成为视觉的绝对焦点。服装的配色也极为讲究，严格遵循了角色身份和性格的设定，色彩饱和度适中，既有地方戏曲特有的华丽感，又避免了过于艳俗的观感。特别是主角的几套戏服，刺绣的工艺和面料的选择，都透着一股历史的沉淀感，光是看服装的细节，就能感受到剧组在制作上的巨大投入和对艺术品质的极致追求。

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说实话，我一开始对“卷席筒”这个题材并没有抱太大期待，总觉得传统戏曲的题材相对固定，创新空间有限。然而，海连池老师的演绎彻底颠覆了我的固有印象。他对于人物内心世界的挖掘深度，简直是令人叹为观止。这个角色内心挣扎、矛盾重重，从早期的意气风发到后期的沉郁顿挫，海老师处理得层次分明，绝不脸谱化。他的唱腔更是百转千回，时而高亢激昂，如黄钟大吕，振聋发聩；时而低回婉转，如泣如诉，直击人心最柔软的地方。最让我动容的是他处理悲剧性情节时的“收”，那种克制到极致的爆发力，比歇斯底里更具穿透力。对比现在一些追求速度和华丽技巧的表演，海老师的表演更像是慢火熬制的老汤，味道醇厚，回味无穷。这部录像的清晰度和音效处理也相当不错，最大程度还原了现场的质感，让人仿佛置身于剧场之中，这对于研究曲剧表演艺术来说，是极其宝贵的资料。

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